Aneka Kerajinan Tangan Rumahan yang Bisa Dibuat Dengan Mudah

Aneka Kerajinan Tangan Rumahan yang Bisa Dibuat Dengan Mudah

Aneka Kerajinan Tangan Rumahan yang Bisa Dibuat Dengan Mudah – Aneka Kerajinan Tangan Rumahan yang Bisa Dibuat Dengan Mudah – Seni kriya merupakan salah satu hasil karya tangan yang indah. Dimana pada pembuatan karya seni ini dibutuhkan keterampilan dan kreativitas tak terbatas. Tidak selalu sulit, sebab bisa diwujudkan dengan cara sederhana. Lalu, apa sajakah kerajinan tangan yang mudah dibuat itu?

Ada banyak sekali contoh kerajinan tangan yang bisa dibuat sendiri di rumah. Karya tersebutpun dapat digunakan untuk sendiri maupun dijual kembali. Benar sekali, aneka kerajinan tangan rumahan sangat laku di pasaran. Ini menjadi peluang yang bagus untuk Anda yang ingin mendapatkan penghasilan dari rumah atau untuk menambah modal anda untuk bermain judi bola di multibet88.online sehingga peluang kemenangan bermain judi online anda akan lebih besar lagi jika modal yang anda miliki besar.

Berikut adalah beberapa contoh kerajinan tangan rumahan yang bisa dibuat dengan cara sederhana:

• Aksesoris hijab dari kain flanel, yang mana kain unik ini bisa disulap jadi berbagai macam bentuk. Bros dari flane ini bisa berbentuk kupu-kupu, bunga, pita dan lainnya.

• Gantungan kunci dari flanel. Kain ini bisa juga dimanfaatkan untuk membuat gantungan kunci. Biasanya dibentuk dalam karakter yang unik. Seperti aneka buah, huruf, tokoh kartun dan lainnya.

• Aksesoris rambut dari flanel. Masih menggunakan kain flanel yang sama, dapat dikreasikan untuk membuat aksesoris rambut. Seperti bando dan jepitan rambut.

• Tas unik dari kain perca pun boleh juga. Kain bekas yang tak terpakai bisa disulap jadi tas cantik. Tampak seperti susunan kain tak beraturan namun terlihat menarik.

• Pakaian dari kain perca. Dimana pakaian tersebut dapat berupa baju, rok, celana dan lainnya. Cara membuatnya sama seperti langkah menyusun pakaian pada umumnya. Hanya saja jenis kainnya bekas dan berupa potongan-potongan kain. Jika dikombinasikan akan lihat unik.

• Bros dari kain perca juga tidak kalah bagusnya. Jenis kain bekas yang dipakai adalah yang berukuran kecil. Kemudian disusun untuk membentuk pola tertentu. Biasanya bros kain perca berbentuk aneka bunga dan pita.

• Mainan anak dari kardus bekas. Kardus tersebut dapat digambar membentuk tokoh ataupun karakter lain. Kemudian agar semakin menyerupai karakter yang diinginkan, ditambahkan beberapa polesan warna. Selain lebih mirip, mainan dengan warna yang menarik lebih disukai anak-anak.

• Sedotan yang berukuran besar bisa untuk membuat aneka hiasan rumah. Dapat disulap menjadi bunga dan daun yang biasanya ditempatkan pada vas bunga di atas meja. Selain itu bisa juga di letakkan di tembok.

• Kancing baju bisa juga untuk membuat bros hijab, hiasan dinding dan aksesoris wanita lainnya. Agar lebih menarik, pilih kancing dengan bentuk yang unik serta padukan warna yang ada.

Supaya karya seni yang dibuat tidak sia-sia, sebaiknya diimbangi dengan sesuatu yang berbeda. Sehingga tampak beda dengan kerajinan tangan buatan yang lain. Keunikan ini turut menarik perhatian dan menjadikannya lebih laku di pasaran daripada yang biasa-biasa saja.

8 Seniman Terkenal Yang Dilatih Secara Otodidak

8 Seniman Terkenal Yang Dilatih Secara Otodidak

8 Seniman Terkenal Yang Dilatih Secara Otodidak  – Manusia telah membuat seni sejak awal waktu, seringkali dengan sedikit pendidikan dalam materi, teknik, atau teori, namun gagasan “seniman otodidak” adalah fenomena yang relatif baru. Untuk menciptakan seni di luar saluran tradisional, Anda harus terlebih dahulu membuat saluran tradisional itu—yang biasanya kami maksudkan dengan sekolah dan akademi mapan yang mengkodifikasi pendidikan seni ke dalam standar dan praktik yang ditentukan. Dan di Barat, sejarah itu sebagian besar dimulai pada 1635 dengan Académie Française, yang secara radikal memprofesionalkan bidang seni.

8 Seniman Terkenal Yang Dilatih Secara Otodidak

8 Seniman Terkenal Yang Dilatih Secara Otodidak

mybabyjo – Untuk abad berikutnya—atau setidaknya sampai abad ke-18, para pemikir Pencerahan mengantarkan individualisme dan nalar sebagai tantangan terhadap tradisi dan otoritas—akademi mampu mempertahankan kekuatannya dan tidak banyak menghadapi pemberontakan. Tetapi hanya masalah waktu sebelum seniman di Barat mempertanyakan lembaga-lembaga tinggi ini, dan abad ke-19 memberikan beberapa contoh paling awal dan paling dihargai dari seniman otodidak. Ini adalah era yang memunculkanHenri Rousseau, dan tak lama kemudian,Vincent Van Gogh. Yang terakhir menerima pelatihan formal yang sangat sedikit, meskipun ia memiliki pengalaman bertahun-tahun di dunia seni ; Rousseau mungkin tidak menerima sama sekali.

Baca Juga : Latihan Seni Amatir dan Sehari-hari di Tiongkok Sosialis 

Di luar kanon Barat, gagasan otodidak bisa berarti sesuatu yang sangat berbeda. Memang, di beberapa wilayah di dunia, seniman yang beroperasi di luar sistem yang ditentukan dipandang lebih maju daripada seniman profesional, dan aturan serta formalitas yang disiratkan oleh kategori terakhir terlihat menghambat kreativitas sama sekali. Joanna Williams, profesor emerita seni India dan Asia Tenggara di University of California–Berkeley, telah menulis bahwa konsep Barat tentang seniman otodidak “akan terdengar sangat aneh di Cina, di mana pelukis amatir, berstatus sosial tinggi, [ telah] dianggap sebagai model ‘jenius’, lebih tinggi dari sekadar profesional.”

Para pembuat seni yang tidak terlatih yang mengikutinya, semuanya dari 150 tahun terakhir, berhasil membuat tanda mereka dengan sedikit atau tanpa bimbingan sekolah seni.

Henri Rousseau

Seorang seniman yang tumbuh di era PerancisImpresionisdanPost-Impresionis, Henri Rousseau tidak memiliki pelatihan formal para seniman itu. Dia baru mulai melukis dengan sungguh-sungguh pada tahun 1884, pada usia 40 tahun. Untuk sebagian besar masa dewasanya, dia bekerja sebagai juru tulis, mendapat julukan “Le Douanier” (“petugas bea cukai”) dari para kritikus yang berusaha untuk mendiskreditkan naif, pelukis tidak sekolah. Namun dikabarkan bahwa sifat pekerjaan Rousseau yang tidak menuntut (dia tidak pernah benar-benar berhasil mencapai pangkat petugas bea cukai) justru yang memberinya waktu untuk belajar melukis sendiri; ketika dia tidak sedang memindahkan kertas, dia melakukan perjalanan ke Louvre untuk membuat sketsa dari koleksinya.

Rousseau mengembangkan pengikut, terutama di kalangan seniman, untuk apa yang dilihat oleh para pendukungnya sebagai keterusterangan dan kurangnya pretensi dalam karyanya, kualitas yang mematahkan standar akademik. Terkenal karena pemandangannya yang cerah dan eksotis, Rousseau menciptakan pemandangan seperti mimpi yang didefinisikan oleh garis sebening kristal, dan dia akan dicintai olehsurealis. Kasper König, co-kurator pameran 2015 “The Shadow of the Avant-Garde: Rousseau and the Forgotten Masters” di Museum Folkwang di Essen, Jerman, telah mencatat bahwa kejeniusan Rousseau terletak pada kemampuannya untuk menghindari jebakan komposisi akademik dan rendering naturalistik. “Rousseau tidak tertarik pada ilusi palsu,” kata König. “Itu tentang seni, bukan ilusi–– dan itu radikal.”

Avant-garde abad ke-20 mengakui nilai Rousseau. Pada akhir hidupnya, dia berpameran bersama van Gogh danPaul Gauguin;Henri MatissedanAndre Derain—dan karyanya dikumpulkan olehPablo Picasso, yang kemudian mewariskan beberapa lukisan Rousseau ke Louvre.

Vincent Van Gogh

Salah satu seniman paling berpengaruh di era modern, Vincent van Gogh hampir seluruhnya belajar secara otodidak. Karakter yang rumit dan pendiam, van Gogh tidak memiliki selera untuk kelas. Dia diajar sejak usia muda oleh ibu dan pengasuh keluarganya, setelah usahanya di pendidikan di luar rumah menemui kegagalan. Pertama adalah tugas yang gagal di sekolah asrama, kemudian dua tahun yang tidak bahagia di sekolah menengah sebelum ia memasuki dunia kerja sebagai asisten pedagang seni pada usia 16 tahun.

Ketika van Gogh akhirnya kecewa dengan hal itu, dia mencoba masuk seminari untuk menjadi seorang pendeta, tetapi gagal dalam ujian masuknya. Dia kemudian menjalani (dan juga gagal) satu semester di sekolah misionaris, meskipun dia masih mendapatkan pekerjaan sebagai misionaris pada tahun 1879. Ketika saudaranya, Theo, melihat beberapa sketsa kongregasi petani miskinnya, dia memohon Vincent untuk mengejar seni. , menghasilkan upaya yang sangat singkat di Académie Royale des Beaux-Arts di Brussels pada tahun 1880.

Selama sisa hidupnya yang sangat singkat, van Gogh hanya berfokus pada lukisan, melihat contoh seni grafis balok kayu Jepang dan inovasi formal rekan-rekannya, di antara pengaruh lainnya. Tapi dia akhirnya mengembangkan gaya pribadi yang intens yang memicu banyak pekerjaan. Sementara penggemar van Gogh dengan cepat menunjukkan gejolak emosinya sebagai analog dengan gayanya yang istimewa, sapuan kuasnya yang berputar-putar dan energik serta nada ekspresif yang berani juga merupakan ciri khas gaya mandiri yang ditempa melalui pendidikan mandiri.

Frida Kahlo

Ayah Frida Kahlo, seorang fotografer Jerman, mengakui janji artistik putrinya ketika dia masih kecil, mengajar fotografinya dan merekrut temannya, seorang pembuat grafis, untuk memberinya instruksi informal dalam seni grafis. Ketika dia melebihi harapan artis lokal, dia melangkah lebih jauh dengan memberinya posisi berbayar sebagai magang ukirannya. Kahlo muda, bagaimanapun, mengarahkan pandangannya ke sekolah kedokteran. Tragisnya, magang dan pendidikannya terputus ketika dia menjadi korban kecelakaan mobil yang hampir fatal pada usia 18 tahun.

Selama masa pemulihannya, Kahlo yang pragmatis mempertimbangkan karier sebagai ilustrator medis yang akan mengubah hobi artistiknya menjadi sesuatu yang lebih. Dia memiliki kuda-kuda yang dibuat khusus dengan cermin sehingga dia bisa melihat dirinya melukis meskipun mobilitasnya terbatas, yang mengarah pada potret diri dan pengamatan anatominya sendiri. Dengan tepat, ketika dia mengembangkan gayanya, Kahlo mendapati dirinya tidak tertarik pada metode ilustrasi, tetapi pada ekspresi pribadi. Dia mulai memadukan perangkat formal modern dengan tradisi rakyat Meksiko dan jenis citra Katolik vernakular yang dihasilkan oleh seniman yang tidak terlatih.

Ketertarikan Kahlo—baik pribadi maupun intelektual—dalam pertanyaan tentang identitas Meksiko membuatnya mengenakan pakaian lokal dan mendandani dirinya sebagai mestiza Meksiko-Jerman dengan cara yang tercermin dalam banyak potret diri yang ia hasilkan selama hidupnya. Namun, tekniknya, dan—seni rakyatyang disayanginya, juga terkait erat dengan pemahamannya tentang apa yang dimaksud dengan seni avant-garde—yaitu, perlawanan dan alternatif pelatihan seni akademis yang dapat ditemukan dalam praktik seni lokal.

Bill Traylor

Menulis tentang seniman otodidak Bill Traylor pada tahun 2013, kritikus seni New York Times Roberta Smith melukiskan gambaran yang agak suram: “Bakat Bill Traylor muncul tiba-tiba pada tahun 1939 ketika dia berusia 85 tahun dan memiliki 10 tahun untuk hidup.” Lahir dalam perbudakan di perkebunan Alabama pada tahun 1854, Traylor tidak menerima pendidikan formal dalam hal apa pun, apalagi pelukan dari dunia seni yang tidak pernah diharapkan untuk dihuninya. Bahkan setelah dibebaskan pada akhir Perang Saudara, ia dipaksa untuk tetap menjadi petani bagi hasil di Jim Crow South. Dia hanya pindah ke peternakan lain pada tahun 1935 karena, seperti yang dia katakan, “Orang kulit putih saya telah meninggal, dan anak-anak saya telah tersebar.”

Dipaksa pensiun oleh rheumatoid arthritis, Traylor menjadi tunawisma dan tidur di ruang belakang rumah duka pada tahun 1930-an. Karena tidak memiliki sarana untuk menghidupi dirinya sendiri, ia mulai membuat gambar dan lukisan kecil dengan bahan apa pun yang bisa ia cari. Ketika seorang seniman muda bernama Charles Shannon menemukan karya Traylor secara kebetulan pada tahun 1939, dia memberinya bahan segar, apresiasi, dan dorongan—bahan bakar untuk Traylor, yang menjadi sangat produktif, mengisi gambar demi gambar dengan figur orang, tempat, dan gambar yang disederhanakan. simbol-simbol lain yang berhubungan dengan pengalaman pribadinya. Tubuh karya yang akan ia ciptakan dalam waktu terbatas dengan sarana yang sangat terbatas dirayakan karena estetikanya yang inovatif dan tidak terdidik, serta jendela artistik yang diciptakannya ke dalam striktur kehidupan kulit hitam di Selatan selama era Rekonstruksi.

Grandma Moses

Ditemukan pada usia 78, Anna Mary Robertson “Nenek” Moses membuat seni sepanjang hidupnya, meskipun dia tidak menerima pendidikan formal. Seorang pembantu rumah tangga kota kecil yang menjadi ibu rumah tangga, dia, menurut obituari New York Times dari tahun 1961, “seorang ‘primitif’ otodidak, yang di masa kanak-kanak mulai melukis apa yang dia sebut ‘lambscapes’ dengan memeras jus anggur atau lemon. jus untuk mendapatkan warna.” Di masa dewasa mudanya, dia menyalin adegan dari gambar yang diproduksi oleh perusahaan seni grafis Amerika Currier and Ives. Ketika keluarganya berkembang, seni Musa tumbuh lebih domestik, atau setidaknya apa yang bisa disebut dekoratif: pemandangan yang dilukis di papan api keluarganya; gambar bordir yang terbuat dari benang; selimut besar; boneka untuk cucunya.

Faktanya, seandainya Musa tidak menderita radang sendi di tahun-tahun terakhirnya, dia mungkin tidak akan beralih dari jarum jahitnya kembali ke kuas yang lebih mudah di masa mudanya. Namun demikian, ia menjadi sangat produktif, dan dikatakan telah menghasilkan lebih dari 1.500 karya yang mewakili kesederhanaan masa lalu dalam gambaran langsung, cerah, dan realistis. Kenaikan ketenarannya terjadi ketika seorang kolektor seni menemukan beberapa karyanya di jendela toko obat, memainkan latar belakang sederhana untuk makanan yang dipanggang dan selai yang juga dia buat untuk dijual.

Tahun berikutnya, pada tahun 1939, tiga dari lukisan-lukisan itu dimasukkan dalam pameran “Pelukis Amerika Kontemporer Tidak Dikenal” Museum Seni Modern , dan hanya satu tahun setelah itu, Moses memiliki pertunjukan solonya sendiri yang sukses. Pada saat kematiannya pada tahun 1961, ia telah menjadi nenek otodidak seni rakyat Amerika dan dianugerahi dua gelar doktor kehormatan, termasuk (ironisnya cukup) satu dari perguruan tinggi seni dan desain.

Henry Darger

Dari tahun 1930 hingga kematiannya pada tahun 1973, penjaga rumah sakit Chicago Henry Darger menghabiskan sebagian besar waktu senggangnya di apartemennya, dengan susah payah dan penuh kasih menulis dan mengilustrasikan apa yang akan menjadi karya terbesarnya. Terdiri dari 15.145 halaman dan ratusan ilustrasi, In the Realms of the Unreal menceritakan kisah Vivian Girls: putri-putri cilik dari negara Kristen yang membantu merekayasa pemberontakan melawan sistem perbudakan yang dipaksakan oleh kerajaan jahat.

Bekerja dengan campuran cat air dan kolase yang dibuat dari majalah populer dan buku mewarnai, ia secara obsesif menggambarkan tindakan para pahlawan wanitanya, yang tindakannya diselingi dengan penderitaan dan penyiksaan tragis di tangan para pengeksploitasi mereka. Dalam narasinya yang fantastis, Vivian Girls mengingat kisah-kisah mengerikan dari para santo Katolik awal, tetapi ditampilkan seperti karakter buku komik atau gadis-gadis muda dari gambar-gambar iklan.

Darger tidak menerima pelatihan seni formal; gayanya dipengaruhi secara visual oleh budaya populer, dan secara tematis oleh pendidikannya yang bermasalah. Dikirim ke panti asuhan Katolik pada usia 8 tahun dan dilembagakan pada usia 13 tahun di Suaka Illinois untuk Anak-Anak yang Berpikiran Rendah, Darger mengidentifikasi diri sebagai seniman dan “pelindung anak-anak.” Ketika dia meninggal pada usia 81 tahun, kedua sebutan itu diukir di batu nisannya. Melawan rintangan, Darger menghasilkan epik modern dan dirayakan karena bakat bawaannya, materi pelajarannya yang sering melanggar , dan tekadnya yang teguh untuk mengejar visinya.

Yoko Ono

Sementara ayah musik Yoko Ono memastikan bahwa putrinya menerima pelatihan klasik di piano, dia tidak menerima bimbingan dalam seni visual. Setelah lulus SMA, Ono mendaftar untuk belajar filsafat di Gakushuin, sebuah universitas swasta bergengsi di Tokyo. Setelah dua tahun, dia meninggalkan sekolah untuk bergabung dengan keluarganya, yang telah pindah ke New York. Dia mendaftar di Sarah Lawrence College pada 1950-an untuk mengejar bakatnya yang cukup besar dalam komposisi musik, yang memberinya kesempatan untuk memasuki kota dan bertemu dengan seniman pada saat penyair, seniman visual, musisi, koreografer, dan pemain lainnya sedang terburu-buru. berkolaborasi dalam multimedia, karya seni lintas disiplin.

Mendaftar diJohn CageDalam kursus komposisi eksperimental di Sekolah Baru untuk Penelitian Sosial, Ono menemukan bahwa latar belakang musiknya lebih dari cukup untuk merekomendasikannya ke komunitas avant-garde di sana, termasuk penyair-komposer.La Monte Young,KonseptualartisGeorge Brecht, dan artis pertunjukanAlan Kaprow.

Itu adalah lingkungan di mana Ono berkembang. Meskipun (atau, mungkin, karena) kurangnya pendidikan seni formal, karya Ono dengan gesit mensintesis beragam komponen visual dan ide-ide teoretis, terutama dalam penampilannya. Dan sementara karir seni dan musiknya tentu saja menerima dorongan sinyal dari menikahi salah satu musisi paling terkenal di dunia pada tahun 1969, Ono tidak pernah membutuhkan bantuannya lebih dari dia membutuhkan pelatihan formal di akademi seni untuk menjadi seorang seniman mandiri yang inovatif dan terkenal di dunia. artis yang diajarkan.

Thornton Dial

Thornton Dial lahir pada tahun 1928, pewaris keluarga petani bagi hasil kulit hitam yang miskin di Alabama. Dia tidak bersekolah di sekolah yang layak sampai dia berusia 13 tahun, dan bahkan saat itu, dia malu ditempatkan di tingkat kelas dua. Besar untuk usianya dan dikondisikan untuk kerja fisik yang berat, Dial mulai bolos sekolah untuk bekerja dan menghasilkan uang. Di masa dewasanya, ia bekerja di sebuah pabrik pembuatan gerbong sampai ditutup pada tahun 1981, di mana ia mulai membuat seni sebagai hobi.

Pengalaman awal dalam pekerjaan manual ini membentuk dasar untuk pendidikan mandiri Dial dalam bahan dan teknik, yang ia terapkan dalam pekerjaan semi-figuratif, semi-abstrak yang nantinya akan berkembang menjadi kumpulan besar, seringkali-monumental, yang dapat dianggap sebagai satu kesatuan. dengan tradisi bricolage Selatan. “Kesenian saya adalah bukti kebebasan saya,” kata Dial dalam sebuah wawancara pada pertengahan 1990-an. “Ketika saya memulai karya seni apa pun, saya dapat mengambil apa pun yang ingin saya ambil. Saya mulai dengan apa pun yang sesuai dengan ide saya, hal-hal yang akan saya temukan di mana saja.”

Dial adalah ahli diagnosa yang tajam dari penyakit sistematis yang dia lihat dalam masyarakat Amerika. Tema rasisme, seksisme, dan kemiskinan muncul secara teratur dalam karyanya melalui materi yang membangkitkan kondisi kehidupan yang keras, dan judul yang merujuk pada peristiwa politik, tempat bersejarah, dan kitab suci Kristen. Dia dikenang karena kecerdikan formalnya dan kekuatan emosional dari bentuknya yang jelas dan kadang-kadang menjulang, yang menyedot benda-benda sehari-hari dari hidupnya ke dalam orbitnya, dan mengubahnya menjadi sesuatu yang luar biasa.

Latihan Seni Amatir dan Sehari-hari di Tiongkok Sosialis

Latihan Seni Amatir

Latihan Seni Amatir dan Sehari-hari di Tiongkok Sosialis – Pada tahun 1975, penulis dan seniman emigran Chiang Yee kembali ke Cina, negara kelahirannya. Dia secara tidak sengaja telah pergi selama lebih dari empat dekade, terpisah dari keluarganya oleh pecahnya perang setelah berangkat ke London pada tahun 1933. Pada tahun-tahun berikutnya, kemungkinan untuk kembali tampak semakin jauh, dan Chiang menghabiskan beberapa dekade mencoba untuk berdamai dengan yang menyakitkan. fakta bahwa dia mungkin tidak akan pernah melihat istri dan empat anak kecil yang dia tinggalkan lagi. Chiang menuangkan perasaan kesepian dan keterasingannya ke dalam tulisan dan lukisan tentang pengalamannya di luar negeri, karya yang akhirnya diterbitkan sebagai seri travelogue bergambar populer yang disebut ‘The Silent Traveller’. Ditulis dari perspektif ‘orang Timur rindu kampung halaman’ yang digambarkan sendiri, banyak yang memuji seri terlaris Chiang dengan membuat budaya dan seni Tiongkok dapat diakses oleh penonton Anglo-Amerika abad pertengahan.

Latihan Seni Amatir

Latihan Seni Amatir dan Sehari-hari di Tiongkok Sosialis

mybabyjo.com – Ketika Richard Nixon melakukan kunjungan kenegaraan ke Beijing pada tahun 1972, tiba-tiba kembali ke China tampaknya mungkin, karena pembatasan seputar perjalanan ke luar negeri dilonggarkan. Chiang adalah salah satu dari banyak orang Tionghoa perantauan yang sangat ingin kembali. Bahkan setelah empat dekade pergi, dia masih memegang erat identitas Tionghoanya dan ingin berhubungan kembali tidak hanya dengan keluarganya, tetapi juga dengan negara asalnya. Dia telah menyaksikan dari kejauhan sebagai negara baru dengan visi utopis untuk masa depan telah didirikan, yang memerlukan reorganisasi radikal dan revolusioner kehidupan dan masyarakat. Chiang ‘sangat cemas dan ingin tahu tentang perubahan besar ini,’ Chiang mengajukan permohonan visa pada tahun 1974. Pada bulan April 1975, dia akhirnya kembali untuk tur selama dua bulan di negara itu setelah 42 tahun pergi.

Selama perjalanannya, Chiang mengunjungi Hu Xian, sebuah desa pedesaan di pinggiran Xi’an, provinsi Shaanxi. Hu Xian telah menjadi terkenal baik di dalam maupun di luar Republik Rakyat Tiongkok (RRT) atas pencapaian artistik para seniman amatirnya, para petani yang di ‘waktu senggangnya’ (业余) dari pekerjaan pertanian melukis karya-karya penuh warna dan menawan yang menggambarkan kehidupan di pedesaan1. Meskipun Chiang dan para petani Hu Xian dipisahkan oleh banyak hal, mereka memiliki hasrat yang sama untuk seni, dan Chiang menghabiskan hari itu untuk mengenal mereka.

Chiang terkesan dengan apa yang dilihatnya, dan mencatat pengalamannya di Hu Xian dalam catatan perjalanannya. Pertama, keberadaan ‘petani-seniman’ di RRC dengan sendirinya merupakan wahyu, karena ‘seorang petani yang bisa melukis … tidak pernah terdengar di masa lalu, karena di masa lalu, hanya sedikit dari mereka yang bisa mengenyam pendidikan, apalagi diajari cara memegang kuas’ (Chiang 1977, 76-77). Tapi Chiang menemukan seni mereka luar biasa juga. Karya-karya mereka ‘memiliki karunia untuk memberikan materi pelajaran mereka secara eksplisit dengan pengaturan artistik,’ yang oleh Chiang lebih baik dibandingkan dengan karya-karya pastoral ikonik di kanon Barat, seperti ‘The Gleaners’ karya Jean-François Millet dan ‘The Potato Eaters’ karya Vincent van Gogh ( Chiang 1977, 77). Dia menghabiskan sorenya di Hu Xian untuk mengobrol dengan sesama seniman.

Apa yang disaksikan Chiang di Hu Xian mungkin merupakan puncak dari praktik artistik yang, pada saat itu, telah dibudidayakan selama beberapa dekade di RRC: praktik seni amatir, yang dikenal dengan berbagai nama sebagai , , , dan . . Hari ini, jika diingat sama sekali, gerakan seni amatir periode sosialis digabungkan hanya dengan seni petani, tetapi pada kenyataannya praktik seni amatir menyebar ke seluruh kelas pekerja di Cina selama periode sosialis. Praktik seni amatir sosialis berakar pada pengorganisasian politik dan praktik produksi pra-1949, dimulai dengan dorongan para pekerja yang diorganisir oleh Partai Komunis Tiongkok untuk menggambar sketsa dan kartun (漫画) yang mengkritik kebiasaan kerja yang kontraproduktif atau menggambarkan yang ideal.

Karena semakin banyak amatir yang terlibat dalam pembuatan seni, praktik tersebut bergeser dari kritik terhadap metode produksi menjadi praksis budaya sosialis yang lebih luas. Praktek seni rupa sosialis amatir berfungsi tidak hanya sebagai sarana untuk mengubah kelas dan hubungan kerja yang sebelumnya dominan dalam seni rupa, tetapi juga sebagai strategi untuk mengubah budaya ahli dan profesional seni rupa menjadi praktik akar rumput sehari-hari. . Meminjam konsep sejarawan Michael Denning tentang ‘pekerjaan budaya’, saya berpendapat bahwa praktik seni amatir sama ‘mekerjakan’ seni rupa dengan menempatkan seni dalam hubungan sosial massa pekerja (工农兵群众). Hasilnya adalah praktik yang menantang otoritas akademi seni sebagai tempat pelatihan yang melegitimasi, mengevakuasi konsep jenius kreatif dan pencapaian teknis yang sebelumnya dikaitkan dengan pengakuan seorang seniman, dan merangkul media dan materi pelajaran yang terutama berorientasi pada publik, berbeda dengan pasar.

Pekerjaan Seni Rupa

Praktik seni amatir sosialis biasanya dimulai pada tahun 1958, dan dipahami dalam literatur sebagai program yang diprakarsai sebagai pelayan budaya untuk kampanye ekonomi Lompatan Jauh ke Depan. Ellen Johnston Laing (1985), misalnya, menggambarkan apa yang dia sebut ‘seni petani’ sebagai program untuk ‘mengabadikan manfaat positif Lompatan Besar dan komune dalam cerita, puisi, drama, dan gambar,’ sementara sejarawan Duan Jingli (2001), juga tertarik terutama pada seni petani, tanggal kelompok studi seni petani paling awal ke tahun 1956 di dua lokasi: satu di kabupaten Pi, provinsi Jiangsu, dan yang lainnya di Shulu, provinsi Hebei. Namun akan lebih akurat untuk menganggap kampanye ekonomi Lompatan Jauh ke Depan sebagai pendamping program budayanya; lagi pula, seperti yang ditunjukkan sejarawan Maurice Meisner, ketika Lompatan Jauh ke Depan pertama kali diumumkan, sebagian besar terdiri dari rancangan ambisius untuk perubahan budaya Maois, dengan kebijakan ekonomi khasnya—pembentukan komune rakyat (人民公社) dan target produksi baja —hanya mengikuti nanti. Sumber arsip menunjukkan bahwa seni amatir telah dipraktikkan sebelum tahun 1958 dalam bentuk kelompok belajar seni (业余美术创作组), di mana para pekerja yang tergabung dalam unit kerja yang sama membentuk kelompok-kelompok kecil yang bertemu secara teratur untuk menggambar dan mengomentari karya satu sama lain. , seringkali di bawah bimbingan seniman berpengalaman.

Baca Juga : Beberapa Pelukis Belanda Yang Paling Terkenal

Sebagai formasi sosial, profesionalisme (专) dan amatirisme (业余) mengacu pada pembagian hidup menjadi waktu kerja dan waktu tidak bekerja. Keduanya bekerja bersama satu sama lain, ‘terkunci dalam hubungan simbiosis [mengurangi] kesenjangan antara pekerjaan dan kebebasan … Tidak adanya satu mendefinisikan dan mengikat yang lain’ (Zimmerman 1995, 6). Selama periode sosialis di RRC, dikotomi profesional/amatir juga merujuk pada perbedaan antara seniman terlatih dan tidak terlatih, yang pada dasarnya merupakan perbedaan kelas: akademi seni adalah satu-satunya situs legitimasi terpenting bagi calon seniman, dan mereka dihadiri hampir eksklusif oleh orang Cina perkotaan yang kaya. Dalam usahanya untuk menghilangkan hambatan seni, praktik seni amatir sosialis mengeluarkan seni rupa dari akademi dan memusatkannya di tingkat akar rumput: di jajaran militer, di pabrik, dan di komune. Dengan mengubah skala di mana seni diproduksi, praktik seni amatir mengubah seni rupa dari pengejaran yang sangat individual dan khusus dari komunitas elit, kecil, dan kredensial, menjadi aktivitas massal yang dibangun dari tingkat masyarakat bawah.

Seni Rupa (美术) edisi Mei 1954, publikasi seni unggulan RRC, memuat artikel berjudul ‘Kegiatan Penciptaan Seni oleh Pekerja Shanghai’ yang membahas kelompok seni amatir yang dibentuk di antara para pekerja di wilayah Shanghai. Penulisnya, Li Cunsong, mencatat bahwa setelah Pembebasan pada tahun 1949, membuat sketsa dan melukis menjadi populer di kalangan pekerja yang telah ‘menyerahkan’ (翻身), yang mengakuinya sebagai alat yang ampuh untuk mengartikulasikan kesadaran sosialis baru mereka dan membaginya dengan orang lain ( Li 1954). Selanjutnya, karena hasil artistik ‘pekerja’ (工人创作) berasal dari kebutuhan produksi,’ seni mereka sangat unggul dalam mengidentifikasi kebiasaan kerja yang tidak diinginkan. Li menggambarkan kartun karya seorang pekerja yang menyindir metode produksi yang mengutamakan kuantitas daripada kualitas, misalnya. Dengan memperhatikan metode produksi yang bermasalah, seni pekerja amatir memainkan peran penting dalam meningkatkan proses produksi.

Jumlah kelompok seni amatir yang didirikan meroket pada akhir tahun 1958 seiring dengan kebijakan (‘diturunkan’, atau ‘memasuki kehidupan’), yang mengirim seniman terlatih ke pedesaan dan memasukkan mereka ke dalam komunitas pekerja dan petani untuk ‘belajar dari kehidupan ‘. Lebih dari 30 komunitas seni pekerja, petani, dan tentara yang terpisah menjadi terkenal dari akhir 1950-an hingga akhir 1970-an karena kegiatan seni amatir mereka yang berkelanjutan, mendapatkan liputan di surat kabar nasional termasuk People’s Daily, People’s Liberation Army Daily, dan Guangming Daily, sementara karya seni mereka ditampilkan di museum dan aula budaya (文化馆) di seluruh negeri. Karena kelompok seni amatir memiliki akses ke sumber bahan yang sangat berbeda dari seniman perkotaan, profesional, dan terlatih akademi, karya seni yang dibuat oleh seniman amatir menggunakan bahan murah yang mudah dibuat dan ditampilkan: sketsa, kartun, lukisan, dan ‘seni dinding’. (壁画), atau mural luar ruangan yang dilukis di sisi rumah dan bangunan lokal.

Profil tahun 1958 tentang dua seniman pedesaan dalam Seni Rupa menggambarkan bagaimana petani Zhang Shaonan dan Zhang Penqing memperkaya masyarakat sekitar dengan seni. Digambarkan sebagai berbahu lebar dan bertelanjang kaki, dengan tangan kasar dan kaki yang kuat karena bekerja di ladang, di waktu mereka jauh dari tanggung jawab pertanian biasa, kedua Zhang sering bepergian ke desa-desa tetangga atas undangan untuk membuat seni di tempat, menggambar di papan tulis komunal, melukis mural di dinding desa, dan merancang karya propaganda. Tidak seperti artis biasa, kedua Zhang ‘tidak memiliki kerangka memalukan (臭架子) dari para intelektual lama,’ dan mereka juga tidak mempromosikan diri sendiri (Zou 1958). Sebaliknya, dua petani dari desa Timur di Zhuji, provinsi Zheijiang ini, mampu menciptakan citra yang selaras dengan penduduk setempat karena keaslian mereka sebagai petani (地地道道的农民) dan pengetahuan langsung tentang kehidupan pedesaan.

Menciptakan seni sosialis baru berarti menciptakan seniman sosialis baru, dan praktik seni amatir memainkan peran penting dalam menantang konsep tradisional seniman. Di mana seniman biasanya dilihat sebagai urban, laki-laki, dan anggota kelas atas yang berpendidikan, praktik seni amatir meminta anggota massa untuk mengisi peran, menantang gagasan bahwa seseorang perlu menjadi bagian dari kelas atau gender tertentu untuk menjadi seorang seniman. Selama periode sosialis, perbedaan antara profesional dan amatir semakin dipertanyakan. Inisiatif ‘merah dan ahli’ pada akhir 1950-an berusaha untuk menyelesaikan konflik lama antara kerja mental dan manual melalui demokratisasi pendidikan dan keahlian teknis (Andreas 2009; Schmalzer 2019). Bahkan istilah ‘artis’ direvisi: di mana ‘artis’ biasanya diterjemahkan secara beragam sebagai , , atau , akhiran bersama , yang menunjukkan status profesional yang lebih tinggi, diganti dengan akhiran baru—工作者, atau ‘ pekerja’. Dengan demikian, Artis (美术家) direklasifikasi sebagai pekerja seni (美术工作者), menandakan ‘niat untuk mendefinisikan kembali identitas seniman dan penulis sebagai bagian dari kelas pekerja’ dan untuk membuat karya budaya dapat dibaca sebagai tenaga kerja, sebagai lawan untuk tindakan jenius kreatif (Geng 2018, 2).

Untuk mengakomodir seniman amatir yang dikodekan secara eksplisit sebagai anggota massa pekerja, perlu dilakukan penyesuaian formasi budaya yang melahirkan dan memuliakan seniman tersebut. Dengan demikian, konsep seniman sebagai jenius kreatif mulai bergeser untuk mengakomodasi legitimasi amatir. Misalnya, pada tahun 1955 pelukis dan seniman ukir kayu Li Qun mengkritik konsep jenius (天才) yang berkaitan dengan seni rupa, menulis bahwa kejeniusan bukanlah kualitas bawaan turun-temurun, dan itu tidak ditentukan sejak lahir. ‘Apakah [jenius] bergantung pada memiliki fisiologi yang unggul (生理)?,’ tanya Li. ‘Pada kenyataannya, jelas bahwa keberadaan jenius tidak dapat dipisahkan dari penggarapannya, dari kesetiaan tanpa batas kepada rakyat, dari metode kerja ilmiah, dari kecerdikan tenaga kerja dari sulitnya kerja keras, dan hubungannya dengan rakyat’ (Li 1955, 39–40). Jenius, Li berpendapat, bukanlah produk dari pikiran yang unik dan eksentrik, melainkan masalah pengabdian individu untuk métier, yang mencerminkan pandangan yang tumbuh dalam mata uang sebagai tahun 1950-an menuju 1960-an.

Semakin, konsep jenius yang sudah ada sebelumnya diidentifikasi sebagai berbahaya, sebuah formasi budaya yang secara eksplisit mengecualikan massa dari pengakuan atas hak mereka sendiri sebagai penulis kreatif. Teknik (技术) muncul sebagai persimpangan penting di mana seniman terlatih dan tidak terlatih dapat bertemu dan melakukan pertukaran. Sekali lagi, Li Qun mempertanyakan asumsi tradisional seputar apa yang membentuk seni yang baik dalam penilaian seni amatir: ‘Masalahnya adalah bahwa ada beberapa orang yang tidak dapat memahami kekuatan bahkan karya [oleh pekerja, petani, dan tentara] yang sangat bagus. … dan ini jelas melibatkan isu-isu yang berkaitan dengan standar metodologi (标准的方法) yang dengannya kita menghargai seni’ (Li 1958, 8-9). Li Qun mengusulkan bahwa standar tipikal yang digunakan untuk menilai seni membutuhkan pemikiran ulang yang radikal. ‘Ide tentang seni yang dianggap (艺术性) bermasalah,’ karena tidak memperhitungkan pesan ideologis atau kekuatan persuasif dari sebuah karya. Jika ‘semangat konten … dan semangat zaman’ dibuang dan sebuah karya seni dinilai dengan keterampilan teknis saja, ‘maka Anda hanya bisa sampai pada kesimpulan negatif’ (Li 1958, 8-9).

Namun pada saat yang sama, penguasaan keterampilan teknis yang diperlukan untuk menciptakan seni, seperti menggambar garis, memperbesar, mengarsir, volume, penggunaan warna, dan penggambaran anatomi, ekspresi, dan rupa yang realistis—tidak dipandang sebagai pemisah. batas antara seniman profesional dan amatir. Bagi Li Qun, sebuah karya menjadi kuat bukan karena ia menggambarkan subjeknya dengan akurasi anatomis dan verisimilitude, tetapi karena penontonnya mendapatkan gambaran yang jelas tentang narasi gambar tersebut. Mengambil sketsa oleh seorang tentara sebagai contoh, Li Qun memuji ‘konsep teladan dan pengaturan’ karya tersebut, menjelaskan bahwa meskipun pekerjaan memiliki ‘ketidakakuratan’, ‘tidak menggunakan ilustrasi untuk menjelaskan bagaimana kehidupan, melainkan generalisasi (概括) hidup dengan gambar’ (Li 1958, 8).

Li Qun dan pendukung seni amatir lainnya menyalahkan kurangnya akses ke kesempatan yang memadai untuk pelatihan teknik seni rupa. ‘Ada orang-orang dengan pemikiran konservatif yang selalu merasa bahwa pekerja dan petani tidak memiliki bakat artistik, dan bahwa seni rupa tidak boleh teatrikal atau performatif, atau berisi tema yang mudah menarik massa,’ tulis Huang Dingjun, kepala Hubei. Istana Kebudayaan Massa Provinsi (Huang 1958, 36). Li Fenglan, petani Hu Xian dan ibu dari empat anak yang mungkin kemudian menjadi seniman amatir paling terkenal pada masa itu, melihat dirinya sebagai bukti positif bahwa para petani dapat membuat seni sebaik orang lain. Menggambarkan prasangka yang dia hadapi dari orang-orang dengan ‘pemikiran konservatif’ yang menganggap gender dan kelasnya mendiskualifikasi dia dari berlatih seni, dia menegaskan bahwa: ‘Kami petani menengah ke bawah (贫下中农) sepenuhnya mampu mempelajari keterampilan yang dibutuhkan untuk membuat seni. . Yang diperlukan hanyalah memiliki ambisi revolusioner, mau belajar dengan rajin, dan berlatih keras’ (Li 1974). Li Fenglan memahami teknik artistik sebagai keterampilan modular yang dapat diperoleh melalui latihan teratur, terlepas dari latar belakang atau persiapannya. ‘Keterampilan dasar ini tidak turun dari surga, dan mereka tidak diberkahi saat lahir. Mereka harus dipelajari dari kehidupan, dari massa, dan dari praktik seni’ (Li 1974).

Beberapa Pelukis Belanda Yang Paling Terkenal

Beberapa Pelukis Belanda

Beberapa Pelukis Belanda Yang Paling Terkenal –  Pada Tahun 1588-1672 adalah salah satu yang paling makmur dalam sejarah Belanda. Sering disebut The Golden Age, itu adalah periode yang sebagian besar bertepatan dengan kemakmuran ekonomi Belanda abad ke-17. Banyak karya seni terkenal (dan saat ini sangat mahal) berasal dari periode ini, diproduksi oleh para master yang hidup pada masa itu.

Beberapa Pelukis Belanda

 

Beberapa Pelukis Belanda Yang Paling Terkenal

 

mybabyjo – Belanda utara, yang bersama-sama membentuk Republik Tujuh Belanda Bersatu, berkembang pesat dalam perdagangan (budak), sains, dan seni.

Pikirkan Rembrandt van Rijn dan Jan Steen. Ini hanyalah dua dari beberapa pelukis luar biasa yang ada setelah abad ke-17. Karya seni mereka yang unik dapat ditemukan di Belanda dan di seluruh dunia, menarik jutaan pengunjung ke museum Belanda yang terkenal.

Tapi Belanda jauh lebih dari Van Gogh dan Rembrandt. Ada begitu banyak lagi master Belanda — jadi inilah lima pelukis Belanda yang paling terkenal.

Jheronimus Bosch — akhir abad ke-15

Menurut Jheronimus Bosch, juga dikenal sebagai Jeroen atau Hieronymus Bosch, lahir sebagai Jheronimus van Aken, di Den Bosch sekitar tahun 1450. Ia meninggal di Den Bosch pada 9 Agustus 1516.

Keluarga Van Akens adalah keluarga lukisan yang terkenal, jadi tidak mengherankan jika Jheronimus kemudian menjadi pelukis yang sukses. Dia tercatat dalam sejarah sebagai den duvelmakere (pembuat iblis), karena lukisannya sering menggambarkan makhluk mirip iblis dan gambar satir lainnya.

Jheronimus adalah seorang pelukis yang sangat teliti dan lukisannya sering berisi detail yang tak terhitung jumlahnya. Salah satu pelukis awal Renaisans Belanda, ia juga merupakan bagian dari kelompok pelukis yang dikenal sebagai Vlaamse Primitieven (Flemish Primitives). Ini karena fakta bahwa mereka paling aktif di kota-kota Flemish seperti Bruges, Ghent, dan Brussel.

Baca Juga : Wawancara Dengan Valentina Tanni Tentang Seni Profesional Dan amatir

Sementara ia adalah seorang pelukis yang brilian, salah satu karyanya yang paling terkenal, “De Tuin der Lusten” yang merupakan “triptych” (tiga lukisan yang menjadi satu) oleh beberapa kritikus disebut rasis.

Panel kiri lukisan itu menggambarkan surga atau Taman Eden (bisa dilihat dari Adam dan Hawa). Panel tengah menunjukkan Kejatuhan Manusia, di mana orang melakukan segala macam hal “bejat”, seperti menghabiskan waktu dengan orang kulit hitam. Akhirnya, di panel kanan, Anda melihat neraka Alkitab.

Pieter “Boer” Brueghel de Oude (Penatua) — awal abad ke-16

Pieter Brueghel lahir di Breda atau Breugel antara 1525 dan 1530, dan dia meninggal di Brussel pada 9 September 1569. Dia adalah seorang pelukis Brabant Renaissance yang kemudian menjadi ayah dari banyak pelukis “Bruegel” terkenal lainnya.

Dia sering menulis namanya tanpa “h”, tetapi anak-anaknya setelah dia selalu menandatangani karya mereka dengan Brueghel. Jadi hari ini dia sering dipanggil Pieter the Elder (karena lebih mudah).

Brueghel mendapat julukan, “petani”, karena fakta bahwa ia sering menyamar sebagai petani (tidak, sungguh 😂). Sebagai “petani” ia berpartisipasi dalam perayaan pedesaan sebagai sumber inspirasi untuk karyanya.

Dia melukis banyak lanskap pastoral, di mana pemandangan desa, panen, dan tema pedesaan lainnya menjadi pusat perhatian. Tak lama setelah kematiannya, ia menjadi terkenal karena lukisannya, terutama cetakannya.

Pieter, seperti banyak seniman pada masanya, suka melukis adegan dengan nada religius, memanfaatkan citra, ekspresi, dan kata kerja. Salah satu lukisannya yang berjudul “The Dutch Amsal” dari tahun 1559 masih sangat terkenal hingga hari ini dan berisi sekitar 125 ekspresi Belanda (beberapa di antaranya tidak lagi digunakan, saat ini). Anda juga dapat melihat kaleng lukisan di Gemäldegalerie Berlin.

Jan Steen — abad ke-17

Jan Steen lahir di Leiden (kampung halaman berteriak ) antara tahun 1625 dan 1626, 20 tahun setelah Rembrandt. Steen meninggal di Leiden pada 23 Februari 1679.

Dia melukis seluruhnya dengan gaya Barok, menggunakan humor dan orang-orang biasa untuk membuat karyanya sehidup mungkin. Lukisan-lukisannya terkenal karena sering menampilkan adegan dalam keadaan tidak rapi.

Ayahnya adalah seorang pedagang dan pembuat bir dan dia adalah anak tertua dari delapan bersaudara. Ia belajar di Universitas Leiden sambil juga menerima pelajaran melukis dari Nicolaus Knupfer, seorang pelukis Jerman. Dia kemudian diterima di Leiden Painters Guild. Sepanjang hidupnya, ia berpindah-pindah, tinggal sementara di Den Haag, Delft, Haarlem, dan Warmond, dan akhirnya kembali ke Leiden.

Karyanya dengan jelas menunjukkan bahwa kehidupan sehari-hari penting baginya. Salah satu karyanya yang paling terkenal, “Het Vrolijke Huisgezin” (Keluarga bahagia), menggambarkan sebuah keluarga yang kacau sedang bersenang-senang. Anda dapat dengan mudah mengagumi lukisan ini serta “The Night Watch” Rembrandt, karena keduanya dapat dilihat di Rijksmuseum di Amsterdam.

Gerard van Honthorst — abad ke-17

Gerard lahir di Utrecht pada tanggal 4 November 1592, dan meninggal di kota yang sama pada tanggal 27 April 1656. Dia mengikuti pelukis Caravaggio dan, sebagai hasilnya, sering disebut “Utrecht Caravaggist.”

Ia juga banyak mendapat inspirasi dari karya Antonon van Dyck. Sebagai seorang pemuda, ia melakukan perjalanan ke Italia untuk mengasah keahliannya di kota-kota seni besar Venesia, Florence, dan Roma. Sekembalinya, ia bergabung dengan Utrecht Painters Guild (langkah penting jika ia ingin menjual lukisannya secara legal).

Dia menerima komisi besar untuk menghasilkan beberapa karya seni yang mengesankan, beberapa di antaranya berasal dari Raja Inggris Charles I dan raja Denmark, Christian IV. Ia juga menjadi pelukis istana untuk Stadtholder, William II.

Popularitasnya agak menurun pada tahun 1640 dan ia mulai jarang melukis. Dia baru berusia 48 tahun saat itu tetapi dia sudah melihat banyak Eropa selama karirnya. Dia meninggal enam belas tahun kemudian.

Salah satu lukisannya yang terkenal yang disebut “De Koppelaarster” (The Matchmaker) dilukis pada tahun 1625 dan masih dapat dikagumi di Central Museum di Utrecht.

Albert Cuyp — abad ke-17

Albert Cuyp (setelah itu pasar Albert Cuyp di Amsterdam dinamai) lahir pada 20 Oktober 1620, di Dordrecht, dan meninggal pada 15 November 1691. Ia juga salah satu pelukis besar abad ke-17, tetapi sedikit berbeda dari yang sebelumnya.

Albert pada dasarnya adalah seorang pelukis lanskap. Dia berasal dari keluarga lukisan terkenal dan menjadi sangat terkenal karena pemandangan pedesaan Belanda di pagi hari atau di sore hari. Dia mewarisi sejumlah besar uang yang memungkinkan dia untuk benar-benar mengejar pekerjaan impiannya.

Sangat sedikit yang diketahui tentang hidupnya, selain bahwa dia paling aktif antara 1639 dan 1660. Dia juga seorang Calvinis yang setia , dan ini secara sempurna tercermin dalam kenyataan bahwa dia tampaknya tidak memiliki lukisan oleh seniman lain — setidaknya tidak ada yang ditemukan di rumahnya setelah dia meninggal. Menghabiskan uang untuk hal-hal yang murni estetika bukanlah sifat Calvinistik!

Salah satu pemandangannya yang terkenal adalah Rivierlandschap bertemu Ruiters (River Landscape with Riders). Ini adalah panorama sungai yang berkelok-kelok dengan dua pengendara mengistirahatkan kuda mereka. Lukisan ini saat ini berada di Rijksmuseum Amsterdam.

Wawancara Dengan Valentina Tanni Tentang Seni Profesional Dan amatir

Seni Profesional Dan amatir

Wawancara Dengan Valentina Tanni Tentang Seni Profesional Dan amatir – Peran seniman dalam konteks sejarah secara tradisional berasal dari faktor budaya dan sosial yang dapat berubah dari waktu ke waktu; sehingga sering terjadi perubahan definisi “karya seni” dan “seniman” sejalan dengan konteks sejarah.Oleh karena itu, arti dari apa itu seni tidak universal dan ahistoris. Karena internet, di zaman kita karya seni menghadapi situasi yang bukan hal baru tetapi tentu belum pernah terjadi sebelumnya dalam hal ukuran dan ruang lingkup: mereka menjadi bagian dari aliran gambar dan bahan visual yang tidak membedakan antara produk yang dibuat. oleh para profesional dan amatir. Di YouTube orang dapat menonton video seni pertunjukan dan segera setelah itu video anak kucing, tanpa gangguan; mencari sesuatu di mesin pencari Web mungkin akan ditampilkan tautan ke situs artis serta blog DIY. Kedua sumber produksi tersebut berasal dari konteks budaya yang sama dan keduanya bereaksi dengan caranya sendiri terhadap realitas di mana mereka berasal.

Seni Profesional Dan amatir

Wawancara Dengan Valentina Tanni Tentang Seni Profesional Dan amatir

mybabyjo.com – Isu-isu ini merupakan inti dari pameran kelompok Eternal September. Bangkitnya Budaya Amatir  Ljubljana, 26/2/2014 – dikuratori oleh Valentina Tanni (1976, Italia) dan diproduksi oleh Aksioma – Institute for Contemporary Art in Ljubjana , bekerja sama dengan kuc Gallery dan Link Center for the Arts of the Information Age di Brescia . Pameran ini mencakup karya-karya 15 penulis dan kelompok artistik (profesional dan amatir) dan serangkaian proyek dan acara khusus, seperti kuliah, pemutaran film, dan pameran online.

Slovenia adalah negara di mana banyak penelitian tentang masalah ini dilakukan dan, sebagai jembatan geografis dan budaya antara Eropa Barat dan Timur, ini adalah titik pertemuan yang menarik untuk membandingkan berbagai cara memahami teknologi. Acara ini termasuk dalam jaringan inisiatif dan proyek internasional yang melibatkan dua realitas Eropa nirlaba paling menarik terkait dengan penelitian tentang hubungan antara media baru dan seni, Aksioma dan Link Center for the Arts of the Information Age yang sebelumnya berkolaborasi pada musim panas tahun lalu. 2013 untuk pameran Jill Magid. Loker Barang Bukti di Ljubljana.

Yang pertama didirikan pada tahun 1999 oleh seniman Janez Janša dan yang terakhir pada tahun 2011 oleh Fabio Paris , penerbit dan mantan pemilik galeri, Domenico Quaranta , kritikus seni dan kurator dan Lucio Chiappa , konsultan untuk komunikasi korporat: keduanya tertarik pada proyek yang memanfaatkan teknologi baru untuk menyelidiki dan mendiskusikan struktur masyarakat modern, menciptakan proyek dan kegiatan internasional yang mendorong kolaborasi dan pertukaran dengan seniman dan lembaga budaya internasional. Karya fisik dan acara Eternal September berada di ruang pameran kuc Gallery di Slovenia, sementara Link Center menyelenggarakan acara tambahan Pentingnya Menjadi Konteksoleh Roberto Fassone (Italia, 1986) dan Valeria Mancinelli di LinkCabinet , ruang pameran online organisasi Italia. Mereka juga menerbitkan katalog dalam Link Editions dengan kontribusi dari Valentina Tanni, Smetnjak Collective dan Domenico Quaranta.

Karya-karya yang dipilih sangat berbeda satu sama lain dan dibuat oleh seniman amatir dan profesional dan disajikan bersama tanpa perbedaan nyata di antara mereka. Di antara ini ada banyak yang menggunakan bahasa yang berasal langsung dari subkultur Internet, seperti Not Sure If Art (2012) oleh Aled Lewis (1982, UK): ini adalah cetakan meme terkenal di situs web populer seperti 4chan atau 9gag yang menunjukkan protagonis dari kartun yang bertanya-tanya apakah itu seni atau kasus pelanggaran hak cipta, sehingga menciptakan hubungan pendek antara karya, bahan referensi (meme) dan sumber asli gambar (acara TV). Karya seni ini dan karya seni lainnya yang menggunakan bahasa gaul ini membutuhkan pengetahuan sebelumnya tentang mode komunikasi yang digunakan dalam Web dan ironi yang baik.

Contoh lainnya adalah My Favorite Landscape (2006) oleh Paul Destieu (1982, Prancis), sebuah repropriasi dari gambar desktop yang terkenal dengan perbukitan hijau dan langit biru Windows XP – cetakan disusun sedemikian rupa untuk menciptakan efek visual yang terjadi ketika sistem operasi macet. Ini adalah gambar yang secara langsung berhubungan dengan konsep mesin dan interaksi kita dengannya yang sangat berbeda dari yang kita alami saat ini, ini adalah kesalahan yang tidak ada lagi dan meninggalkan ruang untuk jenis kesalahan lainnya.

Karya lain yang menggunakan elemen yang diambil langsung dari Web adalah Street Ghosts (2012) oleh Paolo Cirio (1979, Italia).Dalam seri ini, dia mencetak gambar orang-orang yang ditemukan di Google Street View dan mempostingnya tanpa izin ke seluruh dunia di tempat yang sama di mana mereka diambil; selama September Abadi ini terjadi di jalan-jalan kota Ljubljana. Ini adalah proyek yang membahas masalah konflik antara realitas analog dan dokumentasi otomatisnya oleh perusahaan Internet besar: orang-orang yang dapat dilihat di Google Street View adalah bagian dari lanskap yang sama yang terdiri dari bangunan yang mengelilinginya dan begitu mereka telah dipindahkan secara fisik di mana mereka berada ketika mereka difoto oleh mobil Google, korsleting antara realitas analog dan digital terbentuk.

Mengenai amatir, proyek-proyek yang dipilih menangani masalah yang beragam seperti, misalnya, kemungkinan yang ditawarkan oleh Internet pada mode penulisan, keanehan tindakan tidak kontekstual yang tampaknya tidak berarti dan produksi materi amatir yang menyangkal aturan yang ditentukan oleh logika komersial.

Filippo Lorenzin: Bagaimana dan kapan Eternal September muncul?

Valentina Tanni: Saya menulis draf pertama proyek ini beberapa tahun yang lalu. Saya selalu sangat tertarik dengan sisi visual budaya Internet, dan, sebagai sejarawan seni, saya segera merasa perlu untuk menyelidiki hubungan antara pembuatan seni profesional dan jumlah konten kreatif yang tak terbendung dan sangat beragam yang beredar melalui Internet. . Pertunjukan ini didasarkan pada satu pertanyaan besar: apakah profesionalisme masih merupakan kategori yang berguna (dalam seni tetapi juga secara umum)? Dan apa yang terjadi pada seni (seperti yang kita ketahui) ketika jutaan orang memproduksi lusinan gambar setiap hari? Pertanyaan-pertanyaan ini, tentu saja, membawa diskusi ke sejumlah besar masalah berikutnya: orisinalitas, kepengarangan, hak cipta, nilai pasar…

Filippo Lorenzin: Apakah menurut Anda ada alasan khusus mengapa Anda begitu tertarik dengan topik ini?

Valentina Tanni: Saya rasa bekerja di sistem seni selama bertahun-tahun, berurusan dengan semua masalah “dunia seni”, membuat saya sepenuhnya menyadari semua mekanismenya dan juga kekurangannya. Saya rasa saya membutuhkan beberapa ide dan visi yang “segar”, sebuah terobosan dari standar seni rupa kontemporer internasional yang semakin homogen. Di sisi lain, jika Anda melihat kembali ke sejarah, Anda menemukan banyak contoh seni hebat yang datang dari tempat yang tidak terduga. Tema “orang luar” jelas bukan tema baru, tetapi menurut saya Internet adalah pengubah permainan.

Baca Juga : Beberapa Karya Seni Paling Kontroversial

Filippo Lorenzin: Anda menulis draf pertama proyek ini beberapa tahun yang lalu, periode waktu yang sangat lama di era Internet. Apa yang berubah sejak itu?

Valentina Tanni: Ide utama di balik proyek ini tidak berubah. Tema “akses” dan mempertanyakan profesionalisme masih menjadi isu yang mendesak. Tentu saja saya harus mengubah daftar karya seni sedikit, karena sementara itu proyek baru yang menarik telah diluncurkan, dan beberapa yang lain mulai terasa agak ketinggalan jaman. Satu-satunya hal yang benar-benar berubah, dalam dua tahun terakhir, adalah jumlah orang yang terlibat dalam permainan global dan di mana-mana ini yang masih kami sebut “seni”.

Filippo Lorenzin: Mari kita bicara tentang proyek yang ditampilkan dalam pameran. Bagaimana Anda memilih mereka?

Valentina Tanni: Ada 19 artwork yang ditampilkan, ditambah The Great Wall of Memes, yang merupakan proyek penelitian yang saya kerjakan sejak 2012. Karya-karyanya sangat berbeda dari satu sama lain dalam hal media (terengah-engah, patung, instalasi, video, proyek web..), bahkan jika kadang-kadang mereka berurusan dengan masalah yang sama. Penulisnya adalah seniman dan amatir “profesional”, terkadang bahkan anonim. Proses seleksi bagi saya selalu sulit untuk dijelaskan secara rinci; Saya tidak benar-benar memiliki metode untuk memilih karya seni, saya adalah jenis kurator yang sangat insting.

Filippo Lorenzin: Bisakah Anda menggambarkan Tembok Besar Meme ?

Valentina Tanni: Tembok Besar Meme adalah proyek penelitian berbentuk arsip visual. Ini dimulai pada tahun 2012 sebagai kumpulan acak meme Internet terkait seni (“Orang Seni Kontemporer: Anda tidak punya ironi?”, Masih tersedia di Facebook dan Pinterest). Proyek ini secara longgar didasarkan pada Mnemosyne Atlas oleh Aby Warburg, memperbarui idenya dalam konteks budaya saat ini (partisipatif dan viral). Tujuannya adalah untuk melacak kembali perjalanan beberapa gambar melalui ruang dan waktu, menyoroti berbagai cara di mana mereka telah digunakan, di-remix, dan diciptakan kembali. Proyek ini juga dipamerkan di ruang fisik di Milan pada tahun 2013 dalam konteks pertunjukan Nothing To See Here di Swiss Institute

Untuk Eternal September , saya memutuskan untuk memperbarui proyek, baik online, melalui blog Tumblr, dan di ruang pameran, di Galeri kuc, dengan instalasi dinding baru. Koleksinya sekarang diatur, dan Anda dapat mengikuti topik tema yang berbeda menggunakan tag (jika Anda online), atau mengamati kedekatan beberapa gambar (jika Anda melihat ke dinding yang sebenarnya). Tentu saja, instalasi fisik hanya berisi sedikit pilihan dari seluruh koleksi, yang saat ini berjumlah lebih dari 2.000 gambar, dan selalu bertambah. Saya akan mengunggah semuanya secara online.

Filippo Lorenzin: Apa reaksi para penulis ketika mereka dihubungi untuk memamerkan karya mereka di pameran? Saya berpikir untuk amatir, khususnya…

Valentina Tanni: Umpan balik secara umum sangat bagus, tetapi beberapa seniman merasa perlu bertanya mengapa saya memilih karya mereka untuk jenis proyek ini. Dalam beberapa kasus, kenyataannya, pilihannya tidak begitu jelas. Tetapi pada akhirnya semua orang senang dengan hasilnya. Adapun amatir: dalam banyak kasus kami tidak mendapatkan respon apapun. Kami mencoba menghubungi semua orang, tentu saja, tetapi kesan umumnya adalah bahwa mereka tidak terlalu peduli dengan jenis eksposur yang kami tawarkan.

Filippo Lorenzin: Melihat proyek ini, saya tidak bisa tidak bertanya-tanya apakah mungkin untuk memberikan hierarki, urutan penyebaran gagasan yang, berkat Internet, berjalan tanpa batas. Apa pendapatmu?

Valentina Tanni: Kita bisa mencoba membangun taksonomi, ya, tapi kita tidak boleh terlalu yakin bahwa “skema” kita akan lengkap dan dapat diandalkan. Karya Mauro Ceolin Memezoology (2013) , misalnya, melakukan hal itu. Seniman bertindak sebagai ahli biologi, mempelajari berbagai jenis makhluk buatan yang hidup online, membangun hubungan di antara mereka, dan merancang diagram dan silsilah keluarga. Ini adalah tugas yang menarik, dan juga berguna karena kita belajar banyak tentang bagaimana gambar berubah dan menyebar. Tapi tetap saja, ini adalah tugas utopis, Anda tidak akan pernah bisa benar-benar menyelesaikannya…

Filippo Lorenzin: Seperti yang Anda katakan sebelumnya, karya-karya yang dipilih sangat beragam dari segi medium. Beberapa proyek ada di dalam galeri sementara yang lain di jalanan atau online: bagaimana bisa mengadakan pameran dengan begitu banyak jenis karya yang berbeda?

Valentina Tanni: Setiap karya seni “menyarankan” pengaturan yang berbeda. Beberapa proyek bekerja sangat baik di ruang galeri, beberapa lainnya dibuat untuk dilihat di ruang publik (ini adalah kasus karya Hantu Jalanan Paolo Cirio ), sementara yang lain lebih dipahami jika pengguna melihatnya secara online (seperti karya Roberto Fassone dan Valeria Mancinelli proyek web di LinkCabinet ). Kami mencoba menemukan kondisi terbaik untuk setiap pekerjaan, memikirkannya tanpa batas. Untuk alasan yang sama, kami memasukkan semua proyek dalam katalog pertunjukan, dalam urutan abjad, terlepas dari lokasi fisiknya.

Filippo Lorenzin: Berbicara tentang proyek Paolo Cirio, dapatkah Anda menjelaskan umpan balik seperti apa yang Anda terima dari kotamadya Ljubljana dan penduduknya?

Valentina Tanni: Proyek ini diterima dengan baik. Beberapa “hantu” menghilang dengan cukup cepat, tetapi sebagian besar intervensi masih ada. Ada banyak rasa ingin tahu dan hampir tidak ada masalah. Bagian dari seniman jalanan yang peduli, rupanya, tentang poster-poster yang menutupi karyanya!

Filippo Lorenzin: Proyek lain yang diadakan dalam pameran ini adalah Pentingnya Menjadi Konteks oleh Roberto Fassone dan Valeria Mancinelli. Tentang apa ini?

Valentina Tanni: Pentingnya Menjadi Konteks adalah proyek yang sangat cerdas tentang seni pertunjukan. Ini berkaitan dengan hubungan luar biasa antara video seni pertunjukan historis (seperti yang dibuat oleh Bruce Nauman, Marina Abramovic atau Bas Jan Ader), dan tindakan spontan yang dilakukan oleh orang-orang biasa yang dapat kita temukan di Youtube. Hal ini juga memicu diskusi tentang konsep “konteks” dan tentang seberapa besar isu ini menjadi sentral dalam seni rupa kontemporer. Saya tidak akan membocorkan proyek ini secara lebih rinci, tetapi orang-orang dapat melihatnya secara online, di Linkcabinet.eu hingga 26 September .

Filippo Lorenzin: Konteks tampaknya menjadi salah satu elemen terpenting untuk mengidentifikasi suatu tindakan atau karya sebagai tindakan artistik. Apa jadinya bila sebuah karya yang dibuat oleh seorang amatir dipajang di galeri seni – seperti di September Abadi ?

Valentina Tanni: Ini adalah pertanyaan yang saya tanyakan pada diri saya sendiri sebelum pameran dibuka. Saya pikir, seperti biasa, apa pun yang kita masukkan ke dalam galeri seni cenderung dianggap sebagai karya seni yang “sah” oleh publik. Tapi saya juga berpikir bahwa karya-karya amatir yang kami masukkan ke dalam pertunjukan itu sudah “seni”, jauh sebelum saya memilihnya. Mungkin mekanisme ini juga berubah. Mungkin galeri dan museum bukan lagi satu-satunya tempat yang dikunjungi orang ketika ingin melihat “seni”. Ini mengarah pada kesimpulan yang mengejutkan: apakah format “pameran” masih bagus? Saya banyak berpikir tentang ini baru-baru ini …

Filippo Lorenzin: Mengenai topik utama Eternal September , menurut Anda perkembangan seperti apa yang akan terjadi di tahun-tahun mendatang?

Valentina Tanni: Saya tidak pernah pandai memprediksi, tapi saya yakin proses ini tidak akan berhenti. Kita harus memikirkan kembali semua yang kita anggap remeh tentang pembuatan seni dan melihat seni. Resistensi adalah sia-sia

Beberapa Karya Seni Paling Kontroversial

Beberapa Karya Seni Paling Kontroversial – Seniman sepanjang sejarah tidak pernah menghindar dari kontroversi—bahkan, banyak yang mencoba menjelek-jelekkan. (Perlu bukti? Lihat saja Banksy , seniman jalanan anonim yang baru-baru ini menciptakan sebuah karya yang menghancurkan dirinya sendiri saat dijual di lelang—dengan harga $1,37 juta).

Beberapa Karya Seni Paling Kontroversial

Beberapa Karya Seni Paling Kontroversial

mybabyjo.com  – Sementara kritik dan sejarawan terserah pada teknik dan nilai artistik. , ada beberapa karya seni yang mengejutkan sebagian besar orang yang melihatnya. Dari lukisan yang dianggap terlalu cabul, terlalu kasar atau terlalu berdarah untuk waktu mereka untuk tindakan yang disebut penodaan dan pernyataan politik yang kuat, ini adalah beberapa karya seni paling kontroversial yang pernah dibuat.

Michelangelo, “The Last Judgement,” 1536–1541

Menurut Sekitar 25 tahun setelah menyelesaikan langit-langit Kapel Sistina , polymath Renaisans Michelangelo kembali ke Vatikan untuk mengerjakan lukisan dinding yang akan diperdebatkan selama berabad-abad. Penggambarannya tentang Kedatangan Kristus yang Kedua dalam “Penghakiman Terakhir,” di mana ia bekerja dari tahun 1536 hingga 1541, langsung mendapat kontroversi dari Kontra-Reformasi.Gereja Katolik.

Pejabat agama berbicara menentang lukisan itu, karena sejumlah alasan, termasuk gaya yang digunakan Michelangelo melukis Yesus (tanpa jenggot dan dalam gaya klasik mitologi pagan). Tapi yang paling mengejutkan adalah 300 sosok lukisan itu, kebanyakan laki-laki dan kebanyakan telanjang.

Dalam sebuah gerakan yang disebut kampanye daun ara, potongan-potongan kain dan flora kemudian dicat di atas anatomi yang menyinggung, beberapa di antaranya kemudian dihapus sebagai bagian dari restorasi abad ke-20.

Caravaggio, “St. Matthew and the Angel” 1602

Pelukis barok CaravaggioKehidupannya mungkin lebih kontroversial daripada karyanya, mengingat fakta bahwa dia meninggal di pengasingan setelah dituduh melakukan pembunuhan. Tetapi pendekatan humanistiknya yang tidak biasa terhadap tugas-tugas keagamaannya tentu saja menimbulkan keheranan pada zamannya.

Dalam lukisan yang sekarang hilang “St. Matthew and the Angel,” dibuat untuk Kapel Contarelli di Roma, Caravaggio membalik konvensi dengan menggunakan seorang petani miskin sebagai model untuk orang suci. Tapi yang paling membuat kesal para kritikus adalah kaki kotor St. Matthew, yang secara ilusionis tampak menonjol dari kanvas (trik visual yang berulang untuk sang seniman), dan cara gambar itu menyiratkan dia buta huruf, seolah-olah dibacakan oleh malaikat.

Baca Juga :  Seniman Amatir Mencoba Menggambar Gaya Manga

Karya itu akhirnya ditolak dan diganti dengan “The Inspiration of St. Matthew,” penggambaran pemandangan yang serupa, namun lebih standar.

Thomas Eakins, “The Gross Clinic” 1875

Ikon seni Amerika ini diciptakan untuk mengantisipasi seratus tahun bangsa, ketika pelukis Thomas Eakins ingin sekali memamerkan bakatnya dan kemajuan ilmiah dari Jefferson Medical College di Philadelphia.

Lukisan realis menempatkan penonton di tengah amfiteater bedah, di mana dokter Dr Samuel Gross kuliah mahasiswa operasi pada pasien. Tetapi penggambaran operasi yang sebenarnya dianggap terlalu gamblang, dan lukisan itu ditolak oleh Pameran Centenary Philadelphia (beberapa menyalahkan tangan berdarah dokter, yang lain berpendapat bahwa sosok wanita yang melindungi matanya yang membuatnya ke atas) .

Namun, seabad kemudian, lukisan itu akhirnya diakui sebagai salah satu mahakarya besar pada masanya baik dari segi artistik maupun ilmiahnya.

Marcel Duchamp “Fountain” 1917

Ketika ikonoklastik Marcel Duchamp secara anonim menyerahkan urinoir porselen bertanda “R. Mutt 1917″ sebagai patung “siap pakai” untuk Society of Independent Artists, sebuah kelompok yang dikenal menerima seniman mana pun yang dapat memberikan bayaran hal yang tidak terpikirkan terjadi: karya itu ditolak, meskipun Duchamp sendiri adalah salah satu pendiri dan anggota dewan dari grup. Beberapa bahkan bertanya-tanya apakah itu tipuan, tetapi jurnal Dada The Blind Manmempertahankan urinoir sebagai seni karena seniman memilihnya.

Karya tersebut menandai pergeseran dari apa yang disebut Duchamp sebagai seni “retina”, atau murni visual, ke mode ekspresi yang lebih konseptual—memicu dialog yang berlanjut hingga hari ini tentang apa yang sebenarnya merupakan sebuah karya seni. Meskipun semua yang tersisa dari aslinya adalah foto oleh Alfred Stieglitz (yang membuangnya) yang diambil untuk majalah tersebut, beberapa reproduksi resmi dari tahun 1960-an menjadi koleksi utama di seluruh dunia.

Robert Rauschenberg, Erased De Kooning 1953

Dalam beberapa hal, “Erased De Kooning” Robert Rauschenberg menandakan lukisan Banksy yang menghancurkan diri sendiri. Tetapi dalam kasus penggambaran tahun 1953, sang seniman memutuskan bahwa karya seni asli harus penting dengan sendirinya. “Ketika saya baru saja menghapus gambar saya sendiri, itu belum seni,” kata Rauschenberg kepada SFMoMA pada tahun 1999.

Jadi dia memanggil seniman modern yang paling dihormati saat itu, ekspresionis abstrak lincah Willem de Kooning, yang, setelah beberapa meyakinkan, memberi seniman muda itu sebuah gambar dengan campuran seni pensil minyak dan arang yang membutuhkan waktu dua bulan untuk dihapus oleh Rauschenberg. Butuh waktu sekitar satu dekade untuk menyebarkan berita, ketika itu disambut dengan campuran heran (Apakah ini seorang jenius muda yang merebut tuannya?) dan jijik (Apakah itu vandalisme?).

Satu orang yang tidak terlalu terkesan adalah de Kooning sendiri, yang kemudian memberi tahu seorang reporter bahwa dia awalnya menganggap gagasan itu “kosong”, dan yang menurut beberapa orang tidak suka karena interaksi intim antara seniman seperti itu dibagikan kepada publik.

Judy Chicago, The Dinner Party, 1974–79

Dengan “The Dinner Party” -nya, Judy Chicago berangkat untuk mengadvokasi pengakuan wanita sepanjang sejarah — dan akhirnya membuat sejarah seni sendiri. Sebuah instalasi kompleks dengan ratusan komponen, karya ini adalah perjamuan imajiner yang menampilkan 39 wanita dari seluruh mitologi dan sejarah— Sojourner Truth , Sacajawea , dan Margaret Sanger di antaranya—masing-masing diwakili di meja dengan pengaturan tempat, hampir semuanya menggambarkan gaya vulva.

Dengan perpaduan antara perumpamaan anatomi dan teknik kerajinan, karya ini dijuluki vulgar dan kitsch oleh para kritikus, dan dengan cepat disindir oleh pameran tandingan yang menghormati wanita dengan “kebedaan yang meragukan.” Namun terlepas dari para pencela, karya tersebut sekarang dilihat sebagai tengara dalam feminis seni, dipajang permanen di Museum Brooklyn.

Maya Lin, Vietnam Veterans Memorial, selesai tahun 1982

Maya Lin baru berusia 21 tahun ketika dia memenangkan komisi yang akan meluncurkan karirnya—dan debat nasional. Desainnya untuk Vietnam Veterans Memorial dipilih oleh juri buta, yang tidak tahu desainer pemenangnya adalah seorang mahasiswa arsitektur.

Meskipun desain yang diusulkan memenuhi semua persyaratan, termasuk penggabungan 58.000 nama tentara yang tidak pernah kembali dari perang , bentuknya yang minimalis dan bersahaja—dua lempengan granit hitam yang muncul dari bumi membentuk “V”, seperti “luka itu tertutup dan menyembuhkan,” kata Lin—segera menjadi bahan perdebatan politik oleh mereka yang merasa itu tidak benar-benar mengagungkan para prajurit yang dihormatinya.

Seorang veteran menyebut desain itu sebagai “luka hitam rasa malu,” dan 27 anggota Kongres dari Partai Republik menulis kepada Presiden Ronald Reaganmenuntut desain tidak dibangun. Tapi Lin menganjurkan visinya, bersaksi di depan Kongres tentang niat di balik pekerjaan itu.

Akhirnya sampai pada kompromi, ketika entri runner-up dalam kompetisi yang menampilkan tiga tentara ditambahkan di dekatnya untuk menyelesaikan upeti (bendera dan Memorial Wanita juga ditambahkan kemudian). Ketika jarak dari perang semakin jauh, kritik terhadap peringatan itu telah memudar.

Seniman Amatir Mencoba Menggambar Gaya Manga

one piece

Seniman Amatir Mencoba Menggambar Gaya Manga – Setiap hari Rabu di pagination liburan Young Post , staf kami akan mencoba untuk membuat ulang karya terkenal dari berbagai genre seni dengan kemampuan terbaik mereka. Di YP Nails It hari ini, reporter kami Kelly Ho mencoba menyalin gambar dari manga Jepang terkenal One Piece . Manga adalah komik atau novel grafis yang berasal dari Jepang. Cerita manga biasanya dicetak dalam warna hitam dan putih, dengan gambar detail dibatasi dalam bingkai tidak beraturan yang mengarahkan alur cerita.

Seniman Amatir Mencoba Menggambar Gaya Manga

one piece

mybabyjo – Jika serial manga cukup populer, mungkin akan diadaptasi menjadi serial TV atau film, dan One Piece adalah salah satunya. Manga ini diadaptasi menjadi serial anime yang sudah tayang di Jepang sejak 1999. One Piece ditulis dan diilustrasikan oleh Eiichiro Oda. Manga ini pertama kali diterbitkan sebagai seri di majalah Jepang pada Juli 1997. Sejauh ini, episode manga telah dikumpulkan menjadi 94 buku individu.

Baca Juga : 9 Tanda Peringatan Artis Amatir

Dan dengan lebih dari 460 juta kopi yang beredar di seluruh dunia, One Piece telah menjadi manga terlaris dan seri komik terlaris sepanjang masa. Ceritanya mengikuti petualangan protagonis Monkey D. Luffy, seorang bajak laut remaja yang melakukan perjalanan keliling dunia dengan krunya untuk mencari harta yang sangat berharga yang disebut “One Piece”, sehingga ia bisa menjadi Raja Bajak Laut berikutnya.

Saya telah membaca beberapa manga sebelumnya, tetapi saya tidak pernah cukup tertarik untuk menyelesaikan seluruh seri. Genre komik ini sangat populer di kalangan anak-anak dan remaja, namun tidak disukai oleh sekolah-sekolah di Hong Kong. Saya ingat manga dilarang di sekolah saya dan beberapa lainnya karena tidak dianggap sebagai “buku asli”. Tapi di sekolah dasar, beberapa teman sekelas saya, kebanyakan laki-laki, akan menyelinap di beberapa manga dan membagikannya di antara teman-teman mereka, menikmatinya selama waktu membaca atau istirahat.

Saya belum pernah membaca atau menonton One Piece sebelumnya, tetapi saya pasti menyadari popularitasnya di Hong Kong. Tema persahabatan dalam serial ini mungkin menjadi salah satu alasan mengapa begitu populer di kalangan anak muda. Pengalaman yang tidak biasa dan berani yang dihadapi Luffy dan anggota krunya menjadi tulang punggung serial ini, dan membuat pembaca muda berharap mereka bisa melakukan petualangan seru dengan teman-teman mereka juga.

Menyalin seni One Piece sama sekali tidak mudah. Sangat sulit ketika harus mengisi bingkai dengan begitu banyak detail. Tantangan terbesar bagi saya adalah membuat fitur wajah karakter menjadi hidup. Saya pertama kali membuat sketsa kasar dengan pensil, sebelum menggunakan spidol untuk menjiplak garis saya. Tetapi sketsa saya tidak cukup detail, jadi itu tidak banyak membantu saya dan saya akhirnya menyerahkan sebagian besar bingkai yang lebih kecil secara bebas. Begitulah cara saya secara tidak sengaja mengubah Silver Rayleigh, “Raja Kegelapan”, menjadi Pepe si Katak.

Saya hanya diberi pensil dan spidol untuk dikerjakan, dan sementara saya bisa menyalin sebagian besar gambar dengan pensil saya, saya tidak bisa menambahkan banyak detail karena spidolnya terlalu tebal. Saya harus menyesuaikan tekanan yang saya berikan pada pena, sehingga saya bisa mengontrol ukuran goresan saya. Karena tinta pada spidol permanen akan merembes melalui kertas printer biasa yang tipis, saya harus meletakkan selembar kertas tambahan di bawahnya untuk memastikan tinta permanen tidak mengenai meja.

Seniman manga profesional cenderung menggunakan pena dengan berbagai ukuran ujung untuk ilustrasi yang lebih presisi. Banyak dari mereka menggunakan pena mikron Sakura Pigma, dengan ujung mulai dari 0,15 mm hingga 0,8 mm. Pena ini juga bebas asam dan tinta mikron tidak berbulu atau berdarah, yang membuatnya sempurna untuk menggambar manga karena Anda sering harus menggambar di kedua sisi kertas. Apa yang membuat komik gaya Jepang ini menonjol dari genre lain adalah betapa jelas ia menyampaikan emosi karakter, dan mampu menempatkan pembaca di kepala karakter, membuat cerita semakin menarik. Anda dapat menemukan banyak bingkai dalam manga di mana seniman memperbesar mata atau mulut karakter untuk mengungkapkan pikiran batin mereka.

Setelah mencoba meniru gaya gambar Oda, saya menyadari bahwa seniman manga harus sangat kreatif, sabar, dan pandai membuat perencanaan. Kreativitas adalah kuncinya karena tidak ada batasan dalam dunia manga. Ini adalah media yang mencakup berbagai genre, seperti aksi, drama, horor dan sci-fi, dan seniman manga dikenal untuk menceritakan kisah mereka dengan cara yang paling tidak biasa.

Namun, memecah cerita ke dalam setiap frame membutuhkan banyak kerja keras dan waktu, oleh karena itu seniman manga harus memiliki banyak kesabaran dan dapat merencanakan jalan cerita mereka dengan hati-hati untuk memastikan seri dapat berlanjut untuk waktu yang lama. Saya tidak berpikir saya memiliki kualitas yang disebutkan di atas untuk membuat manga saya sendiri, tapi itu jelas merupakan pengalaman yang lucu untuk mencoba menggambar seni manga. Saya mungkin akan melakukannya lagi di masa depan, tetapi mungkin dengan seorang teman, sehingga kami dapat membandingkan pekerjaan kami dan tertawa.

9 Tanda Peringatan Artis Amatir

9 Tanda Peringatan Artis Amatir

9 Tanda Peringatan Artis Amatir – Saya tidak berbicara tentang apakah Anda memiliki sponsor perusahaan atau apakah Anda menghasilkan banyak uang atau tidak. Saya bahkan tidak berbicara tentang berhenti dari pekerjaan harian Anda, jika

9 Tanda Peringatan Artis Amatir

9 Tanda Peringatan Artis Amatir

mybabyjo – Anda memilikinya, dan hidup dengan mie ramen dan Starbucks (karena meskipun Anda miskin, Anda masih membutuhkan Cafe Mocha Anda) Yang saya bicarakan adalah mengubah sikap Anda dan cara Anda berpikir tentang seni Anda. Apa yang akan Anda temukan adalah bahwa lebih sering daripada tidak , orang akan menganggap seni Anda seserius Anda .

Baca Juga : Mengulas Tentang keingintahuan Seorang Kolektor Karya Amatiran

1) Artis Amatir menunggu Inspirasi

Sementara seorang seniman profesional akan duduk dan mengerjakan karya seni mereka setiap hari, seorang amatir hanya mengerjakan karya seni mereka ketika “suasana hati” benar. Anda tidak bisa menunggu inspirasi. Anda harus mengejarnya dengan klub. ~Jack London

Seniman/penulis/musisi profesional tahu bahwa Anda tidak bisa hanya mengerjakan karya seni Anda ketika inspirasi menyerang mereka atau ketika bulan berada di rumah ketujuh Aquarius, profesional kreatif sejati muncul dan melakukan sesuatu setiap hari. Ini mungkin tidak terlalu bagus dan pada akhirnya mungkin menemukan jalannya ke tempat sampah atau tempat daur ulang, tetapi seorang profesional muncul dan bekerja apa pun yang terjadi.

2.) Artis Amatir bekerja sampai sesuatu yang lain muncul

Seorang seniman profesional tidak hanya duduk selama satu jam dan menulis setengah bab atau melukis beberapa goresan di kanvas dan menyebutnya sehari karena acara televisi favorit mereka akan dimulai dalam sepuluh menit. Seorang seniman/penulis/musisi profesional terus bekerja sampai inspirasi mereka menghabiskan setiap energi kreatif terakhir dalam tubuh mereka dan kemudian terus bekerja hanya untuk memastikan tidak ada yang terlupakan atau tertinggal. Seorang profesional tahu bahwa satu atau dua jam pertama kerja hanyalah latihan pemanasan sampai inspirasi mereka yang berubah-ubah menemukan bahwa mereka layak mendapatkan perhatiannya.

3.) Artis Amatir terus-menerus mengubah fokus mereka

Seorang seniman profesional tahu bahwa butuh bertahun-tahun jika bukan dekade eksperimen dan latihanuntuk menyempurnakan kerajinan mereka. Sementara seorang amatir cenderung mengubah gaya atau media mereka saat suasana hati menyerang mereka, seorang seniman profesional tahu bahwa “jack-of-all-trade adalah master of none”. Meskipun seniman profesional telah dikenal untuk mengubah fokus mereka sebagai pekerjaan dan keterampilan mereka berkembang, mereka melakukan ini hanya dengan hemat dan seringkali hanya dalam media yang mereka pilih. Dengan kata lain, pelukis terus melukis, penulis terus menulis, dan musisi terus bermain. Tentu saja ada pelukis dan musisi profesional yang juga penulis yang sangat baik dan sebaliknya, tetapi mereka adalah pengecualian daripada aturan. Sebagian besar dari kita akan jauh lebih baik memfokuskan waktu dan energi kita untuk berlatih dan mengasah keahlian yang kita pilih daripada mengambil risiko melemahkan kekuatan kreatif kita.

4.) Artis Amatir percaya bahwa jika mereka membangunnya, Anda akan datang

Seorang profesional tahu bahwa menjadi seorang seniman lebih dari sekadar menciptakan seni. Mereka tahu bahwa hanya ada begitu banyak makaroni, keju, dan spageti yang akan dimakan keluarga mereka sebelum mereka diseret ke kantor tenaga kerja untuk mendapatkan pekerjaan “nyata”. Seniman profesional tidak pernah terlalu terikat pada karya seni mereka karena mereka tahu bahwa suatu hari nanti mereka harus menjualnya untuk mendapat kesempatan menciptakan lebih banyak karya seni.

Seniman profesional memahami bahwa mereka tidak hanya perlu tahu cara membuat karya seni mereka, tetapi mereka juga harus tahu cara memasarkan dan menjual karya mereka. Mereka membuat titik untuk mencari tahu siapa pelanggan potensial mereka dan di mana mereka nongkrong. Mereka juga tahu bahwa mereka perlu mengembangkan hubungan dengan calon pelanggan ini sebelum mereka meminta mereka mengeluarkan dompet mereka. Seniman profesional memahami bahwa di abad ke-21 mereka perlu menciptakan dan membangun reputasi mereka sebagai seniman online maupun di dunia nyata.

5.) Artis Amatir percaya bahwa kesuksesan akan terjadi dengan cepat

Sementara seorang seniman amatir percaya bahwa hanya perlu satu atau dua tahun untuk menciptakan reputasi mereka dan memulai karir mereka, seorang seniman profesional tahu bahwa proses ini seringkali akan memakan waktu lebih lama dari yang mereka bayangkan sehingga mereka memahami pentingnya untuk segera memulai.

Bagi seorang seniman profesional, seni bukanlah hobi atau hiburan, itu adalah bisnis, itulah sebabnya mereka bersikeras memperlakukannya seperti itu. Mereka tidak hanya muncul setiap hari dan bekerja di pekerjaan mereka, tetapi mereka juga tahu bahwa mereka perlu bekerja dari bawah seperti yang mereka lakukan di profesi lain. Mereka berada di dalamnya untuk jangka panjang dan bersedia mengerjakan semua aspek bisnis mereka (penciptaan, jaringan, pemasaran, konsumsi) sedikit setiap hari karena mereka memahami bahwa kesuksesan sejati akan tiba dalam beberapa tahun, bukan minggu.

6.) Artis Amatir percaya bahwa mereka tidak membutuhkan jadwal atau organisasi

Sementara seniman amatir menganut gagasan seniman sebagai jiwa bebas hippie yang tidak perlu mengikuti aturan masyarakat, seniman profesional tahu bahwa seseorang harus teratur dan disiplin dalam hidup mereka agar tidak sembrono dalam bekerja.

Jadilah teratur dan teratur dalam hidup Anda, sehingga Anda mungkin kasar dan orisinal dalam pekerjaan Anda. ~Gustave Flaubert Seorang seniman profesional tahu bahwa penting untuk menghormati waktu produktivitas kreatif mereka dan menghemat tugas rutin yang menghabiskan waktu seperti menjawab email dan memperbarui akun Twitter dan Facebook mereka di lain waktu. Mereka tahu pentingnya menjadwalkan aktivitas mereka, mengatur ruang kerja mereka , dan menghindari gangguan pada produktivitas kreatif mereka.

7.) Artis Amatir tidak pernah menyelesaikan pekerjaannya

Seorang seniman amatir selalu sibuk mengedit, merevisi, memformat ulang, mengulang, dan merekam ulang karyanya untuk dianggap selesai. Ini tidak hanya membuat mereka tidak bisa melanjutkan dan mengerjakan karya atau seni berikutnya, tetapi juga membuat mereka tidak harus merilisnya ke dunia. Mereka mengatakan pada diri mereka sendiri bahwa mereka hanyalah “perfeksionis” dan hanya dengan sedikit waktu lagi, mereka bisa melakukannya dengan benar. “Benih karya seni Anda berikutnya terletak pada ketidaksempurnaan karya Anda saat ini. Ketidaksempurnaan seperti itu adalah panduan Anda – panduan yang berharga, objektif, tidak menghakimi untuk hal-hal yang perlu Anda pertimbangkan kembali atau kembangkan lebih lanjut.” ~David Bayles

Seniman profesional telah belajar bahwa seni mereka adalah sebuah proses dan tidak ada yang mereka ciptakan akan sempurna. Mereka telah belajar untuk menerima ini dan mereka terus melakukan pekerjaan mereka di luar sana mengetahui bahwa beberapa orang akan mengkritik dan tidak memahaminya. Mereka memahami bahwa semakin cepat mereka menyelesaikan satu bagian, semakin cepat mereka dapat mulai mengerjakan bagian berikutnya. Oleh karena itu, setiap pekerjaan tidak menjadi tujuan tetapi hanya batu loncatan dalam perjalanan mereka. Mereka tidak membuat kesalahan dengan terlalu mengidentifikasi dengan sebuah karya seni atau menjadikannya bagian dari identitas mereka sebagai seorang seniman. Mereka membiarkannya begitu saja, mengetahui bahwa pengalaman itu akan mengajari mereka apa yang perlu mereka ketahui.

8.) Artis Amatir terlalu sibuk belajar untuk melakukan apapun

Seniman amatir seringkali begitu sibuk membaca buku dan menghadiri lokakarya sehingga mereka jarang punya waktu untuk berkarya. Seniman profesional tahu bahwa akan selalu ada lebih banyak hal untuk dipelajari, tetapi itu tidak menghentikan mereka dari membuat kesalahan dan terus belajar. Mereka tahu bahwa guru terbaik hampir selalu adalah pengalaman, dan semakin cepat mereka membuat kesalahan ini, semakin cepat mereka akan mempelajari apa yang perlu mereka ketahui.

Buku, kelas, dan lokakarya sangat bagus selama itu tidak menghalangi Anda untuk benar-benar menciptakan karya seni Anda. Seorang profesional tidak khawatir tentang mengetahui setiap teknik dalam buku ini dan tidak terjebak oleh “bagaimana-jika”. Mereka hanya mempelajari dasar-dasarnya dan kemudian mulai bekerja menemukan apa yang perlu mereka ketahui seiring berjalannya waktu.

9.) Artis Amatir mengisolasi diri dari komunitas artis

Sebagai artis/penulis/musisi dll. kita bukan hanya pencipta tapi kita juga konsumen. Kita harus mengelilingi diri kita tidak hanya dengan karya seniman lain di bidang kita tetapi juga seniman itu sendiri.

Jika kita seorang penulis, kita perlu membaca karya orang lain. Jika kita seorang musisi, kita perlu mendengarkan musik orang lain. Jika kita adalah seniman visual, kita perlu melihat seni dan fotografi orang lain. Kami tidak melakukan ini untuk menjadi iri atau untuk memulai putaran lain dari rasa kasihan dan kebencian diri. Kami melakukan ini karena kami perlu keluar dari pikiran kami sendiri dan melihat dunia dari perspektif baru.

Kita juga perlu terhubung dengan seniman lain dan komunitas seni yang lebih besar. Terlalu sering seniman amatir cenderung mengasingkan diri dari seniman lain karena mereka merasa iri dengan kesuksesan mereka atau tidak layak mendapat perhatian mereka. Kami telah berbicara secara luas di situs ini tentang kekuatan kelompok sebaya artis dan tentang pentingnya pergi ke sana dan terhubung dengan suku artis Anda.

Mengulas Tentang keingintahuan Seorang Kolektor Karya Amatiran

Maurice Magnin

Mengulas Tentang keingintahuan Seorang Kolektor Karya Amatiran – Pesona Musée Magnin dapat ditemukan di gedung itu sendiri. Meskipun Jeanne dan Maurice Magnin tinggal di Paris, tempat mereka membangun koleksi mereka, di Hôtel Lantin, di mansion tempat mereka dilahirkan, mereka memilih untuk membuat museum. Furnitur, benda seni dan jam akan menambah kenikmatan pengunjung, dan melestarikan suasana tinggal di bekas rumah keluarga.

Mengulas Tentang keingintahuan Seorang Kolektor Karya Amatiran

Maurice Magnin

mybabyjo – Pesona Musée Magnin dapat ditemukan di gedung itu sendiri. Meskipun Jeanne an Maurice Magnin tinggal di Paris, tempat mereka membangun koleksi mereka, di Hôtel Lantin, di mansion tempat mereka dilahirkan, mereka memilih untuk membuat museum. Furnitur, benda-benda seni dan jam akan menambah kenikmatan pengunjung, dan melestarikan suasana tinggal di bekas rumah keluarga.

Baca Juga : Tips untuk Artis Amatir Dalam Membuat Karya

Maurice Magnin (1861-1939), puisne baron di Cour des Comptes di Paris, mengembangkan seleranya dan mengembangkan pemahamannya tentang seni dengan menghadiri pelelangan secara teratur di Hôtel Drouot. Jean-Gabriel Goulinat, seorang pelukis dan kepala Studio Restorasi untuk museum nasional, adalah salah satu temannya.

Jeanne Magnin (1855-1937) belajar melukis dengan seniman lanskap Henri Harpignies. Dia meninggalkan beberapa lukisan kecil, serta koleksi kaca lukis yang dipresentasikan di Pameran Universal 1889. Belajar sendiri dalam sejarah seni rupa, ia menulis dua brosur, satu tentang Romantisisme dan satu lagi tentang lukisan pemandangan, serta katalog lukisan untuk museum di Besançon, Dole dan Dijon. Pengetahuannya yang besar tentang koleksi di museum-museum ini tentu mempengaruhi akuisisi yang dia dan kakaknya lakukan.

Menjadi relatif kaya, tetapi tanpa pendapatan yang berlebihan, keluarga Magnin dengan sengaja membatasi jumlah yang siap mereka keluarkan untuk akuisisi. Selama lima puluh tahun mereka menggunakan pengalaman dan pengetahuan mereka di pelelangan umum untuk memperoleh seribu tujuh ratus lukisan, gambar dan patung kecil, beberapa di antaranya karya seni utama, serta sketsa, salinan antik, dan pochardes, semuanya diwariskan kepada Negara pada tahun 1937.

Impian semua kolektor, untuk “menggali” karya yang tak ternilai atau nama besar, menjelaskan atribusi optimis yang kini telah diabaikan (Poussin, Watteau, Fragonard, Prud’Hon, dll). Bahkan, koleksi ini membanggakan seniman yang sangat dihormati, seperti Crespi, yang dikenal sebagai Cerano, Dorigny, van Bijlert dan van der Helst, yang kurang terkenal pada saat itu.

Salah satu pendekatan yang biasa dilakukan oleh para Magnins adalah membeli karya yang berada di luar atau bahkan melawan arus mode saat ini, sambil tetap bertujuan untuk membentuk koleksi yang dapat membangkitkan periode terpenting dalam sejarah seni yang tidak bias. Pada awal abad ke-20, kolektor yang tertarik dengan Florentine abad ke-17 atau pelukis Neapolitan abad ke-18 sangat sedikit dan jauh di antara karya-karya Boucher de Bourges hampir tidak dikenal di luar kota kelahirannya atau Rennes, sedangkan nama-nama Le Sueur, La Hyre, Bourdon dan Vignon tidak memiliki cincin akrab yang sama seperti yang mereka lakukan hari ini, pada saat lukisan Prancis abad ke-17 dianggap hanya dalam hal Poussin, Dughet dan Le Lorrain.

Keluarga Magnin mengubah kendala keuangan mereka menjadi tantangan: untuk mencerminkan periode besar lukisan barat, bukan melalui nama-nama besar melainkan seniman di sekitar mereka. Jadi sementara tidak ada di Titian, ada dua Carianis yang luar biasa, tidak ada lukisan Entrée du Christ Yerusalem [Masuknya Kristus ke Yerusalem] , tidak ada apa pun oleh Bronzino tetapi Susanna yang spektakuler oleh muridnya Allori, tidak ada Philippe de Cahmpagne tetapi dua lukisan oleh keponakan dan muridnya Jean-Baptiste. Dengan demikian, pengunjung memiliki pengalaman menemukan seniman yang kurang terkenal daripada karya-karya jenius yang diakui.

Fitur lain yang tidak biasa dari koleksi ini adalah bahwa mahakarya tidak selalu muncul di tempat yang Anda harapkan. Dari tiga potret paling luar biasa dalam koleksi, dua di antaranya dibuat oleh seniman yang masih belum diketahui: Jeune Fille au collier de Jais [Gadis Muda dengan kalung jet] , dilukis sekitar tahun 1815, dan Potret Seorang Pria dari tahun 1630-an, sedangkan yang ketiga , Jeune Fille putra peignant jeune frère [Gadis Muda menyisir rambut adik laki-lakinya] , dilukis oleh Lefèbvre, terutama dikenal karena ukirannya. Pemandangan kecil oleh Girodet yang dilukis di Italia sangat langka, dan pemandangan Venesia yang hampir monokrom oleh pelukis naturalis Bastien-Lepage cukup tak terduga mengingat reputasinya untuk pemandangan pedesaan.

Meskipun mereka hidup selama setengah hidup mereka di abad ke-20, Magnins, sebagai kolektor, berlabuh dengan kuat di abad ke-19. Kita dapat mengetahui hal ini dari pilihan master yang kurang dikenal dari periode ini, yang memiliki beberapa keberhasilan selama masa hidup mereka tetapi hari ini terutama dicari oleh kolektor seni amatir. Hal ini terlihat dari cara keluarga Magnin secara ketat memisahkan lukisan mereka menjadi “sekolah”, dan memilih untuk menggantungnya berdekatan, merupakan bagian dari pesona kunjungan.

Tips untuk Artis Amatir Dalam Membuat Karya

Tips untuk Artis Amatir Dalam Membuat Karya

Tips untuk Artis Amatir Dalam Membuat Karya – Cukup sering Anda akan mendengar bahwa tidak semua orang bisa menjadi seniman. Namun itu tidak benar, karena semua orang dapat belajar cara menggambar, jika mereka cukup berusaha.

Tips untuk Artis Amatir Dalam Membuat Karya

Tips untuk Artis Amatir Dalam Membuat Karya

mybabyjo – Sayangnya, sebagian besar seniman muda cenderung membuat kesalahan yang sama karena kurangnya pengalaman, tetapi untuk membantu Anda menghindari kesalahan itu, kami mengumpulkan beberapa tips berguna. Ingatlah hal itu dan mereka akan membantu Anda dalam perjalanan artistik Anda! Dan ingat bahwa setiap seniman melewati tahap ini dan kemungkinan besar belajar dari kesalahan mereka sendiri.

Baca Juga : Kelas Menggambar Terbaik Untuk Amatiran di NYC

1. Pelajari dasar-dasarnya.

Sejelas kedengarannya, itu adalah langkah utama dan terpenting. Tidak peduli seberapa berbakatnya Anda, penting untuk mengetahui dasar-dasar menggambar, seperti komposisi, anatomi/gambar, perspektif, volume, cahaya, dll. Tanpa pengetahuan ini, hampir mustahil untuk menyebut diri Anda seorang seniman profesional.

2. Carilah yang terbaik.

Anda mungkin memiliki satu atau beberapa teman, yang bisa menggambar dengan cukup baik, namun jangan terburu-buru membandingkan karya Anda dengan karya mereka. Alih-alih membaca dan mempelajari biografi seniman terkenal , menghadiri pameran seni profesional, mengunjungi situs web seniman modern populer, sehingga Anda berdua akan mendapatkan inspirasi dan mempelajari keterampilan dari yang terbaik.

3. Ambil kritik secara rasional.

Pertama-tama, beberapa orang mungkin tidak memahami karya seni Anda apa yang bisa terjadi dengan artis mana pun. Kedua, jika kritik bersifat membangun, sebaiknya Anda menerimanya. Namun jika Anda menganggap setiap umpan balik negatif terlalu serius, kemungkinan besar Anda akan kehilangan motivasi dan menyerah.

4. Masukkan pikiran Anda ke dalamnya.

Jika Anda baru memulai sebagai seniman, ada baiknya untuk memikirkan makna apa yang Anda masukkan ke dalam karya seni Anda. Apa yang ingin Anda katakan dengan pekerjaan Anda? Apa cerita di baliknya? Harus ada sesuatu yang dapat Anda berikan kepada orang-orang, untuk menerima perhatian mereka kembali.

5. Letakkan imajinasi Anda di atas kanvas.

Saat ini, tidak ada gunanya hanya menyalin apa yang Anda lihat di sekitar Anda, karena kami memiliki semua jenis kamera dan smartphone yang dapat melakukan pekerjaan itu. Artinya, para seniman kini memiliki lebih banyak kebebasan untuk menciptakan karya abstrak, atau apa pun yang dapat mereka pikirkan. Gunakan kesempatan ini!

6. Pilih teman Anda dengan bijak.

Dan maksud saya bukan hanya mereka yang secara praktis dapat membantu Anda sukses di industri ini, tetapi juga orang-orang yang tidak akan memperlambat Anda. Setiap orang kreatif tahu perasaan itu, ketika orang-orang tertentu entah bagaimana dapat memengaruhi inspirasi dan keinginan Anda untuk berkreasi. Pikirkan apa yang lebih penting bagi Anda, minum bir di malam hari atau waktu yang dihabiskan untuk mengerjakan karya seni Anda? Hal-hal seperti ini dapat memperlambat Anda dan tidak menghasilkan apa-apa selain blok artis lain .

7. Jangan pernah berhenti meningkatkan keterampilan Anda.

“Saya telah mencapai kesempurnaan!” – tidak ada artis hebat yang pernah ada, karena tidak ada batasan di mana Anda dapat sepenuhnya menguasai keterampilan Anda . Oleh karena itu, jangan pernah berhenti belajar dan bekerja untuk meningkatkan seni Anda setiap saat.

8. Baca buku.

Jangan membatasi perpustakaan rumah Anda hanya pada buku-buku tentang menggambar atau melukis, pastikan untuk meluangkan waktu membaca fiksi lama yang bagus juga. Itu bisa membuat Anda terinspirasi dan mengembangkan imajinasi Anda. Pikirkan tentang itu, apa yang bisa menjadi inspirasi yang lebih baik, daripada menyelam ke dunia yang tidak dikenal.

9. Berhenti membuat alasan.

Alih-alih membuat alasan lain, mengapa Anda tidak melakukan apa yang seharusnya Anda lakukan, pikirkan berapa kali dalam sehari Anda mengatakan pada diri sendiri “Saya tidak melakukan ini karena”.

10. Pastikan untuk istirahat.

Aktivitas pikiran membutuhkan energi sebanyak aktivitas fisik, jadi pastikan Anda berhenti sejenak dan beristirahat dari pekerjaan Anda, jika tidak, Anda berisiko kelelahan dan kehilangan motivasi.

11. Tidur yang cukup.

Untuk alasan yang sama persis seperti di atas, tidak ada gunanya mengorbankan tidur Anda untuk membuat karya seni. Dengan mengabaikan waktu istirahat Anda, Anda akan menghentikan kerja otak Anda dengan baik dan yang Anda pikirkan hanyalah tidur.

12. Berhentilah mencoba membuat segalanya terlihat sempurna.

Lihatlah beberapa karya seniman hebat dan coba temukan garis dan bentuk yang sempurna. Saya yakin Anda akan gagal. Mencoba membuat gambar yang sempurna, tidak akan memberi Anda banyak hasil, tetapi sakit kepala. Alih-alih mencoba bereksperimen dengan gaya dan bentuk yang berbeda, untuk memahami, teknik mana yang paling cocok untuk Anda.

13. Jangan takut untuk mencoba hal baru.

Jika Anda terbiasa menonton drama, lihat apakah Anda menyukai komedi kali ini. Suka musik rock? Bagaimana kalau mencoba jazz? Pengalaman baru adalah sumber inspirasi abadi. Berhenti bersikap konservatif dan fokus pada satu hal saja.

14. Jadilah seorang yang realistis.

Tidak ada hal yang layak dilakukan yang pernah mudah, jadi jangan menyerah jika dalam beberapa tahun latihan, Anda belum bisa mencapai bintang. Sayangnya, tidak cukup hanya menggambar angka 10 orang, Anda harus menghasilkan ratusan bahkan ribuan, untuk mendapatkan hasil yang tepat.

15. Perhatikan dunia di sekitar Anda.

Setiap kali Anda berjalan-jalan di beberapa tempat yang sudah dikenal, lihat apakah Anda dapat menemukan beberapa detail yang belum pernah Anda lihat sebelumnya. Latihan kecil ini dapat membantu Anda memperhatikan setiap bug kecil di jalan Anda, dan siapa tahu salah satunya akan menjadi inspirasi Anda berikutnya! Kami berharap tips tersebut akan membantu dalam perjalanan artistik Anda! Semua keberuntungan terbaik.

5 Tempat Seniman Amatir Menjual Karya Seni Secara Online

5 Tempat Seniman Amatir Menjual Karya Seni Secara Online

5 Tempat Seniman Amatir Menjual Karya Seni Secara Online – Bagi banyak seniman, mungkin menakutkan untuk berpikir tentang benar-benar menjual karya seni kepada orang lain untuk pertama kalinya. Selain itu, banyak orang yang menyukai seni tidak menyadari bahwa ada banyak tempat untuk menjual karya seni mereka.

5 Tempat Seniman Amatir Menjual Karya Seni Secara Online

5 Tempat Seniman Amatir Menjual Karya Seni Secara Online

mybabyjo – Ada banyak, banyak tempat di internet di mana orang dapat menjual karya seni, dan ada banyak sekali situs dan aplikasi tempat pemula dan amatir dipersilakan dan dapat menemukan kesuksesan. Jika Anda seorang seniman yang ingin mulai menjual karya seni Anda secara online, situs berikut adalah beberapa contoh tempat yang baik untuk memulai.

Baca Juga : Pablo Picasso Seorang Seniman Terkenal Asal Panyol

Vango

Vango adalah situs web yang cukup baru di mana orang dapat membeli dan menjual karya seni. Diluncurkan pada tahun 2013 sebagai ARTtwo50 dan berubah nama menjadi Vango pada tahun 2014. Vango juga mengembangkan aplikasi iOS pada tahun 2014 dengan fungsi menarik yang memungkinkan pembeli untuk melihat seperti apa potongan yang mereka pertimbangkan untuk dibeli di dinding mereka dengan mengakses kamera iPhone.

Penjual juga dapat mengunggah gambar karya seni mereka langsung dari kamera iPhone mereka, serta mengunggah gambar di komputer desktop atau laptop tradisional. Situs ini saat ini hanya menerima barang asli buatan tangan yang siap digantung di dinding. Tidak mengambil fotografi dan cetakan giclee dan tidak membuat cetakan untuk dijual dari karya yang diunggah seniman.

Artis dapat membuka poin harga yang lebih tinggi semakin banyak mereka menjual di situs ini. Untuk memulainya, artis dibatasi untuk karya dalam kisaran $ 100 hingga $ 200. Seniman juga dapat mengajukan permohonan untuk menjual karya dalam kisaran $2.000 hingga $5.000 sejak awal. Harga cukup mudah dengan situs ini.

Artis menerima 80% dari penjualan dan 20% sisanya mencakup pengiriman, asuransi, pajak, dan operasi di Vango. Tidak ada biaya untuk mengunggah gambar seni ke Vango, namun ada versi premium yang dapat dibayar oleh seniman untuk ditingkatkan jika mereka mau. Jika Anda seorang pelukis atau pencipta karya non-digital buatan tangan lainnya, ini akan menjadi situs web yang bagus untuk Anda. namun ada versi premium yang dapat dibayar oleh artis untuk ditingkatkan jika mereka mau. Jika Anda seorang pelukis atau pencipta karya non-digital buatan tangan lainnya, ini akan menjadi situs web yang bagus untuk Anda. namun ada versi premium yang dapat dibayar oleh artis untuk ditingkatkan jika mereka mau. Jika Anda seorang pelukis atau pencipta karya non-digital buatan tangan lainnya, ini akan menjadi situs web yang bagus untuk Anda.

Etsy

Etsy adalah situs lain di mana orang dapat membeli dan menjual seni dan kerajinan tangan. Selain barang-barang yang dapat digantung, seniman dapat menjual kerajinan tangan lainnya seperti tembikar dan perhiasan. Orang dapat menjual barang antik dan perlengkapan kerajinan di Etsy juga. Etsy tidak memiliki biaya keanggotaan tetapi memiliki biaya daftar $0,20 per item per setiap empat bulan atau sampai item terjual. Namun, Etsy hanya memotong biaya 3,5% dari penjualan setiap item. Dengan Etsy, penjual mendirikan toko individual dengan nama dan bebas menentukan harga barang mereka sesuka mereka. Etsy adalah situs web yang lebih tua dan telah ada selama hampir 10 tahun sekarang. Ini adalah situs web yang cukup terkenal dan populer dengan peringkat mesin pencari yang baik untuk produk. Amatir dan pemula dipersilakan di Etsy.

Nuvango

Nuvango adalah situs web baru yang menarik. Dulu dikenal sebagai GelaSkins, sederetan artis yang merancang sampul pelindung untuk iPod. Saat ini para seniman dapat mengunggah gambar karya mereka ke Nuvango secara gratis dan gambar-gambar tersebut, ketika dipilih oleh pembeli, kemudian dipasang pada berbagai produk yang ditawarkan di situs tersebut. Artis mempertahankan hak atas karya mereka dan dibayar royalti untuk semua produk yang dijual dengan gambar mereka. Situs ini menawarkan casing dan skin untuk iPhone, ponsel Samsung, dan banyak merek ponsel lainnya seperti LG dan HTC. Selain itu, ia menawarkan skin untuk tablet dan eReader, laptop, konsol game, dan beberapa aksesori lainnya. Situs ini juga menjual karya seniman mereka sebagai cetakan di atas kanvas membentang, kartu ucapan, dan sebagai cetakan seni rupa.

Artis mendapatkan 20% dari apa yang pelanggan bayar untuk produk dengan cetakan mereka di atasnya. Artis dapat memilih gambar mana yang dapat tersedia pada produk apa dan dapat menghapus gambar dari situs kapan saja. Nuvango menangani semua prosedur pengiriman, penanganan, dan penjualan dan hanya membayar royalti artis mereka. Situs ini mungkin bukan tempat terbaik untuk melakukan banyak penjualan atau melakukan penjualan dengan harga tinggi, tetapi situs ini sangat bebas genggam dan merupakan sumber pendapatan pasif yang bagus.

Ini terbuka untuk amatir dan pemula dan sangat bagus untuk fotografer dan pembuat seni digital serta seniman yang menggambar, melukis, atau menggunakan media lain. tetapi ini sangat bebas tangan dan merupakan sumber penghasilan pasif yang bagus. Ini terbuka untuk amatir dan pemula dan sangat bagus untuk fotografer dan pembuat seni digital serta seniman yang menggambar, melukis, atau menggunakan media lain. tetapi ini sangat bebas tangan dan merupakan sumber penghasilan pasif yang bagus. Ini terbuka untuk amatir dan pemula dan sangat bagus untuk fotografer dan pembuat seni digital serta seniman yang menggambar, melukis, atau menggunakan media lain.

eBay

Ebay sebenarnya adalah tempat yang layak untuk mulai menjual karya seni asli. Anda mungkin tidak akan dapat menjual barang dalam kisaran harga tinggi di Ebay, tetapi karena Ebay begitu besar dan terkenal, karya seni Anda akan mendapatkan banyak eksposur dan Anda mungkin dapat menjual barang lebih sering daripada di beberapa situs lain. Anda dapat mencantumkan item sebagai pelelangan juga dan jika orang-orang benar-benar menyukai barang tersebut, barang tersebut mungkin akan dilelang. Ebay memungkinkan penjual memilih untuk membayar sendiri pengiriman dan menawarkan pengiriman gratis untuk item atau menyertakan pengiriman dalam biaya item. Semua orang menyukai pengiriman gratis dan Anda dapat menggunakan ini untuk keuntungan Anda untuk mempromosikan karya seni Anda.

Tidak seperti banyak situs perdagangan seni, Ebay tidak mengurangi persentase penjualan penjual. Namun masih ada biaya pengiriman yang harus diperhatikan dan biaya pemasangan. Biaya penyisipan dibebankan per bulan per item yang terdaftar, namun, mereka biasanya hanya dikenakan biaya pada item jika penjual mencantumkan sejumlah item tertentu per bulan atau jika item tersebut termasuk dalam kategori tertentu. Untuk produk seni, penjual saat ini dapat memiliki 100 item yang terdaftar sebagai daftar gaya lelang per bulan tanpa biaya. Untuk item dengan harga tetap dalam kategori seni, biayanya $0,30 per bulan untuk membuat daftar item. Meskipun bukan situs khusus seni, Ebay adalah situs yang fleksibel untuk menjual karya seni, dan tentu saja terbuka untuk siapa saja.

ArtPal

ArtPal adalah situs web keren untuk seniman. Seniman dapat menjual karya asli dan cetakan di situs web ini. Lukisan, gambar, fotografi, dan karya lainnya baik dalam bentuk aslinya maupun dalam bentuk cetak/cetak ulang dapat dibeli dan dijual di sini, serta produk seni lainnya seperti perhiasan, keramik, dan tekstil. Gratis untuk bergabung dengan situs web ini dan bebas untuk menjual cetakan. Biaya untuk membuat cetakan dipotong dari harga jual kemudian artis mendapatkan sisa keuntungan untuk suatu barang.

Artis juga bisa mendapatkan bonus uang tunai jika pembeli membingkai salah satu produk mereka. Tidak ada biaya untuk menjual produk asli juga, tetapi komisi 5% dipotong ketika ArtPal menjual barang-barang ini. Bersamaan dengan itu, penjual bertanggung jawab atas pengiriman barang mereka. Satu-satunya persyaratan yang dimiliki ArtPal untuk barang yang dijual di situsnya adalah bahwa gambar yang diunggah untuk dicetak adalah gambar berkualitas tinggi, dipindai atau difoto secara profesional jika tidak dibuat atau difoto secara digital, asli, dipotong rapat, dan tidak menunjukkan tanda air. Siapa pun dapat menjual di sini dan banyak gaya seni yang berbeda tampaknya berhasil terjual di situs ini.

Pablo Picasso Seorang Seniman Terkenal Asal Panyol

Pablo Picasso Seorang Seniman Terkenal Asal Panyol

Pablo Picasso Seorang Seniman Terkenal Asal Panyol – Picasso Pablo Ruiz dia ini merupakan seorang pembuat keramik, pematung, pelukis, pembuat grafis, dan perancang teater Spanyol yang menghabiskan sebagian besar masa dewasanya di Prancis.

Pablo Picasso Seorang Seniman Terkenal Asal Panyol

Pablo Picasso Seorang Seniman Terkenal Asal Panyol

mybabyjo – Di antara karyanya yang paling terkenal adalah proto-Cubist Les Demoiselles d’Avignon (1907), dan Guernica(1937), penggambaran dramatis pengeboman Guernica oleh angkatan udara Jerman dan Italia selama Perang Saudara Spanyol.

Baca Juga : Mengulas Sosok Seniman Terkenal Yang Bernama Leonardo da Vinci

Selama dari dekade pertama yang sudah ada pada abad yang ke-20, gayanya ini juga tidak pernah berubah saat dia ini sedang bereksperimen dengan berbagai jenis teori, teknik, dan juga ide. Setelah 1906, karya Fauvist dari seniman yang saat ini itu sudah sangat sedikit lebih tua dari Henri Matisse yang memotivasi Picasso untuk bisa lebih lagi untuk bisa mengeksplorasi gaya yang lebih radikal, memulai persaingan yang berbuah antara kedua seniman, yang kemudian sering dipasangkan oleh para kritikus sebagai pemimpin seni modern.

Karyanya kemudian sering menggabungkan unsur-unsur gaya sebelumnya. Sangat produktif sepanjang hidupnya yang panjang, Picasso mencapai ketenaran universal dan kekayaan luar biasa untuk pencapaian artistik revolusionernya, dan menjadi salah satu tokoh paling terkenal dalam seni abad ke-20 .

Masa muda

Picasso lahir pada pukul 23:15 pada tanggal 25 Oktober 1881, di kota Málaga , Andalusia , di selatan Spanyol. Ia adalah anak pertama dari Don José Ruiz y Blasco (1838–1913) dan María Picasso y López. Keluarga Picasso memiliki latar belakang kelas menengah. Untuk sebagian besar hidupnya, Ruiz adalah seorang profesor seni di School of Crafts dan kurator museum lokal. Nenek moyang Ruiz adalah bangsawan kecil.

Akta kelahiran Picasso dan catatan pembaptisannya mencakup nama-nama yang sangat panjang, menggabungkan nama-nama dari berbagai santo dan kerabat. Ruiz y Picasso masing-masing adalah nama keluarga dari pihak ayah dan ibu, menurut kebiasaan Spanyol. Nama keluarga “Picasso” berasal dari Liguria , wilayah pesisir barat laut Italia; ibukotanya adalah Genoa . Ada seorang pelukis dari daerah bernama Matteo Picasso (1794–1879), lahir di Recco (Genoa), dari penggambaran gaya neoklasik akhir, meskipun penyelidikan belum secara pasti menentukan kekerabatannya dengan cabang leluhur yang terkait dengan Pablo Picasso. Cabang langsung dari Sori, Liguria (Genoa), dapat ditelusuri kembali ke Tommaso Picasso (1728-1813). Putranya Giovanni Battista, menikah dengan Isabella Musante, adalah kakek buyut Pablo. Dari pernikahan ini lahirlah Tommaso (Sori, 1787–Málaga, 1851). Kakek buyut dari pihak ibu Pablo, Tommaso Picasso pindah ke Spanyol sekitar tahun 1807.

Picasso menunjukkan hasrat dan keterampilan menggambar sejak usia dini. Menurut ibunya, kata-kata pertamanya adalah “piz, piz”, kependekan dari lápiz , kata Spanyol untuk “pensil”. Sejak usia tujuh tahun, Picasso menerima pelatihan artistik formal dari ayahnya dalam menggambar dan melukis cat minyak. Ruiz adalah seorang seniman dan instruktur akademis tradisional, yang percaya bahwa pelatihan yang tepat membutuhkan peniruan disiplin dari para master, dan menggambar tubuh manusia dari gips dan model hidup. Putranya menjadi sibuk dengan seni sehingga merugikan pekerjaan kelasnya.

Keluarganya pindah ke A Coruña pada tahun 1891, di mana ayahnya menjadi profesor di Sekolah Seni Rupa. Mereka tinggal hampir empat tahun. Pada suatu kesempatan, sang ayah menemukan putranya melukis di atas sketsa merpatinya yang belum selesai. Mengamati ketepatan teknik putranya, sebuah cerita apokrif menceritakan, Ruiz merasa bahwa Picasso yang berusia tiga belas tahun telah melampaui dia, dan bersumpah untuk berhenti melukis, meskipun lukisan-lukisannya ada dari tahun-tahun berikutnya.

Pada tahun 1895, Picasso mengalami trauma ketika saudara perempuannya yang berusia tujuh tahun, Conchita, meninggal karena difteri. Setelah kematiannya, keluarganya pindah ke Barcelona , di mana Ruiz mengambil posisi di Sekolah Seni Rupanya. Picasso berkembang pesat di kota, menganggapnya di saat sedih atau bernostalgia sebagai rumah aslinya. Ruiz membujuk para pejabat di akademi untuk mengizinkan putranya mengikuti ujian masuk untuk kelas lanjutan.

Proses ini sering kali memakan waktu satu bulan bagi siswa, tetapi Picasso menyelesaikannya dalam seminggu, dan juri mengakuinya pada usia 13 tahun. Sebagai siswa, Picasso kurang disiplin tetapi menjalin pertemanan yang akan memengaruhinya di kemudian hari. Ayahnya menyewakan kamar kecil untuknya di dekat rumah sehingga dia bisa bekerja sendiri, namun dia memeriksanya berkali-kali sehari, menilai gambarnya. Keduanya sering bertengkar.

Pada saat dia ini berusia 16, Picasso ini akan segera berangkat untuk yang pertama kalinya dalam dirinya sendiri, tapi dia tidak menyukai sebuah instruksi yang begitu formal dan juga berhenti untuk bisa menghadiri kelas dan segera setelah pendaftaran. Madrid mengadakan banyak atraksi lainnya. Prado menampung lukisan-lukisan karya Diego Velázquez , Francisco Goya , dan Francisco Zurbarán . Picasso sangat mengagumi karya El Greco ; elemen-elemen seperti anggota tubuhnya yang memanjang, warna-warna yang menawan, dan wajah-wajah mistis digaungkan dalam karya Picasso selanjutnya.

Karier

Sebelum 1900

Pelatihan Picasso di bawah ayahnya dimulai sebelum tahun 1890. Kemajuannya dapat dilacak dalam koleksi karya-karya awal yang sekarang dipegang oleh Museu Picasso di Barcelona, ​​​​yang memberikan salah satu catatan paling komprehensif yang masih ada dari awal mula seniman besar mana pun. Selama tahun 1893 kualitas remaja dari karyanya yang paling awal jatuh, dan pada tahun 1894 karirnya sebagai pelukis dapat dikatakan telah dimulai. Realisme akademis yang tampak dalam karya-karya pertengahan tahun 1890-an ditampilkan dengan baik dalam Komuni Pertama (1896), sebuah komposisi besar yang menggambarkan saudara perempuannya, Lola.

Pada tahun yang sama, pada usia 14, ia melukis Potret Bibi Pepa, potret penuh semangat dan dramatis yang disebut Juan-Eduardo Cirlot “tanpa diragukan lagi salah satu yang terbesar dalam seluruh sejarah lukisan Spanyol.” Pada tahun 1897, realismenya mulai menunjukkan pengaruh Simbolis , misalnya, dalam serangkaian lukisan lanskap yang dibuat dengan nada ungu dan hijau non-naturalistik. Apa yang oleh sebagian orang disebut periode Modernis (1899–1900) menyusul.

Picasso melakukan perjalanan pertamanya ke Paris , yang kemudian menjadi ibu kota seni Eropa, pada tahun 1900. Di sana, ia bertemu teman Paris pertamanya, jurnalis dan penyair Max Jacob , yang membantu Picasso mempelajari bahasa dan sastranya. Segera mereka berbagi apartemen; Max tidur di malam hari sementara Picasso tidur di siang hari dan bekerja di malam hari. Ini adalah saat-saat kemiskinan yang parah, dingin, dan putus asa. Sebagian besar karyanya dibakar untuk menjaga ruangan kecil itu tetap hangat. Selama lima bulan pertama tahun 1901, Picasso tinggal di Madrid, di mana ia dan teman anarkisnya Francisco de Asís Soler mendirikan majalah Arte Joven ( Seni Muda), yang menerbitkan lima edisi.

Soler meminta artikel dan Picasso mengilustrasikan jurnal, sebagian besar menyumbangkan kartun suram yang menggambarkan dan bersimpati dengan keadaan orang miskin. Edisi pertama diterbitkan pada tanggal 31 Maret 1901, pada saat itu sang seniman telah mulai menandatangani karyanya Picasso . Dari tahun 1898 ia menandatangani karyanya sebagai “Pablo Ruiz Picasso”, kemudian sebagai “Pablo R. Picasso” hingga tahun 1901. Perubahan tersebut tampaknya tidak menyiratkan penolakan terhadap figur ayah. Sebaliknya, dia ingin membedakan dirinya dari orang lain; diprakarsai oleh teman-teman Catalannya yang biasa memanggilnya dengan nama keluarga keibuannya, apalagi saat ini dibandingkan dengan Ruiz dari pihak ayah.

Mengulas Sosok Seniman Terkenal Yang Bernama Leonardo da Vinci

Mengulas Sosok Seniman Terkenal Yang Bernama Leonardo da Vinci

Mengulas Sosok Seniman Terkenal Yang Bernama Leonardo da Vinci – Leonardo di ser Piero da Vinci adalah seorang polymath Italia. Sementara ketenarannya pada awalnya dia ini sedang bertumpu pada salah satu prestasinya sebagai seorang pelukis, ia ini juga menjadi terkenal karena buku catatannya , di mana dia ini akan membuat gambar dan juga sebauh catatan tentang berbagai macam jenis dari mata pelajaran, termasuk mata pelajaran kartografi, anatomi, botani, astronomi, lukisan, dan paleontologi.

Mengulas Sosok Seniman Terkenal Yang Bernama Leonardo da Vinci

Mengulas Sosok Seniman Terkenal Yang Bernama Leonardo da Vinci

mybabyjo – Lahir di atau dekat Vinci, seorang notaris yang sukses dan putra ilegal dari seorang wanita junior, ia dididik di Florence oleh pelukis dan pematung Italia Andrea del Verrocchio. Dia memulai karirnya di kota, tetapi kemudian menghabiskan banyak waktu melayani Ludovico Sforza di Milan.

Baca Juga : Mengulas Lebih Jauh Sosok Michelangelo Pelukis Terkenal Asal Italia

Dia kemudian bekerja lagi di Florence dan Milan, dan sementara di Roma, menarik banyak pendukung dan mahasiswa. Atas undangan Francis I, ia menghabiskan tiga tahun terakhir hidupnya di Prancis dan meninggal pada tahun 1519. Sejak kematiannya, tidak pernah ada saat ketika pencapaian, minat, kehidupan pribadi, dan pemikiran empirisnya tidak membangkitkan minat atau kekaguman, yang merupakan eponim dan topik yang sering muncul dalam budaya.

Leonardo adalah salah satu pelukis terbesar dalam sejarah seni dan dikenal sebagai pendiri High Renaissance. Meskipun banyak karya yang hilang dan kurang dari 25 atribusi utama (termasuk banyak karya yang belum selesai), ia menghasilkan beberapa lukisan paling berpengaruh dalam seni Barat. Karya utamanya, Mona Lisa, adalah karyanya yang paling terkenal dan sering dianggap sebagai lukisan paling terkenal di dunia.

Perjamuan Terakhir adalah lukisan religius yang paling banyak dibuat ulang hingga saat ini, dan potret Vitorvia juga dianggap sebagai ikon budaya. Pada tahun 2017, Leonardo dan beberapa atau semua Salvator Mundi terkait dijual di lelang seharga US $ 450,3 juta, membuat rekor baru untuk lukisan termahal yang pernah dijual di penjualan publik.

Dipuji karena kecerdikan teknologinya , ia mengonsep mesin terbang, sejenis kendaraan tempur lapis baja , tenaga surya terkonsentrasi, mesin tambahan, dan lambung ganda. Relatif sedikit desainnya yang dibangun atau bahkan layak selama masa hidupnya, karena pendekatan ilmiah modern untuk metalurgi dan teknik hanya dalam masa pertumbuhan selama Renaissance.

Beberapa penemuannya yang lebih kecil, bagaimanapun, memasuki dunia manufaktur tanpa diketahui, seperti penggulung gelendong otomatis dan mesin untuk menguji kekuatan tarik kawat. Dia membuat penemuan substansial dalam anatomi , teknik sipil , hidrodinamika , geologi, optik , dan tribologi , tetapi dia tidak mempublikasikan temuannya dan mereka memiliki sedikit atau tidak ada pengaruh langsung pada sains berikutnya.

Biografi

Kehidupan awal (1452–1472)

Kelahiran dan latar belakang

Leonardo da Vinci, bernama tepat Leonardo di ser Piero da Vinci (Leonardo, putra ser Piero dari Vinci), lahir pada 15 April 1452 di, atau dekat, bukit Tuscan kota Vinci ; Florence adalah 20 mil jauhnya. Ia lahir di luar nikah dari Ser Piero da Vinci (Ser Piero di Antonio di Ser Piero di Ser Guido da Vinci; 1426–1504), notaris hukum Florentine , dan Caterina ( c.  1434 – 1494), dari kelas bawah.

Masih belum pasti di mana Leonardo dilahirkan; catatan tradisional, dari tradisi lisan lokal yang dicatat oleh sejarawan Emanuele Repetti , adalah bahwa ia lahir di Anchiano , sebuah dusun pedesaan yang akan menawarkan privasi yang cukup untuk kelahiran tidak sah, meskipun masih mungkin ia lahir di sebuah rumah di Florence yang hampir pasti dimiliki Ser Piero. Kedua orang tua Leonardo menikah secara terpisah setahun setelah kelahirannya.

Sangat sedikit yang diketahui tentang masa kecil Leonardo dan banyak yang diselimuti mitos, sebagian karena biografinya dalam Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors, and Architects (1550) dari sejarawan seni abad ke-16 Giorgio Vasari. Catatan pajak menunjukkan bahwa setidaknya pada tahun 1457 ia tinggal di rumah kakek dari pihak ayah, Antonio da Vinci, tetapi ada kemungkinan bahwa ia menghabiskan tahun-tahun sebelumnya dalam perawatan ibunya di Vinci , baik Anchiano atau Campo Zeppi di paroki San Pantaleone.

Ia diduga dekat dengan pamannya, Francesco da Vinci, tapi ayahnya kemungkinan besar berada di Florence hampir sepanjang waktu. Ser Piero, yang merupakan keturunan dari garis panjang notaris, mendirikan kediaman resmi di Florence setidaknya pada tahun 1469 dan memimpin karier yang sukses.

Di kemudian hari, Leonardo mencatat ingatannya yang paling awal, sekarang di Codex Atlanticus. Saat menulis tentang terbangnya burung, ia mengingat saat masih bayi ketika layang- layang datang ke tempat lahirnya dan membuka mulutnya dengan ekornya; komentator masih memperdebatkan apakah anekdot itu adalah memori yang sebenarnya atau fantasi.

Mengulas Lebih Jauh Sosok Michelangelo Pelukis Terkenal Asal Italia

Mengulas Lebih Jauh Sosok Michelangelo Pelukis Terkenal Asal Italia

Mengulas Lebih Jauh Sosok Michelangelo Pelukis Terkenal Asal Italia – Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni adalah seorang pematung Italia, pelukis, arsitek dan penyair dari High Renaissance . Lahir di Republik Florence , karyanya memiliki pengaruh besar pada perkembangan seni Barat, khususnya dalam kaitannya dengan gagasan Renaisans tentang humanisme dan naturalisme .

Mengulas Lebih Jauh Sosok Michelangelo Pelukis Terkenal Asal Italia

Mengulas Lebih Jauh Sosok Michelangelo Pelukis Terkenal Asal Italia

mybabyjo – Dia sering dianggap sebagai penantang gelar pria Renaisans pola dasar , bersama dengan saingannya dan sezamannya, Leonardo da Vinci. Mengingat banyaknya korespondensi, sketsa, dan kenang-kenangan yang masih ada, Michelangelo adalah salah satu seniman terdokumentasi terbaik dari abad ke-16 dan beberapa cendekiawan menggambarkan Michelangelo sebagai seniman paling berprestasi di zamannya.

Baca Juga : Mengulas Lebih Jauh Tentang Seniman Roy Lichtenstein Asal Amerika

Di masa hidupnya, Michelangelo sering disebut Il Divino (“yang ilahi”). Orang-orang sezamannya sering mengagumi keterribilità — kemampuannya untuk menanamkan rasa kagum pada penonton karya seninya. Upaya seniman berikutnya untuk meniru gaya Michelangelo yang sangat pribadi berkontribusi pada munculnya Mannerisme , gaya dan periode berumur pendek dalam seni Barat setelah High Renaissance.

Kehidupan

Kehidupan awal, 1475–1488

Selama beberapa generasi, keluarganya telah menjadi bankir skala kecil di Florence ; tetapi bank itu gagal, dan ayahnya, Ludovico di Leonardo Buonarroti Simoni, sempat menduduki jabatan pemerintah di Caprese, tempat Michelangelo dilahirkan.

Pada saat kelahiran Michelangelo, ayahnya adalah administrator yudisial kota dan podestà atau administrator lokal Chiusi della Verna. Ibu Michelangelo adalah Francesca di Neri del Miniato di Siena. Buonarrotis mengklaim sebagai keturunan dari Countess Mathilde dari Canossa —sebuah klaim yang masih belum terbukti, tetapi diyakini oleh Michelangelo.

Beberapa bulan setelah kelahiran Michelangelo, keluarganya kembali ke Florence, tempat ia dibesarkan. Selama ibunya sakit berkepanjangan, dan setelah kematiannya pada tahun 1481 (ketika dia berusia enam tahun), Michelangelo ini juga sudah tinggal bersama seorang dari pengasuh dan juga suaminya, seorang pemotong batu, di kota Settignano , di mana ayahnya memiliki sebuah tambang marmer dan sebuah Peternakan. Di sana ia mendapatkan cintanya pada marmer. Seperti kutipan Giorgio Vasari : Jika ada kebaikan dalam diri saya, itu karena saya lahir di atmosfer halus negara Arezzo Anda. Seiring dengan susu perawat saya, saya menerima keahlian menangani pahat dan palu, yang dengannya saya membuat gambar saya.

Bologna, Roma dan Florence, 1492–1499

Pada bulan-bulan berikutnya ia mengukir Salib kayu polikrom (1493), sebagai hadiah kepada pemimpin gereja Santo Spirito di Florentine, yang memungkinkannya untuk melakukan beberapa studi anatomi mayat-mayat dari rumah sakit gereja. Ini adalah yang pertama dari beberapa contoh selama dalam masa dari karirnya bahwa seorang Michelangelo ini sungguh sudah belajar anatomi dengan cara membedah sebuah mayat.

Kehidupan pribadi

Keyakinan

Michelangelo adalah seorang Katolik yang taat yang imannya diperdalam di akhir hayatnya. Puisinya mencakup baris penutup berikut dari apa yang dikenal sebagai puisi 285 (ditulis tahun 1554); “Baik lukisan maupun patung tidak akan bisa lagi menenangkan jiwaku, sekarang beralih ke cinta ilahi yang membuka tangan-Nya di kayu salib untuk membawa kita masuk.”

kebiasaan pribadi

Michelangelo sangat berhati-hati dalam kehidupan pribadinya, dan pernah memberi tahu muridnya, Ascanio Condivi : “Betapa kayanya saya, saya selalu hidup seperti orang miskin.” Rekening bank Michelangelo dan berbagai akta pembelian menunjukkan bahwa kekayaan bersihnya sekitar 50.000 dukat emas , lebih banyak daripada banyak pangeran dan adipati pada masanya. Penulis biografinya Paolo Giovioberkata, “Sifatnya sangat telihat kasar dan juga tidak sopan sehingga ada kebiasaan rumah tangganya yang terlihat sanagt-sangat buruk, dan membuat anak cucunya kehilangan murid yang mungkin mengikutinya.” Ini, bagaimanapun, mungkin tidak mempengaruhi dia, karena dia pada dasarnya adalah orang yang menyendiri dan melankolis, bizzarro e fantastico , seorang pria yang “menarik diri dari perusahaan manusia.”

Hubungan dan puisi

Mustahil untuk mengetahui dengan pasti apakah Michelangelo memiliki hubungan fisik ( Condivi menganggapnya sebagai “kesucian seperti biarawan”); spekulasi tentang seksualitasnya berakar pada puisinya. Dia menulis lebih dari tiga ratus soneta dan madrigal . Urutan terpanjang, menampilkan perasaan romantis yang mendalam, ditulis kepada bangsawan muda Romawi Tommaso dei Cavalieri ( c.  1509–1587 ), yang berusia 23 tahun ketika Michelangelo pertama kali bertemu dengannya pada tahun 1532, pada usia 57 tahun. Florentine Benedetto Varchilima belas tahun kemudian menggambarkan Cavalieri sebagai “kecantikan yang tak tertandingi”, dengan “tata krama yang anggun, anugerah yang begitu luar biasa dan sikap yang begitu menawan sehingga dia memang pantas, dan masih pantas, semakin dicintai semakin baik dia dikenal”.

Dalam ” Lives of the Artists “-nya, Giorgio Vasarimengamati: “Tapi jauh lebih dari yang lain dia mencintai M. Tommaso de’ Cavalieri, seorang pria Romawi, yang karena dia, sebagai seorang pemuda dan sangat menyukai seni ini, [Michelangelo] dibuat, sampai akhir agar dia bisa belajar untuk menggambar, banyak gambar kepala dewa yang paling indah, dirancang dengan kapur hitam dan merah; dan kemudian dia menggambar untuknya Ganymede diangkat ke Surga oleh Jove’s Eagle, Tityus dengan Vulture melahap hatinya, Kereta Matahari jatuh dengan Phaëthon ke Po, dan Bacchanal anak-anak, yang semuanya merupakan hal yang paling langka, dan gambar serupa yang belum pernah dilihat.”

Mengulas Lebih Jauh Tentang Seniman Roy Lichtenstein Asal Amerika

Mengulas Lebih Jauh Tentang Seniman Roy Lichtenstein Asal Amerika

Mengulas Lebih Jauh Tentang Seniman Roy Lichtenstein Asal Amerika – Roy Fox Lichtenstein dia ini merupakan seorang artis pop Amerika . Selama tahun 1960-an, bersama Andy Warhol , Jasper Johns , dan James Rosenquist antara lain, ia menjadi tokoh terkemuka dalam gerakan seni baru. Karyanya mendefinisikan premis seni pop melalui parodi.

Mengulas Lebih Jauh Tentang Seniman Roy Lichtenstein Asal Amerika

Mengulas Lebih Jauh Tentang Seniman Roy Lichtenstein Asal Amerika

mybabyjo – Terinspirasi juga oleh komik dari strip , Lichtenstein ini juga sudah menghasilkan komposisi yang sangat tepat yang sudah didokumentasikan saat mereka ini sedang memparodikan, seringkali mereka ini dalam bentuk cara lidah-di-pipi.

Baca Juga : Seniman Amerika Terkenal Dengan Karya Seninya

Tahun-tahun awal

Lichtenstein lahir dalam keluarga Jerman – Yahudi kelas menengah ke atas di New York City . Ayahnya, Milton, adalah seorang broker real estate, ibunya, Beatrice (Werner), seorang ibu rumah tangga. dia ini juga sudah dibesarkan yang ada di kota Upper West Side di New York City dan bersekolah yang ada di sebuah sekolah umum hingga sampai usianya ini pada 12 tahun. Dia kemudian menghadiri Sekolah Dwight New York , lulus dari sana pada tahun 1940.

Karier

Lichtenstein kemudian meninggalkan New York untuk belajar di Ohio State University , yang menawarkan kursus studio dan gelar dalam seni rupa. Studinya terganggu oleh tugas tiga tahun di Angkatan Darat selama dan setelah Perang Dunia II antara tahun 1943 dan 1946. Setelah mengikuti program pelatihan untuk bahasa, teknik, dan pelatihan pilot, yang semuanya dibatalkan, ia menjabat sebagai tertib, juru gambar, dan seniman.

Lichtenstein kembali ke rumah untuk mengunjungi ayahnya yang sekarat dan diberhentikan dari Angkatan Darat dengan kelayakan untuk RUU GI. Dia kembali belajar di Ohio di bawah pengawasan salah satu gurunya, Hoyt L. Sherman , yang secara luas dianggap memiliki dampak signifikan pada pekerjaan masa depannya (Lichtenstein kemudian akan menamai studio baru yang didanainya di OSU sebagai Pusat Seni Studio Hoyt L. Sherman).

Pada tahun 1951, Lichtenstein mengadakan pameran tunggal pertamanya di Galeri Carlebach di New York. Dia pindah ke Cleveland pada tahun yang sama, di mana dia tinggal selama enam tahun, meskipun dia sering bepergian kembali ke New York. Selama waktu ini ia melakukan pekerjaan yang beragam seperti juru gambar hingga penghias jendela di antara periode melukis. Karyanya saat ini berfluktuasi antara Kubisme dan Ekspresionisme. Pada tahun 1954, putra pertamanya, David Hoyt Lichtenstein, sekarang menjadi penulis lagu, lahir. Putra keduanya, Mitchell Lichtenstein , lahir pada tahun 1956.

Pada tahun 1957, ia pindah kembali ke bagian utara New York dan mulai mengajar lagi. Pada saat inilah ia mengadopsi gaya Abstrak Ekspresionisme , menjadi orang yang terlambat beralih ke gaya lukisan ini. Lichtenstein mulai mengajar di New York bagian utara di Universitas Negeri New York di Oswego pada tahun 1958. Sekitar waktu ini, ia mulai memasukkan gambar tersembunyi dari karakter kartun seperti Mickey Mouse dan Bugs Bunny ke dalam karya abstraknya.

Menjadi terkenal

Pada tahun 1960, ia mulai mengajar di Universitas Rutgers di mana ia sangat dipengaruhi oleh Allan Kaprow , yang juga seorang guru di universitas tersebut. Lingkungan ini membantu menghidupkan kembali minatnya pada citra Proto-pop. Pada tahun 1961, Lichtenstein memulai lukisan pop pertamanya menggunakan gambar kartun dan teknik yang berasal dari penampilan percetakan komersial. Fase ini akan berlanjut hingga tahun 1965, dan termasuk penggunaan citra iklan yang menunjukkan konsumerisme dan pekerjaan rumah tangga.

Karya pertamanya yang menampilkan penggunaan figur bermata besar dan titik- titik Ben-Day dalam skala besar adalah Look Mickey (1961, National Gallery of Art , Washington, DC). Karya ini datang dari tantangan salah satu putranya, yang menunjuk ke buku komik Mickey Mouse dan berkata; “Aku yakin kamu tidak bisa melukis sebagus itu, kan, Ayah?” Pada tahun yang sama ia menghasilkan enam karya lain dengan karakter yang dapat dikenali dari bungkus permen karet dan kartun.

Pada tahun 1961, Leo Castelli mulai memajang karya Lichtenstein di galerinya di New York. Lichtenstein mengadakan pertunjukan satu orang pertamanya di galeri Castelli pada tahun 1962; seluruh koleksi dibeli oleh kolektor berpengaruh bahkan sebelum pertunjukan dibuka. Sekelompok lukisan yang diproduksi antara tahun 1961 dan 1962 berfokus pada benda-benda rumah tangga seperti sepatu kets, hot dog, dan bola golf. Pada bulan September 1963 ia mengambil cuti dari posisi mengajar di Douglass College di Rutgers.

Karya-karyanya terinspirasi oleh komik yang menampilkan perang dan kisah-kisah romantis “Pada waktu itu,” Lichtenstein kemudian menceritakan, “Saya tertarik pada apa pun yang dapat saya gunakan sebagai subjek yang kuat secara emosional biasanya cinta, perang, atau sesuatu yang sangat bermuatan dan subjek emosional menjadi berlawanan dengan teknik melukis yang dihilangkan dan disengaja”.

Komisi

Pada tahun 1969, Lichtenstein ditugaskan oleh Gunter Sachs untuk membuat Composition dan Leda and the Swan , untuk suite kamar tidur Pop Art kolektor di Palace Hotel di St. Moritz . Pada akhir 1970-an dan selama 1980-an, Lichtenstein menerima komisi besar untuk pekerjaan di tempat umum: patung Lamp (1978) di St. Mary’s, Georgia ; Putri Duyung (1979) di Pantai Miami; Brushstrokes in Flight setinggi 26 kaki (1984, dipindahkan pada tahun 1998) di Bandara Internasional Port Columbus ; Mural setinggi lima lantai dengan Sapuan Kuas Biru (1984–85) diPusat Keadilan , New York; dan El Cap de Barcelona (1992) di Barcelona.

Pada tahun 1994, Lichtenstein menciptakan Times Square Mural sepanjang 53 kaki di atas logam di stasiun kereta bawah tanah Times Square. Pada tahun 1977, ia ditugaskan oleh BMW untuk melukis Versi Balap Grup 5 dari BMW 320i untuk angsuran ketiga dalam Proyek Mobil Seni BMW . Logo DreamWorks Records adalah proyek terakhirnya yang diselesaikan. “Saya tidak dalam bisnis melakukan hal seperti itu (logo perusahaan) dan tidak berniat melakukannya lagi,” izin Lichtenstein. “Tapi aku tahu Mo Ostindan David Geffen dan tampaknya menarik.”

Seniman Amerika Terkenal Dengan Karya Seninya

Seniman Amerika Terkenal Dengan Karya Seninya

mybabyjo – Gaya awal artis Amerika terutama berdasarkan dalam lukisan Inggris. Meskipun nir semuanya artis Amerika baru populer dalam abad ke-19, & dalam abad ke-20 Amerika Serikat mulai mempunyai dampak akbar pada global seni internasional. Gerakan seni rupa terkemuka pertama pada Amerika Serikat merupakan Realisme , yg mendeskripsikan empiris sosial pada masa ini & kehidupan orang-orang biasa .

Seniman Amerika Terkenal Dengan Karya Seninya – Abstrak Ekspresionisme merupakan gerakan spesifik Amerika pertama yg mencapai dampak internasional . Ini menekankan dalam penyampaian konten yg emosional atau ekspresif bertenaga melalui abstraksi . Diikuti sang gerakan Pop Art, yg ditandai menggunakan penggunaan gambaran yg bisa dikenali berdasarkan budaya terkenal misalnya iklan, selebriti, & karakter kitab komik. Alaihi Salam jua memainkan kiprah primer pada M odernism, Neo-Ekspresionisme & Graffiti Art .

Seniman Amerika Terkenal Dengan Karya Seninya

Seniman Amerika Terkenal Dengan Karya Seninya

Banyak artis paling populer berdasarkan era terkini yg asal berdasarkan Amerika Serikat termasuk Modernis Georgia O`Keeffe , Realis Edward Hopper , Ekspresionis Abstrak Jackson Pollock , Artis Pop Andy Warhol & Artis Graffiti Keith Haring . Ketahui lebih poly mengenai seni visual Amerika Serikat melalui 9 artis Amerika paling populer & mahakarya mereka.

1 ANDY WARHOL
Terlahir menjadi Andrew Warhola , Andy Warhol merupakan seniman paling populer & paling berpengaruh berdasarkan gerakan Pop Art hingga-hingga dia dikenal menjadi “Pope of Pop” . Gaya non-lukisan & aspek komersial lukisannya dalam awalnya menyinggung lantaran menghina teknik & filosofi ekspresionisme tak berbentuk, gaya yg ketika itu mayoritas pada Amerika Serikat. Karya-karyanya membangun kegemparan pada global seni Amerika & kontroversi yg didapatkan menciptakan Warhol sebagai nama tempat tinggal tangga. Warhol merupakan seseorang artis yg produktif & dia menjelajahi banyak sekali media termasuk lukisan, sablon, fotografi, film & patung . Lukisan-lukisannya adalahantara yg paling mahal yg pernah dijual . Harga tertinggi yg dibayar buat sebuah lukisan Warhol merupakan US$105 juta buat sebuah kanvas tahun 1963 berjudul Silver Car Crash , sedangkan apabila diubahsuaikan menggunakan inflasi, lukisannya yg paling mahal merupakan Eight Elvises seharga US$111,dua . Meskipun poly yg masih mencurigai kehebatan karyanya, Andy Warhol nir diragukan lagi merupakan seniman Amerika paling populer .
Karya: Marilyn Diptych (1962)
Karya Terkenal Lainnya:-
Kaleng Sup Campbell (1962)
Delapan Elvis (1963)

2. EDWARD HOPPER
Seni Edward Hopper ditandai menggunakan tindakan minimal menggunakan hampir nir terdapat perindikasi-perindikasi kehidupan & mobilitas ; & penggunaan wahana dramatis buat menerangkan keadaan psikologis subjeknya . Individu Hopper, umumnya digambarkan terisolasi & terputus berdasarkan lingkungan mereka, menyampaikan kesendirian kehidupan terkini. Lebih berdasarkan itu, dia memaksa penontonnya buat berperan aktif pada melengkapi narasi karya-karyanya . Hal ini sangat berpengaruh bagi global seni rupa lantaran melahirkan gerakan seni rupa pada mana kiprah primer pada tahu karya seni diserahkan pada penontonnya . The paling populer pelukis realis Amerika , Edward Hopper sudah dikatakan sudah dicatpotret Amerika abad ke 2 puluh yg lebih menyampaikan daripada seniman lainnya . Karyanya Nighthawks merupakan keliru satu lukisan yg paling dikenal pada sejarah seni Amerika .
Karya: Nighthawks (1942)
Karya Terkenal Lainnya:-
Otomatis (1927)
Film New York (1939)

3.ROY LICHTENSTEIN
Roy Lichtenstein awalnya bekerja pada Kubisme & Ekspresionisme Abstrak sebelum ke Pop Art. Pertama kali karyanya dipamerkan, dia dianggap peniru sang poly kritikus seni lantaran karyanya sangat seperti menggunakan aslinya . Majalah Life bahkan hingga menerbitkan sebuah artikel yg judulnya menanyakan “Apakah Dia Artis Terburuk pada Alaihi Salam?” Para artis menanggapi menggunakan mengatakan, “Semakin dekat karya aku menggunakan aslinya, semakin mengancam & kritis isinya” . Seiring waktu, Roy Lichtenstein sebagai keliru satu artis terkemuka berdasarkan gerakan Pop Art , yg mendominasi global seni Amerika. Karya-karyanya yg paling populer,umumnya terinspirasi sang iklan terkenal & komik strip , sudah sebagai gambar ikon berdasarkan gerakan tadi.
Karya: Wah! (1963)
Karya Terkenal Lainnya:-
Gadis Tenggelam (1963)
Oh, Jeff…Aku jua mencintaimu…Tapi… (1964)

Baca Juga : Artis Jepang Paling Terkenal Yang Harus Anda Ketahui

4 JEAN-MICHEL BASQUIAT
Tunawisma & pengangguran, Jean-Michel Basquiat memulai karirnya menjadi artis grafiti . Gerakan seni grafiti mencapai puncaknya pada Alaihi Salam dalam akhir 1970-an & awal 1980-an . Pada tahun 1976, Basquiat & temannya Al Diaz mulai melukis grafiti pada gedung-gedung pada Lower Manhattan. Mereka memakai nama samaran SAMO , akronim buat “Sialan Lama yg Sama” . SAMO segera menerima perhatian media namun duo ini berpisah & proyek tadi berakhir dalam 1979. Pada awal 1980-an, Basquiat menggunakan cepat naik sebagai keliru satu seniman paling populer pada Amerika Serikat. Seninya serius dalam “dibagi dua sugestif”, misalnya kekayaan lawan kemiskinan, integrasi lawan segregasi, & pengalaman batin lawan luar. Jean-Michel Basquiat mungkin merupakan artis Amerika paling populer berdasarkan gerakan Neo-ekspresionisme , yg dicirikan sang subjektivitas yg intens & penanganan material yg kasar . Dia mati lantaran overdosis heroin dalam usia 27 tahun.
Karya: Scull (1981)
Karya Terkenal Lainnya:-
Terompet (1984)
Fleksibel (1982)

5. NORMAN ROCKWELL
Norman Rockwell merupakan seseorang artis yg produktif, membuat lebih berdasarkan 4.000 karya orisinil pada hidupnya. Sebagian akbar karyanya dibentuk menjadi gambaran sampul majalah The Saturday Evening Post , & lalu majalah Look . Rockwell paling populer menggunakan ilustrasinya mengenai kehidupan sehari-hari ; buat menangkap semangat kota mini Amerika ; & buat penggambaran patriotiknya selama Perang Dunia II . Pada tahun 1943, dia membangun empat lukisan yg sinkron menggunakan empat kebebasan yg disebutkan sang Presiden Alaihi Salam Franklin D. Roosevelt pada pidatonya yg populer dalam tahun 1941. Lukisan; Kebebasan Berbicara, Kebebasan Beribadah, Kebebasan berdasarkan Keinginandan Bebas berdasarkan Ketakutan ; merupakan pada antara karya-karyanya yg paling populer. Rockwell nir menerima kebanggaan kritis menggunakan kritikus seni yg nir menganggapnya menjadi “pelukis yg serius” . Namun, beliau merupakan seniman komersial paling populer & terkenal pada Amerika dalam pertengahan abad ke-20 .

Karya: Empat seri Kebebasan (194 tiga )
Karya Terkenal Lainnya:-
Masalah yg Kita Semua Hadapi (1964)
Rosie the Riveter (1943)

6 ALEXANDER CALDER
Alexander Calder, salah satu pematung paling berpengaruh di abad ke-20 dan mungkin pematung Amerika paling terkenal, paling dikenal karena penemuan ponsel. Ponsel menggunakan prinsip keseimbangan. Selain ponsel, Calder membuat istal, patung kawat, mainan, set teater, lukisan cat minyak dan guas, dan bahkan patung statis yang disebut perhiasan dan banyak barang rumah tangga. Calder juga menciptakan patung monumental pada tahun 1957 untuk Bandara JFK di New York City, termasuk .125. UNESCO spiral di Paris tahun berikutnya. Patung El Sollojo terbesarnya di luar Stadion Aztec pada Olimpiade Musim Panas 1968 di New Mexico. Dua bulan setelah kematiannya pada November 1976, Alexander Calder dianugerahi Presidential Medal of Freedom, penghargaan sipil tertinggi di Amerika Serikat.
Karya Agung: Calder’s Circus (1926-1931)
Karya Terkenal Lainnya:
Flamingo (1974)
Lobster Trap and Fishtail (1939)

7. Keith Haring
Keith Haring diperkenalkan pada seni sejak usia dini oleh ayahnya, yang menjadikan kartun sebagai hobi. Pada tahun 1978 Haring datang ke New York dan memperhatikan perkembangan seni grafiti bawah tanah di sana. Dia menciptakan ribuan gambar publik dan menjadi salah satu seniman grafiti paling terkenal. Dia juga ditangkap beberapa kali karena vandalisme. Karena minat publik terhadap seninya meningkat, Herring mengadakan pameran tunggal pertamanya pada tahun 1981. Sepanjang tahun 1980an ia menghasilkan puluhan mural dan karya umum di seluruh dunia , termasuk di Eropa, Amerika Selatan dan Australia. Lambat laun bahkan perusahaan seni rupa pun harus mengakui bakatnya. Keith Haring membawa elemen dari apa yang disebut sebagai “seni rendah” ke yang sebelumnya eksklusifruang museum dan galeri “seni tinggi” . Karya seninya dikenal sederhana namun mengandung tema yang lebih dalam tentang kelahiran, kematian, cinta, seksualitas, perang, dan harmoni sosial.
Karya: Crack is Wack (1986)
Karya Abstrak Terkenal Lainnya:
Tuttomondo (1989)
Afrika Selatan Bebas (1985)

8. GEORGIA O`KEEFFE
Modernisme Amerika adalah gerakan seni dan budaya yang memuncak antara dua Perang Dunia. Itu ditandai dengan keberangkatan yang disengaja dari tradisi dan penggunaan bentuk ekspresi yang inovatif . Georgia O’Keeffe menjadi tokoh terkemuka dalam Modernisme Amerika dengan menantang batasbatas gaya artistik dengan lukisannya, yang menggabungkan abstraksi dan representasi. Dia paling terkenal karena closeup bunganya yang besar dan sensual yang pada dasarnya menjadikan karya abstrak. Georgia O’Keeffe sangat signifikan dalam mempengaruhi keseimbangan gender dalam kancah seni. Dikenal sebagai ” Ibu Modernisme Amerika “, dia bukan hanya wanita paling terkenalSeniman Amerika tetapi juga salah satu tokoh seni abad ke20 yang paling berpengaruh . Dia dianugerahi Presidential Medal of Freedom pada tahun 1977 .
Karya: Iris Hitam III (19 26 )
Karya Terkenal Lainnya:
Tengkorak Sapi: Merah, Putih, dan Biru (1931)
Gedung Radiator — Malam, New York (1927)

1 2 4