Aneka Kerajinan Tangan Rumahan yang Bisa Dibuat Dengan Mudah

Aneka Kerajinan Tangan Rumahan yang Bisa Dibuat Dengan Mudah

Aneka Kerajinan Tangan Rumahan yang Bisa Dibuat Dengan Mudah – Aneka Kerajinan Tangan Rumahan yang Bisa Dibuat Dengan Mudah – Seni kriya merupakan salah satu hasil karya tangan yang indah. Dimana pada pembuatan karya seni ini dibutuhkan keterampilan dan kreativitas tak terbatas. Tidak selalu sulit, sebab bisa diwujudkan dengan cara sederhana. Lalu, apa sajakah kerajinan tangan yang mudah dibuat itu?

Ada banyak sekali contoh kerajinan tangan yang bisa dibuat sendiri di rumah. Karya tersebutpun dapat digunakan untuk sendiri maupun dijual kembali. Benar sekali, aneka kerajinan tangan rumahan sangat laku di pasaran. Ini menjadi peluang yang bagus untuk Anda yang ingin mendapatkan penghasilan dari rumah atau untuk menambah modal anda untuk bermain judi bola di multibet88.online sehingga peluang kemenangan bermain judi online anda akan lebih besar lagi jika modal yang anda miliki besar.

Berikut adalah beberapa contoh kerajinan tangan rumahan yang bisa dibuat dengan cara sederhana:

• Aksesoris hijab dari kain flanel, yang mana kain unik ini bisa disulap jadi berbagai macam bentuk. Bros dari flane ini bisa berbentuk kupu-kupu, bunga, pita dan lainnya.

• Gantungan kunci dari flanel. Kain ini bisa juga dimanfaatkan untuk membuat gantungan kunci. Biasanya dibentuk dalam karakter yang unik. Seperti aneka buah, huruf, tokoh kartun dan lainnya.

• Aksesoris rambut dari flanel. Masih menggunakan kain flanel yang sama, dapat dikreasikan untuk membuat aksesoris rambut. Seperti bando dan jepitan rambut.

• Tas unik dari kain perca pun boleh juga. Kain bekas yang tak terpakai bisa disulap jadi tas cantik. Tampak seperti susunan kain tak beraturan namun terlihat menarik.

• Pakaian dari kain perca. Dimana pakaian tersebut dapat berupa baju, rok, celana dan lainnya. Cara membuatnya sama seperti langkah menyusun pakaian pada umumnya. Hanya saja jenis kainnya bekas dan berupa potongan-potongan kain. Jika dikombinasikan akan lihat unik.

• Bros dari kain perca juga tidak kalah bagusnya. Jenis kain bekas yang dipakai adalah yang berukuran kecil. Kemudian disusun untuk membentuk pola tertentu. Biasanya bros kain perca berbentuk aneka bunga dan pita.

• Mainan anak dari kardus bekas. Kardus tersebut dapat digambar membentuk tokoh ataupun karakter lain. Kemudian agar semakin menyerupai karakter yang diinginkan, ditambahkan beberapa polesan warna. Selain lebih mirip, mainan dengan warna yang menarik lebih disukai anak-anak.

• Sedotan yang berukuran besar bisa untuk membuat aneka hiasan rumah. Dapat disulap menjadi bunga dan daun yang biasanya ditempatkan pada vas bunga di atas meja. Selain itu bisa juga di letakkan di tembok.

• Kancing baju bisa juga untuk membuat bros hijab, hiasan dinding dan aksesoris wanita lainnya. Agar lebih menarik, pilih kancing dengan bentuk yang unik serta padukan warna yang ada.

Supaya karya seni yang dibuat tidak sia-sia, sebaiknya diimbangi dengan sesuatu yang berbeda. Sehingga tampak beda dengan kerajinan tangan buatan yang lain. Keunikan ini turut menarik perhatian dan menjadikannya lebih laku di pasaran daripada yang biasa-biasa saja.

5 Lukisan Menakjubkan Egon Schiele Seniman Austria

5 Lukisan Menakjubkan Egon Schiele Seniman Austria

5 Lukisan Menakjubkan Egon Schiele Seniman Austria, Pelukis Austria Egon Schiele adalah pelukis figuratif utama abad ke-20. Dalam karirnya yang singkat, ia menciptakan lebih dari 3.000 karya di atas kertas dan sekitar 300 lukisan di atas kanvas. Terkenal karena potretnya yang berkerut, Schiele menolak pandangan konvensional masyarakat tentang kecantikan dan lebih suka menangkap emosi yang sebenarnya—dan seringkali jelek dan eksplisit—dari subjeknya. Karyanya sering dianggap mengejutkan pada saat itu, tetapi gaya khasnya—garis-garis bersudut dan warna yang diredam—membuatnya menjadi pelopor Ekspresionisme Austria.

5 Lukisan Menakjubkan Egon Schiele Seniman Austria

Seorang pemberontak yang menolak tradisi, Schiele putus sekolah seni tetapi tidak pernah berhenti membuat seni. Dia dibimbing oleh sesama pelukis Austria Gustav Klimt yang membawanya di bawah sayapnya pada tahun 1907. Keduanya berkolaborasi, menjadi teman seumur hidup, dan bahkan memiliki inspirasi yang sama. Akibatnya, karya-karya awal Schiele sering dibandingkan dengan karya-karya ikonik Klimt, namun Schiele segera mengembangkan gaya uniknya sendiri.

Menurut mybabyjo.com Pada usia 28, Schiele meninggal secara tragis karena flu Spanyol—tiga hari setelah kematian istrinya yang sedang hamil. Meskipun hidupnya singkat, seniman itu sangat produktif, dan karyanya membantu membangun gerakan Ekspresionis Wina serta menginspirasi gerakan lain yang akan segera terjadi seperti Abstrak Ekspresionisme . Baca terus untuk mengetahui lima karya Schiele yang paling terkenal.

Temukan lima karya terkenal pelukis legendaris Austria, Egon Schiele.

PORTRAIT OF GERTI SCHIELE, 1909

PORTRAIT OF GERTI SCHIELE, 1909

Portrait Of Gerti Schiele dilukis saat Schiele masih remaja. Ini menggambarkan adik perempuannya, Gerti, yang sering duduk untuk Schiele selama tahun-tahun awalnya. Pada tahun 1909, seniman muda itu mengagumi dan sering berkolaborasi dengan sesama seniman Gustav Klimt dan pengaruhnya terpancar dalam karya khusus ini.

Meskipun terinspirasi oleh seni mentornya, Schiele masih menampilkan gayanya sendiri yang terus berkembang—gaya yang kurang dekoratif daripada gaya Klimt. Dibuat dengan cat minyak dan pensil, bersama dengan sejumlah kecil emas dan perak, Potret Gerti Schiele memiliki tampilan seperti patung.

SELF-PORTRAIT WITH CHINESE LANTERN PLANT, 1912

SELF-PORTRAIT WITH CHINESE LANTERN PLANT, 1912

Sebagai salah satu potret diri Schiele yang paling terkenal, lukisan ini menggambarkan sang seniman dengan tatapan percaya diri—namun rentan. Lukisan itu dilukis pada saat karir artistik pria berusia 22 tahun itu berkembang pesat dan karyanya dipamerkan di berbagai galeri. Rambut dan tubuhnya dipangkas di tepi kanvas, dan wajahnya dicat dengan sapuan kuas berwarna yang ekspresif.

Garis komposisinya juga mencolok. Garis bahu di sebelah kanan dilanjutkan dengan tulang rahang, dan bahu kiri yang miring sejajar dengan latar belakang putih two-tone. Ranting dengan daun dan lentera Cina di sebelah kiri gambar tampak halus, menggemakan penggambaran artis tentang dirinya yang sedikit rapuh.

Lukisan itu awalnya dipamerkan di Munich pada tahun 1912 bersama potret kekasihnya saat itu, Wally Neuzil. Potret Wally dicuri oleh Nazi dari rumah seorang Yahudi Austria, hanya untuk dikembalikan ke Wina pada 2010 setelah pertempuran hukum selama 12 tahun.

HERMITS, 1912

HERMITS, 1912

Dalam potret ganda ini, Schiele melukis dirinya dan mentornya, Klimt, berdiri berdekatan. Kedua sosok itu mengenakan kaftan hitam panjang, pakaian yang dikenal baik oleh Klimt dan Schiele dalam kehidupan nyata. Klimt diposisikan di belakang Schiele, sebagian tersembunyi dan dibutakan. Dalam pernyataan yang berani, Schiele melukis dirinya sebagai tuan tua daripada Klimt. Sosok-sosok gelap dan judul lukisan itu menunjukkan perasaan terisolasi Schiele saat ia hidup di pinggiran masyarakat.

Baca Juga : 5 Pelukis – Pelukis Luar Biasa Asal Belanda

DEATH AND THE MAIDEN, 1914-15

DEATH AND THE MAIDEN, 1914-15

Selama waktu Death and the Maidendicat, Schiele diperintahkan untuk melapor untuk dinas aktif dalam Perang Dunia Pertama. Seniman itu telah menundanya selama lebih dari setahun, tetapi akhirnya, ia ditunjuk untuk menjaga dan mengawal tahanan Rusia (yang kemudian menjadi subjek seninya). Kematian adalah tema yang menonjol dalam kehidupan Schiele pada saat itu, dan lukisan yang menghantui ini menangkap keadaan depresi dari pikiran sang seniman.

Lukisan ini menampilkan sosok wanita kurus yang menempel pada sosok kematian pria, terbungkus kain putih dan dikelilingi oleh lanskap surealis seperti kuburan. Beberapa percaya lukisan itu mewakili perpisahan menyakitkan Schiele dari kekasih lamanya, Wally Neuzil. Seniman itu melukisnya beberapa bulan sebelum dia menikahi kekasih barunya, Edith Harms, dan mungkin, karya itu melambangkan kematian hubungan sebelumnya.

TOWN AMONG GREENERY (THE OLD CITY III), 1917

TOWN AMONG GREENERY (THE OLD CITY III), 1917

Meskipun Schiele mungkin paling terkenal dengan karya figuratifnya, sang seniman terkadang melukis pemandangan dan pemandangan kota. Town Among Greenery (Kota Tua III) menggambarkan pemandangan Krumau, kampung halaman ibu Schiele, di tempat yang sekarang menjadi Republik Ceko. Lukisan itu menampilkan banyak karakteristik khas karya seniman, termasuk garis tebal, sudut tajam, dan perspektif luas. Namun, berbeda dengan gayanya yang biasa, karya ini menampilkan berbagai warna cerah.

10 Lukisan Terbaik di National Galleries of Scotland di Edinburgh

10 Lukisan Terbaik di National Galleries of Scotland di Edinburgh

10 Lukisan Terbaik di National Galleries of Scotland di Edinburgh, Galeri Nasional Skotlandia terdiri dari Galeri Nasional Skotlandia, Galeri Seni Modern Nasional Skotlandia, dan Galeri Potret Nasional Skotlandia, semuanya di Edinburgh. Museum menelusuri sejarah mereka kembali ke tahun 1850, ketika konstruksi dimulai di Galeri Nasional. Lukisan-lukisan dalam daftar ini hanyalah sebagian kecil dari koleksi galeri, yang mencakup kelompok seniman yang jauh lebih beragam daripada yang ditampilkan di sini. (Dan jika Anda ingin mempelajari tentang lima lukisan galeri lagi, lihat satu daftar lagi .)

10 Lukisan Terbaik di National Galleries of Scotland di Edinburgh

Collioure (1905)

André Derain menghabiskan sebagian besar masa kecilnya di kota kecil Prancis Chatou, dekat Paris. Dua puluh tahun kemudian dia berbagi studio di sana, di atas sebuah restoran bekas, dengan temannya dan sesama artis Maurice de Vlaminck . Kedua pelukis itu sangat berpengaruh satu sama lain, memanfaatkan palet cerah yang sama, diterapkan dalam sapuan warna kasar untuk mendapatkan efek cahaya dalam penggambaran lanskap Mediterania mereka. Kedua seniman itu terkait erat dengan Henri Matisse dan Pablo Picasso , yang merupakan generasi pertama Fauves dan Kubisme. Collioureselesai pada musim panas 1905, setelah Derain dibebaskan dari dinas militer.

Menurut mybabyjo.com Di pelabuhan Prancis selatan ini sang seniman, bekerja bersama Matisse, melapisi kanvasnya dengan cat putih sebelum menerapkan mosaik dekat dengan warna cemerlang untuk mencapai efek cahaya terang yang tidak menimbulkan bayangan. Derain, yang sudah berpengalaman dalam lukisan Neo-Impresionis, menerapkan teori warna seniman seperti Georges Seurat untuk menggabungkan efek komposisi buatan dalam warna intens dengan realitas yang diamati. Karya tersebut kemudian dibeli oleh dealer Ambroise Vollard dan dipamerkan di Salon d’Automne bersama dengan karya Matisse, Vlaminck, dan lainnya. Digantung sebagai sebuah kelompok, lukisan-lukisan ini segera dijuluki Kandang aux Fauves(Cage of Wild Beasts) karena penggunaan warna-warna cerah yang “liar”. Ini menandai lahirnya Fauvisme. (Jessica Gromley)

Lake Thun and the Stockhorn Mountains (1910)

Lake Thun and the Stockhorn Mountains adalah salah satu dari serangkaian lanskap gunung di dekat Danau Thun, yang dihasilkan di akhir karier Ferdinand Hodler. Dari pertengahan abad ke-19, Swiss mulai mengalami perkembangan industri dan invasi turis, tetapi tidak ada yang terlihat di lanskap Swiss Hodler. Sebagai Simbolis yang dipengaruhi oleh bacaannya tentang filsuf Arthur Schopenhauer, Hodler lebih tertarik pada suasana adegan daripada dunia penampilan yang dangkal. Untuk mencapai ini, dia mengubah bentuk pemandangan melalui subjektivitasnya sendiri. Dalam Simbolisme, objek diratakan, disederhanakan, dan diubah menjadi pola. Horizontalitas adalah kunci untuk lukisan khusus ini.

Terlepas dari kemiripannya yang jelas, jika tidak realistis, dengan rumput, air, gunung, langit, dan awan, ia dapat dibaca sebagai enam pita warna berirama. Horisontal menandakan kematian Hodler, tema umum dalam lukisannya dan simbolis lainnya, tetapi dalam pekerjaan ini kematian bukanlah akhir tetapi hanya satu bagian dari siklus hidup tanpa akhir yang diungkapkan melalui simetri bentuk di bumi dan awan. Gunung-gunung dikelilingi dalam lingkaran awan dan dengan sendirinya menggugahPenampakan gunung yang mistis dari Wassily Kandinsky kemudian. Pada tahun 1919 Hodler menyatakan bahwa dalam perenungannya tentang alam dia merasa bahwa dia sedang berdiri di ujung bumi dan berkomunikasi dengan alam semesta. Dia memotong ruang di mana penonton akan berdiri untuk menekankan luasnya dunia dan untuk menyarankan realitas di luar pengalaman fisik melihat.

Ratu Anne (c. 1685)

Lahir di Amsterdam, Willem Wissing berlatih di Den Haag dan Paris. Ia menjadi asisten Sir Peter Lely setibanya di London pada 1676. Setelah kematian Lely empat tahun kemudian, Wissing membantu menyelesaikan lukisan Lely yang belum selesai. Selanjutnya ia menjadi pelukis potret yang modis. Dia melukis banyak potret anggota istana Stuart, termasuk Putri, kemudian Ratu, Anne. Pada tahun 1684 ia dikirim ke Belanda oleh Raja James II untuk melukis Pangeran Oranye dan Putri Mary. Jan van der Vaardt lahir di Haarlem di Belanda dan pada tahun 1674 pindah ke London, di mana ia menghabiskan sisa hidupnya. Dia menjadi asisten Wissing, terutama melukis pemandangan alam, benda mati, dan gorden dalam lukisannya.

Setelah kematian Wissing pada tahun 1687, van der Vaardt mendirikan praktik potretnya sendiri, mendasarkan gayanya pada Wissing, meskipun karyanya kurang dipoles. Potret Ratu Anne, ketika Putri Denmark, 1665 – 1714dilukis sebelum Anne naik takhta pada 1702. Putri Anne berusia 20 tahun pada 1985, dan potret itu dilukis dua tahun setelah Anne menikah dengan Pangeran George dari Denmark. Mungkin ada beberapa versi lukisan ini, yang akan diberikan sebagai hadiah kepada teman dan keluarga. Anjing di kakinya mengacu pada kesetiaan dalam pernikahan, pilar melambangkan kekuatan spiritual, dan mawar melambangkan kemurnian. Selama pernikahannya, Anne mengalami banyak keguguran, dan dia melahirkan 12 anak, tidak ada yang selamat. Ratu Anne adalah yang terakhir dari dinasti Stuart untuk menduduki tahta Inggris.

Baca Juga : 7 Karya Seni Kontroversial Yang Mengejutkan Dunia

Sir James MacDonald dan Sir Alexander MacDonald (c. 1749)

Karya William Mosman sering digambarkan sebagai bagian dari Sekolah potret “Barok Skotlandia”, bersama dengan pelukis kontemporer Skotlandia William Aikman, yang dengannya Mosman belajar sebentar pada tahun 1720-an, dan Allan Ramsay , yang menjadi salah satu pelukis potret Inggris terkemuka pada zamannya. Ramsay dan Mosman menghasilkan jenis potret bergaya yang sama dengan gaya Eropa—pendekatan yang halus dengan memperhatikan kain dan pencahayaan. Namun, sementara karya Ramsay kosmopolitan dan canggih, potret ganda inimemiliki pesona yang lebih sederhana dan kualitas Mosman yang lebih membumi, kepada siapa lukisan itu dikaitkan (meskipun seniman sebenarnya tidak diketahui). Ini menunjukkan putra kepala suku Highland Sir Alexander MacDonald, yang memiliki perkebunan di Isle of Skye Skotlandia.

Anak laki-laki yang lebih tua, James, berpose dengan pistolnya, yang memberinya suasana yang lebih senior dan serius daripada adiknya Alexander, terlihat menikmati hobi bermain golf yang lebih polos (sudah menjadi hobi populer di Skotlandia di kalangan orang kaya) . Lanskap surut ke jarak yang kabur mengisyaratkan perkebunan keluarga penting ini dan, bersama dengan pencahayaan yang diselaraskan dengan cerdik, menggemakan lanskap puitis yang dilukis oleh Poussin dan Claude. Pakaian anak laki-laki menampilkan tiga tartan yang berbeda—tartan keluarga atau klan tidak akan menjadi umum selama 50 tahun atau lebih.

David Hume (1766)

David Hume (1766)

Lahir di Edinburgh, pelukis potret Allan Ramsay belajar di London di bawah bimbingan pelukis Swedia Hans Hysing dan di St. Martin’s Lane Academy. Dia menghabiskan tiga tahun di Italia, di mana dia bekerja di bawah Francesco Solimena dan Francesco Imperiali. Dia menarik perhatian dengan potret penuh adipati Argyll dan banyak potret dada pria dan wanita Skotlandia sebelum dia akhirnya menetap di London. Sikapnya yang menyenangkan dan keahliannya dalam menggambarkan keanggunan dan individualitas membuatnya mendapatkan banyak komisi, dan membantunya mencapai status sebagai pelukis istana Raja George III. Rekan Ramsay dari Skotlandia yang terwakili dalam potret ini adalah filsuf, ekonom, dan sejarawan David Hume, yang dianggap sebagai salah satu tokoh terpenting filsafat Barat.

Bagian dari Pencerahan Skotlandia, dan sangat dipengaruhi oleh empiris John Locke dan George Berkeley, bersama dengan Isaac Newton, filosofi Hume didasarkan pada skeptisisme, mengklaim bahwa semua pengetahuan manusia datang kepada kita melalui indera kita. Hume membahas masalah sebab-akibat dalam karyanya Treatise on Human Nature and Inquiry Concerning Human Understanding dengan menyatakan bahwa meskipun kita melihat satu peristiwa mengikuti yang lain, kami tidak melihat adanya hubungan yang diperlukan antara peristiwa. David Humemenggambarkan seorang pria bertubuh tinggi dan canggih yang menatap ke depan dengan keterusterangan yang luar biasa. Fitur wajah Hume dan detail gaunnya menunjukkan keahlian menggambar Ramsey yang luar biasa dan penggunaan cahaya yang konservatif.

John Campbell, Adipati Argyll ke-4 (1767)

Potret ini ditugaskan dan diproduksi saat Thomas Gainsborough masih berbasis di Bath, sebelum pindah ke London. Namun demikian, ia menarik berbagai klien yang semakin bergengsi. Untuk sebagian besar karirnya, Gainsborough mempertahankan persaingan sengit dengan Sir Joshua Reynolds . Kedua seniman memiliki pendekatan yang sangat berbeda. Reynolds, dengan latar belakang akademisnya, akan menangani pengasuh semacam ini dengan melukisnya dengan cara yang megah. Posenya akan menggemakan patung klasik atau lukisan karya seorang Guru Tua, sementara monumen di latar belakang akan menampilkan ukiran dengan beberapa kiasan mitologis atau alegoris.

Gainsborough membenci keangkuhan semacam ini. Pelatihannya sendiri termasuk tugas dengan Hubert Gravelot, seorang ilustrator dan pengukir populer, dan ini telah memengaruhi pendekatannya sendiri, yang lebih ringan, lebih langsung, dan tidak terlalu artifisial daripada potret mana pun oleh Reynolds. Di sini, pose John Campbell sepenuhnya alami dan monumen, meskipun cukup mengesankan untuk mengisyaratkan latar belakang militer, pada dasarnya tidak lebih dari sebuah penyangga. Gainsborough hanya mengandalkan seragam pria dan simbol kantornya untuk menyampaikan pangkatnya yang tinggi. Duke membawa staf upacara yang menandakan jabatannya sebagai Penguasa Keturunan Rumah Tangga Kerajaan. Dia juga anggota Ordo Thistle, dan dia dengan bangga memamerkan lencananya di dadanya. Dia adalah seorang prajurit terkemuka dan pernah menjabat sebagai Kolonel Dragoons Inggris Utara.

Robert Burns (1787)

Alexander Nasmyth telah dijuluki sebagai “bapak lukisan pemandangan Skotlandia”, tetapi tidak ada karya lain yang ia lukis seterkenal potret penyair paling terkenal di Skotlandia ini . Itu ditugaskan oleh penerbit Edinburgh William Creech untuk menghiasi edisi baru Robert Burnspuisi pada tahun 1787, tetapi Burns dan Nasmyth sudah berteman baik sebelum duduk. Potret setengah panjang yang dibingkai oval, gambar itu menunjukkan Burns percaya diri dan berpakaian bagus, sedikit geli di sekitar mata dan bibirnya.

Latar belakang lanskap, sugestif dari Ayrshire asli Burns, memberikan nada melankolis. Ini adalah potret Romantis, mengidentifikasi penyair dengan alam dan keinginan diri, tetapi ditempa oleh rasa rasionalisme Pencerahan. Gambar itu dibiarkan sebagian belum selesai karena Nasmyth berhenti melukis begitu dia puas dengan apa yang telah dia capai. (Hibah Registrasi)

Sir Walter Scott (1822)

Sebagian besar otodidak, pelukis Skotlandia Sir Henry Raeburn awalnya magang ke tukang emas; pernikahannya dengan seorang janda kaya pada tahun 1780 memungkinkan dia untuk mengejar karirnya sebagai seniman. Pada akhir 1780-an, ia dianggap sebagai pelukis potret terkemuka di negara itu, dan ia bertanggung jawab untuk melukis beberapa tokoh Skotlandia paling berpengaruh pada masa itu. Pada tahun 1819 Raeburn ditugaskan untuk melukis penulis dan pahlawan nasional Sir Walter Scott. Scott awalnya menunjukkan keengganan. Dia telah duduk untuk artis pada tahun 1808, dan, meskipun pujian kritis meluas untuk lukisan awal ini dan dampaknya pada jalannya potret Romantis, Scott dilaporkan tidak senang dengan penampilan yang sangat serius yang diberikan kepadanya.

Raeburn mulai mengerjakan potret baru Scott pada awal 1820-an. Bekerja dalam warna kontras gelap dan dengan sapuan kuasnya yang berani, Raeburn menggambarkan seorang pria di puncak karir dan pengaruhnya. Beberapa hari setelah selesainya lukisan ini, Raeburn sudah mati. Potretnya tentang Scott akan menjadi salah satu karyanya yang terakhir, dan juga salah satu karya terbesarnya. Dengan memilih untuk tetap tinggal di tanah kelahirannya, Raeburn mengorbankan sebagian dari kesempatan yang tersedia bagi banyak seniman potret London. Namun keputusannya memungkinkan dia untuk mengembangkan gaya yang lebih individual dan mempelopori Sekolah Skotlandia yang berkembang pada periode itu. Terpilih sebagai presiden Masyarakat Seniman Edinburgh pada tahun 1814, pengaruhnya yang signifikan selanjutnya diakui dalam gelar ksatria, yang diberikan oleh Raja George IV setahun sebelum kematian seniman tersebut.

Baca Juga : Makna Dibalik Beberapa Lukisan Terkenal

Sir James Matthew Barrie (1904)

Sir William Nicholson bekerja dalam desain potret dan teater pada awal abad ke-20. Pada tahun 1904 ia merancang set dan kostum untuk produksi tahap pertama dari JM Barrie ‘s Peter Pan di London. Saat itulah Barrie setuju, dengan sedikit keengganan, untuk duduk untuk potretnya. Ini adalah presentasi yang luar biasa suram dari seorang penulis yang saat itu berada di puncak kesuksesan. Barrie berdiri hampir di profil, tangan di saku. Ciri-cirinya pucat, meskipun ada ketajaman tentang mata. Sebagian besar kanvas diisi dengan kekosongan, sosok itu menyusut dan terisolasi oleh sekitarnya. Tidak ada satu detail atau percikan kecerahan yang mengurangi apa yang digambarkan oleh humoris Sir Max Beerbohm sebagai “gairah untuk nada rendah” Nicholson. Potret itu bisa dibaca sebagai ekspresi kesepian batin Barrie, atau mungkin cerminan komitmen Nicholson untuk menghindari kepentingan diri sendiri.

Three Oncologists (2002)

seniman Inggris Ken Currieadalah gambar yang tak terhapuskan yang mengartikulasikan ketakutan yang dirasakan orang ketika merenungkan kenyataan dan mitos kanker. Dalam lukisan ini, Currie—seorang seniman yang karyanya sering mengeksplorasi konsekuensi emosional penyakit dan gagasan penyakit sebagai metafora untuk keadaan sosial, politik, dan pribadi—mewakili tekanan hampir spiritual yang ditempatkan pada ahli onkologi sebagai pemberi penyembuhan diduga dalam menghadapi penyakit. Tiga pria yang digambarkan dalam lukisan ini adalah profesor di Departemen Bedah dan Onkologi Molekuler di Rumah Sakit dan Sekolah Kedokteran Ninewells di Dundee, Skotlandia.

Sir Alfred Cuschieri, Kepala Departemen dan Profesor Bedah, terletak di tengah dengan Sir David Lane, Profesor Onkologi Molekuler, di sebelah kanannya dan ahli bedah Profesor RJ Steele di sebelah kirinya. Melalui penggunaan catnya yang bercahaya—orang-orang yang dikelilingi oleh kegelapan yang tak menyenangkan dan berpose seolah-olah terganggu di tengah operasi—Currie menampilkan sosok-sosok itu sebagai sosok-sosok spektral yang melayang di atas pembagian antara hidup dan mati.

7 Lukisan Paling Berharga di Polandia dan di Mana Menemukannya

7-lukisan-paling-berharga-di-polandia-dan-di-mana-menemukannya

7 Lukisan Paling Berharga di Polandia dan di Mana Menemukannya – Leonardo da Vinci, Rembrandt, Monet, El Greco adalah nama-nama yang tidak perlu diperkenalkan lagi saat kami menulis artikel tentang karya seni terkenal di museum Polandia.

7 Lukisan Paling Berharga di Polandia dan di Mana Menemukannya

7-lukisan-paling-berharga-di-polandia-dan-di-mana-menemukannya

 Baca Juga : 5 Lukisan Kepala Medusa Paling Terkenal Dalam Sejarah Seni 

mybabyjo – Namun, penulis Polandia seperti Matejko, Chełmoński atau Gierymski mungkin mengejutkan pengunjung asing kami. Luangkan waktu denganITS-Polandia DMC untuk menemukan 7 lukisan paling berharga dalam koleksi seni Polandia.

Lady with an Ermine

Lady with an Ermine oleh Leonardo da Vinci (Polandia: Dama z Gronostajem) mungkin adalah lukisan paling terkenal di Polandia dan jelas merupakan simbol artistik utama Krakow. Tanggal c. 1489–1491 karya ini dicat dengan minyak pada panel kenari. Subjek potret adalah Cecilia Gallerani , dilukis pada saat dia adalah nyonya Ludovico Sforza, Duke of Milan, dan Leonardo dalam pelayanan Duke. Ini adalah salah satu dari hanya empat potret wanita yang dilukis oleh Leonardo, yang lainnya adalah Ginevra de ‘Benci, La Belle Ferronnière dan Mona Lisa. Pangeran Czartoryski Koleksi termasuk lukisan ini, dijual seharga € 100 juta pada 29 th Desember 2016 pemerintah Polandia. Sekarang ditampilkan di yang baru saja direnovasiMuseum Czartoryski di Kraków , dan merupakan salah satu harta nasional Polandia.

Landscape with the Good Samaritan

Lukisan karya Rembrandt van Rijn ini adalah lukisan cat minyak pada panel kayu ek tahun 1638. Ini adalah salah satu dari hanya enam lanskap minyak oleh seniman dan dengan The Girl in a Picture Frame dan The Scholar at the Lectern, itu juga salah satu dari hanya tiga lukisan Rembrandt dalam koleksi Polandia. Ini menunjukkan perumpamaan Orang Samaria yang Baik Hati dari Injil Lukas. Sekarang dipajang di Museum Czartoryski yang baru saja direnovasi di Kraków , dan merupakan salah satu harta nasional Polandia.

Beach in Pourville

Lukisan (judul dalam bahasa Prancis: La plage Pourville, soleil couchant) adalah lukisan karya seniman Prancis Claude Monet. Ini adalah satu-satunya kanvas karya Claude Monet dalam koleksi Polandia, dilukis pada tahun 1882, menggambarkan visi impresionis dari sebuah pantai di Pourville (bagian dari Hautot-sur-Mer), di utara Prancis, di Normandia Atas. Lukisan itu dipajang di Museum Nasional di Pozna . Nilai kanvas, menurut berbagai sumber, diperkirakan mencapai $ 1-7 juta.

Saint Francis Receiving Stigmas

Ekstasi Santo Fransiskus adalah judul museum lukisan cat minyak yang menggambarkan Santo. Fransiskus dari Assisi, yang secara resmi diakui sebagai pengarang pelukis Spanyol asal Yunani Dominicos Theotokopulos, yang dikenal sebagai El Greco, berdasarkan pendapat komisi Kementerian Kebudayaan dan Seni pada tahun 1974. Seni kesalehan El Greco dimaksudkan untuk mengangkat jiwa. Sama halnya dengan Ekstasi Santo Fransiskus. Penggambaran orang suci yang menerima stigma diresapi dengan mistisisme gembira. Karya tersebut, yang secara tidak sengaja ditemukan pada tahun 1964, berada dalam koleksi Museum Keuskupan di Siedlce , dan hanya dipamerkan kepada publik empat puluh tahun setelah penemuannya.

The Girl in a Picture Frame

Ini adalah lukisan minyak pada panel tahun 1641 oleh seniman Belanda Rembrandt. Ia juga dikenal sebagai The Jewish Bride dan The Girl in a Hat. Dengan The Scholar at the Lectern and Landscape with the Good Samaritan, ini adalah salah satu dari tiga lukisan Rembrandt dalam koleksi Polandia. Pengasuh dibingkai oleh bingkai foto pura-pura yang hanya bagian bawah dan kanan yang terlihat. Dia mengenakan gaun beludru merah tua, topi hitam dan anting mutiara berbentuk buah pir. Saat ini terletak di Royal Castle di Warsawa .

Battle of Grunwald

Pertempuran Grunwald adalah lukisan karya pelukis sejarah terkenal Polandia Jan Matejko . Ini menggambarkan Pertempuran Grunwald dan kemenangan Mahkota sekutu Kerajaan Polandia dan Kadipaten Agung Lithuania atas Ordo Teutonik pada tahun 1410. Kanvas tersebut berasal dari tahun 1878 dan merupakan salah satu representasi paling heroik dari sejarah Polandia dan Lituania . Lukisan epik ini sangat besar karena memiliki luas 42,7 meter persegi dan berat 290 kilogram. Hal ini ditampilkan di Museum Nasional di Warsawa .

STAŃCZYK

Stańczyk (Jester) saat pesta dansa di istana Ratu Bona dalam menghadapi hilangnya Smolensk) adalah lukisan karya Jan Matejko yang selesai pada tahun 1862. Lukisan ini diakuisisi oleh Museum Nasional Warsawa pada tahun 1924. Ini adalah salah satu lukisan Matejko yang paling karya-karya terkenal dan yang membuatnya terkenal. Ini telah digambarkan sebagai salah satu lukisan yang paling dikenal di Museum Nasional Warsawa , dan merupakan lukisan unggulan untuk “Koleksi lukisan Polandia sebelum 1914”. Komponen utamanya adalah kontras antara badut khusyuk dan bola hidup yang terjadi di latar belakang. Lukisan itu telah menciptakan citra Stańczyk yang telah menjadi ikon dan dikenal luas di Polandia.

5 Lukisan Kepala Medusa Paling Terkenal Dalam Sejarah Seni

5 Lukisan Kepala Medusa Paling Terkenal Dalam Sejarah Seni

5 Lukisan Kepala Medusa Paling Terkenal Dalam Sejarah Seni – Medusa adalah salah satu makhluk paling jelek yang diciptakan oleh mitologi Yunani. Namanya dalam bahasa Yunani Kuno berarti “penjaga, pelindung”. Dia adalah monster, Gorgon, umumnya digambarkan sebagai manusia wanita bersayap dengan ular berbisa hidup menggantikan rambut. Kekuatan supernya sederhana – tatapan di wajahnya akan berubah menjadi batu.

5 Lukisan Kepala Medusa Paling Terkenal Dalam Sejarah Seni

5 Lukisan Kepala Medusa Paling Terkenal Dalam Sejarah Seni

 Baca Juga : 10 Lukisan Selandia Baru yang Terkenal Besereta Maknanya

mybabyjo – Kepala Medusa. Paruh kedua abad kedua, Tepidarium rumah Dar Zmela, Museum Arkeologi Sousse Dalam versi akhir mitos Medusa, yang diceritakan oleh penyair Romawi Ovid, Medusa pada awalnya adalah seorang gadis cantik yang menggairahkan, “aspirasi cemburu banyak pelamar , ” tetapi karena Poseidon telah memperkosanya di kuil Athena, Athena yang marah mengubah rambut indah Medusa menjadi ular dan membuat wajahnya begitu mengerikan untuk dilihat sehingga hanya dengan melihatnya akan membuat orang yang melihatnya menjadi batu. Dalam cerita Ovid, Perseus menggambarkan hukuman Medusa oleh Minerva (Athena) sebagai hukuman yang adil dan layak.

Perseus dengan kepala Medusa oleh Benvenuto Cellini, Piazza della Signoria, 1545-1554, Florence; Sumber: eventsromagna.com[/caption] Dalam sebagian besar versi cerita, dia dipenggal oleh pahlawan Perseus, yang dikirim untuk mengambil kepalanya oleh Raja Polydectes dari Seriphus karena Polydectes ingin menikahi ibunya. Para dewa sangat menyadari hal ini, dan Perseus menerima bantuan.

Dia menerima perisai cermin dari Athena, emas, sandal bersayap dari Hermes, pedang dari Hephaestus dan helm tembus pandang Hades. Karena Medusa adalah satu-satunya dari tiga Gorgon yang fana, Perseus mampu membunuhnya sambil melihat pantulan dari perisai cermin yang dia terima dari Athena. Selama waktu itu, Medusa hamil oleh Poseidon. Ketika Perseus memenggal kepalanya, Pegasus, seekor kuda bersayap, dan Chrysaor, seorang raksasa yang memegang pedang emas, muncul dari tubuhnya. Juga dalam seni yang lebih modern, subjek kepala Medusa menjadi cukup populer. Berikut adalah 5 lukisan kepala Medusa yang paling terkenal.

Caravaggio, Medusa

Medusa-Murtola, 1596, koleksi pribadi Caravaggio melukis dua versi Medusa, yang pertama pada tahun 1596 dan yang lainnya sekitar tahun 1597. Tentang versi pertama penyair abad ke-17 Gaspare Murtola : Lari , karena jika matamu membatu dalam keheranan, dia akan mengubahmu menjadi batu . Karya ini dimiliki secara pribadi, ditandatangani dan sekarang dikenal sebagai Murtola . Versi kedua, yang ditampilkan di sini, sedikit lebih besar (60×55 cm) dan tidak ditandatangani meskipun sering kali bertanggal 1597.

Peter Paul Rubens, Kepala Medusa

Peter Paul Rubens, Kepala Medusa, sekitar tahun 1617-1618, Museum Kunsthistorisches Orang-orang sezaman Rubens melihat di Medusalebih dari makhluk mengerikan. Itu ditafsirkan baik sebagai kemenangan alasan tabah atas musuh kebajikan, dan sebagai kemungkinan mengendalikan nafsu dan menjalankan keseimbangan tabah melalui realisme yang keras kepala. Ular-ular itu kemungkinan dieksekusi oleh seorang spesialis, Frans Snyders, tetapi idenya adalah Rubens. Sementara sikap dari dua hewan yang terjalin di sebelah kanan kemungkinan diambil dari lambang kontemporer, rendering mereka secara zoologis akurat didasarkan pada studi dekat Rubens sendiri tentang alam. Untuk beberapa contoh, seperti ular berliku di latar depan kanan, Rubens mungkin juga menggunakan gips yang terbuat dari alam, yang sangat populer di Italia utara.

Arnold Böcklin, Medusa

Arnold Böcklin, Medusa, sekitar tahun 1878, Germanisches Nationalmuseum Sulit untuk mengatakan hal lain tentang lukisan ini selain yang Anda lihat. Jadi mungkin ini saat yang tepat untuk mengatakan apa yang dipikirkan Sigmund Freud dalam “Das Medusenhaupt (Kepala Medusa)” tentang Medusa. Dalam interpretasi Freud:

Dalam perspektif ini, Medusa yang ‘sangat cantik’ adalah ibu yang dikenang dalam kepolosan; sebelum kebenaran mistis tentang pengebirian muncul pada subjek. Medusa klasik, sebaliknya, adalah gejala Oedipal/libidin. Melihat ibu yang terlarang membuat subjek menjadi kaku dalam keinginan terlarang dan membekukannya dalam ketakutan akan pembalasan Ayah. Aku tahu, ini rumit.

Pelukis Tidak Dikenal, Medusa

Pelukis tak dikenal abad ke-16, Kepala Medusa, Galeri Uffizi[/caption] Pada tahun 1782, penulis biografi Leonardo Luigi Lanzi menemukan penggambaran kepala Medusa yang dia keliru dikaitkan dengan Leonardo, berdasarkan deskripsi lukisan Leonardo yang dilakukan oleh Giorgio Vasari. Pada abad ke-20, Bernard Berenson dan kritikus terkemuka lainnya menentang kepenulisan lukisan Uffizi oleh Leonardo. Sekarang diyakini sebagai karya seorang pelukis Flemish anonim, ca aktif. 1600.

10 Lukisan Selandia Baru yang Terkenal Besereta Maknanya

10-lukisan-selandia-baru-yang-terkenal-besereta-maknanya

10 Lukisan Selandia Baru yang Terkenal Besereta Maknanya – Meskipun kami jarang merayakannya, Selandia Baru memiliki sejarah seni yang kaya. Itu salah satu yang memiliki dampak budaya, politik, dan telah berhasil mengubah lanskap seni itu sendiri di seluruh dunia.

10 Lukisan Selandia Baru yang Terkenal Besereta Maknanya

10-lukisan-selandia-baru-yang-terkenal-besereta-maknanya

 Baca Juga : 7 Lukisan Cina Paling Terkenal 

mybabyjo – Nama-nama seniman seperti Hammond dan McCahon mungkin menarik perhatian, tapi bagaimana dengan karya seni itu sendiri? Dalam artikel ini, saya akan melihat 10 lukisan Selandia Baru yang paling terkenal, apa makna di baliknya, dan makna yang dimilikinya.

1. Fall of Icarus by Bill Hammond

Lukisan ini adalah perayaan warna dan cat. Ini menggambarkan burung yang menonton dari tempat tinggi dalam beberapa warna dengan latar belakang streaming. Burung-burung yang bertengger tinggi mungkin mewakili pandangan yang dimiliki burung tentang dunia. Bill Hammond meminjam dari mitos dan legenda Maori dalam karya seninya, dan ini tidak berbeda. Burung-burung itu terlihat seperti karakter dari cerita rakyat Maori dan mungkin mewakili fakta bahwa modernitas telah merampas keindahan dan nilai-nilai banyak budaya. Bill Hammond lahir di Selandia Baru dan merupakan pembuat mainan yang mendapatkan kesenangan besar dari melukis.

2. Figure in LandScape by John Badcock

Figure in Landscape adalah lukisan cat minyak di papan yang menangkap siluet manusia dalam berbagai warna. Lukisan itu mencakup berbagai tekstur yang memberikan tampilan pahatan. Ini menantang setiap orang untuk mempertanyakan siapa mereka dan tempat mereka di dunia. Penting untuk dicatat bahwa artis mewarnai subjek dengan nada yang mirip dengan latar belakang seolah-olah mereka akan menghilang di dalamnya. Fakta bahwa orang itu tidak berwajah membuat Anda memikirkan identitas Anda di dunia yang hanya berusaha mengasimilasi Anda dan membuat Anda menghilang. John Baddock berasal dari keluarga yang sangat artistik dan menggunakan cat untuk menciptakan tekstur yang luar biasa.

3. The Fools End by Kushana Bush

The Fools’ End sangat menggugah pikiran sekaligus mengejutkan. Kushana menggunakan berbagai warna dan simbol untuk menciptakan karakter semak yang dinamis dan longgar. Penggunaannya terhadap figur-figur sederhana dalam gerakan memunculkan pesan yang kompleks. Dia menggunakan garis bergaya dan layering grafis untuk membuat lukisan yang mirip dengan pelukis Skotlandia yang terkenal. Karya-karyanya nyaring, berusaha untuk didengar seperti subjek yang tampaknya siap terbang dari kanvas. Ini adalah lukisan terakhir dalam seri Song of Silence dan telah mendapatkan banyak pengikut di Selandia Baru dan Skotlandia.

4. Must We Feel Pain by Jason Grieg

Jason Grieg menggunakan motif gothic dalam cetakannya. Mereka gelap dan membangkitkan perasaan gelap rasa sakit dan kematian. Must We Feel Pain menggambarkan seorang wanita yang melihat ke atas, mungkin mencoba melepaskan diri dari rasa sakitnya? Itu adalah sesuatu yang kebanyakan orang dapat mengidentifikasi, setelah menghadapi masa-masa yang sangat menantang. Wanita dalam cetakan ini terlihat terjebak sendirian, di mana tidak ada yang bisa menyentuh atau mengubah nasibnya. Anda akan melihat kurangnya cahaya dalam cetakan ini dan kesedihan di wajah subjek. Sebagian besar lukisan Grieg berwarna gelap dan hitam putih dengan sedikit warna cerah.

5. The End by John Walsh

Bagian akhir menggambarkan subjek perempuan di tepi air terjun. Bisa jadi dia sedang berpikir untuk bunuh diri atau telah menempuh perjalanan jauh dan berhenti di mana jalan itu berakhir. Lukisan itu membangkitkan perasaan kesepian dan kesedihan karena wanita itu sendirian di ujung dunia. Tidak ada apa-apa selain kegelapan di sekelilingnya dan kegelapan di jurang bawah. John Walsh menggunakan gelap dan terang dalam ukuran yang sama dalam lukisan ini untuk memberikan nuansa dunia lain. Penting untuk dicatat bahwa karya ini dan begitu banyak karya Walsh mengungkapkan bagaimana rasanya menjadi manusia. John Walsh adalah seniman Selandia Baru yang mapan dengan akar Maori yang dalam.

6. Cass by Rita Angus

Cass adalah lukisan paling terkenal di Selandia Baru pada tahun 2006, dan sangat indah. Ini fitur stasiun kereta api tua di pegunungan dengan sosok soliter duduk di luar. Sangat indah, dan pilihan warna tanah membuat cetakannya sangat berkesan. Sepertinya sesuatu dari buku cerita yang ingin Anda lihat suatu hari nanti. Pilihan warna dan garis sederhananya membuat subjeknya lebih nyata dan hidup.

7. All ‘e Same t’e Pakeha Oleh Charles Goldie

Charles Goldie melukis Potret Te Aho o te Rangi Wharepu ini ketika prajurit Waikato berusia 90 tahun. Prajurit tua itu penuh dengan kehidupan. Dia menangkap tanda di wajahnya dengan indah dan entah bagaimana menunjukkan siapa prajurit tua itu. Pilihan warnanya luar biasa dan memberi Anda perasaan bahwa Te Aho o te Rangi Wharepu masih hidup dalam potretnya. Lukisan ini disebut sebagai “Lelucon yang bagus.”

8. Mother and Child By Frances Hodgkins

Lukisan ini adalah cat air di atas kertas yang dibuat pada tahun 1906. Lukisan ini menggambarkan seorang ibu dan anaknya. Sang ibu memandang ke kejauhan, mungkin mengawasi masalah saat bayinya tidur. Pelukis menggunakan warna-warna gelap dan membangkitkan emosi cinta dan perawatan ibu.

9. Cook House by Grahame Sydney

Lukisan ini digambarkan tak lekang oleh waktu dan menggambarkan sebuah rumah mungil di pegunungan dengan cerobong asap. Ini berbicara tentang kesepian tetapi juga perapian dan rumah. Ini beresonansi dengan semua orang apakah Anda dibesarkan di pegunungan atau di kota besar. Pekerjaannya sederhana dan menggunakan warna untuk membuat rumah juru masak tampak ramah.

10. Hongi By Robyn Kahukiwa

Hongi adalah cara Maori menyapa di mana dua orang menyentuh dahi. Ini adalah lukisan dua orang Maori yang saling menyapa. Salah satunya adalah perempuan, dan yang lainnya adalah laki-laki, dan itu memberi kesan romansa pemula. Kahukiwa sangat minimalis dan menggunakan garis-garis sederhana untuk menciptakan karya-karyanya yang sangat emosional. Dia murah hati dalam menggunakan warna, dan lukisan ini sangat menarik.

Ini adalah beberapa lukisan terbaik dari seniman Selandia Baru. Para seniman menggunakan gaya yang berbeda untuk menciptakan karya yang membangkitkan emosi dan mengirimkan pesan yang sangat menyentuh. Mereka mengungkapkan perasaan mereka tentang situasi manusia dan juga perasaan pribadi mereka pada budaya dan dunia.

7 Lukisan Cina Paling Terkenal

7-lukisan-cina-paling-terkenal

7 Lukisan Cina Paling Terkenal – Dengan ribuan tahun sejarah yang berkelanjutan, Cina adalah salah satu peradaban tertua di dunia. Ini juga merupakan salah satu negara yang paling unik secara budaya. Selama berabad-abad, seniman Tiongkok menggambarkan pemandangan alam, hewan, dan keindahan dengan detail yang cermat.

7 Lukisan Cina Paling Terkenal

7-lukisan-cina-paling-terkenal

 Baca Juga : 7 Karya Seni Terbaik untuk Diburu di Paris

mybabyjo – Alih-alih menggunakan kanvas datar, mereka kebanyakan membuat lukisan di gulungan tangan. Beberapa lukisan ini sekarang berada di hati lebih dari satu miliar orang. Jelajahi 7 lukisan Cina paling terkenal selama sekitar 1400 tahun. Dan, mungkin, beberapa gulungan tangan ini juga bisa memenangkan hati Anda. Pertama, mari selami Sungai Luo dan temukan nimfa.

1. Nimfa Sungai Luo – Gu Kaizhi

Legenda mengatakan bahwa Cao Zhi (192–232), seorang pangeran dari negara bagian Cao Wei, jatuh cinta dengan putri hakim. Namun, dia menikahi saudaranya, Cao Pi, dan pangeran menjadi sedih. Kemudian, ia menyusun puisi emosional tentang cinta antara dewi dan manusia. Pada abad ke-4, Gu Kaizhi (ca. 344 – ca. 406), seorang seniman Tiongkok, tergerak oleh cerita dan mengilustrasikan puisi tersebut.

Sayangnya, lukisan ke-4 yang asli hilang. Namun, seniman membuat beberapa salinan Nymph dari Sungai Luo , mungkin selama dinasti Song (960-1279). Lukisan itu berbentuk gulungan panjang, yang menggambarkan plot dalam beberapa bagian. Oleh karena itu, seperti semua gulungan tangan Cina, untuk memahami artinya, yang terbaik adalah melihatnya dari kanan ke kiri. Mari kita buka gulungannya dan cari tahu tentang kisah indah ini.

Pada awalnya, Cao Zhi bepergian dengan sekelompok pelayan dan harus menyeberangi Sungai Luo. Di sini, Gu Kaizhi memberikan permainan penuh pada imajinasi artistiknya. Melalui komposisi cerdas dan penerapan warna-warna cerah, ia menggambarkan pertemuan antara Cao Zhi dan nimfa, Fu Fei. Dia mengalir ringan dan berhenti ketika dia ingin pergi. Kemudian, sang pangeran mengetahui bahwa Fu Fei adalah seorang bidadari. Terpesona oleh pesonanya, Cao jatuh cinta pada Fu Fei. Dalam puisi itu, dia memuji kecantikan bidadari.

Jika Anda ingin memberi tahu seseorang betapa cantiknya mereka, Anda dapat menggunakan puisi ini sebagai sumber inspirasi. Adapun bidadari, dia bermartabat, terkadang dia mengembara di air, terkadang dia terbang di awan. Fu Fei bernyanyi dan menari di udara, dia dan Cao Zhi saling bertemu. Sayangnya, jalan para dewa dan manusia berbeda. Cinta antara penyair fana dan bidadari tidak bertahan lama. Jadi, ditemani oleh ikan terbang dan naga laut dengan tanduk panjang, Fu Fei mengucapkan selamat tinggal pada Cao, lalu menghilang. Cao sia-sia mencari nimfa. Karena merindukannya, dia menghabiskan malam tanpa tidur.

Puisi Cao Zhi jelas merupakan kisah cinta. Namun, itu juga dapat ditafsirkan sebagai alegori atas usahanya yang gagal untuk mendapatkan posisi untuk melayani rezim. Namun, puisi itu berbicara tentang sifat cinta dan mencerminkan singkatnya kehidupan di masa perang yang sering terjadi.

Hewan Mitos di Sungai Luo

Dalam banyak lukisan tradisional Tiongkok , alam digambarkan secara mencolok. Namun, karena gulungan tangan ini menceritakan kisah, lanskap berfungsi sebagai panggung belaka untuk berbagai adegan. Di sini, manusia dan hewan tampak lebih besar daripada pohon, awan, dan gunung yang disederhanakan. Apalagi burung dan naga yang menghuni lukisan itu membuat suasana seperti mimpi. Monster berkepala naga dan mengenakan celana pantalon putih yang terlihat menawan tampaknya setuju.

Selanjutnya, Gu Kaizhi menggambarkan air sebagai halus, beriak, atau berputar-putar. Representasi yang berbeda ini mencerminkan melankolis, kegembiraan, atau kejutan. Meskipun monster berlari di sungai, sepertinya mereka melayang di udara. Pendekatan ini meningkatkan suasana lukisan dan membuatnya menarik dan mudah diingat. Sekarang kita bisa melihat mengapa Nymph dari Sungai Luo adalah sebuah mahakarya dan lukisan yang terkenal.

2. Kaisar Taizong Menerima Utusan Tibet – Yan Liben

Pada abad ketujuh, Tibet mengagumi dinasti Tang di Cina. Pada tahun 634, dalam kunjungan kenegaraan resmi ke Tiongkok, Raja Tibet Songtsen Gampo (569 – ca. 649) jatuh cinta dan mengejar tangan Putri Wencheng. Dia mengirim utusan dan upeti ke Cina tetapi ditolak. Akibatnya, tentara Gampo berbaris ke Cina, membakar kota-kota sampai mereka mencapai Luoyang, di mana Tentara Tang mengalahkan orang-orang Tibet.

Namun demikian, Kaisar Taizong (598–649) akhirnya mengawinkan Putri Gampo Wencheng. Yan Liben (ca. 600–673), seorang seniman Tiongkok, menunjukkan pertemuan antara dinasti Tang dan Tibet dalam lukisannya Kaisar Taizong Menerima Utusan Tibet . Seperti lukisan Tiongkok awal lainnya, gulungan ini mungkin merupakan salinan dinasti Song (960-1279) dari aslinya. Kita bisa melihat kaisar dalam pakaian kasualnya duduk di sedannya.

Di sebelah kiri, satu orang berbaju merah adalah pejabat di istana. Utusan Tibet yang ketakutan berdiri di tengah dan membuat kaisar kagum. Orang yang paling kiri adalah seorang juru bahasa. Kaisar Taizong dan menteri Tibet mewakili dua pihak. Oleh karena itu, sikap dan penampilan fisik mereka yang berbeda memperkuat dualisme komposisi. Perbedaan ini menekankan superioritas politik Taizong.

Yan Liben menggunakan warna-warna cerah untuk menggambarkan pemandangan. Selain itu, ia dengan terampil menguraikan karakter, membuat ekspresi mereka seperti hidup. Dia juga menggambarkan kaisar dan pejabat Cina lebih besar dari yang lain untuk menekankan status karakter ini. Oleh karena itu, gulungan tangan yang terkenal ini tidak hanya memiliki makna sejarah tetapi juga menunjukkan pencapaian artistik.

Raja Tibet Songtsen Gampo dengan Istrinya

Pada tahun 641, Perdana Menteri Tibet datang ke Chang’an untuk menemani sang putri kembali ke Tibet. Sang putri membawa janji-janji perjanjian perdagangan, peta Jalur Sutra, dan mahar yang tidak hanya berisi emas tetapi juga perabotan halus, sutra, dan porselen. Secara keseluruhan, Raja Tibet Songtsen Gampo memiliki enam permaisuri, empat di antaranya asli, dan dua orang asing. Dia dianggap sebagai orang pertama yang membawa agama Buddha kepada orang-orang Tibet.

3. Wanita Pengadilan Menghiasi Rambut Mereka dengan Bunga – Zhou Fang

Selama dinasti Tang (618–907), Tiongkok memiliki ekonomi yang makmur dan budaya yang berkembang. Pada periode ini, genre “lukisan wanita cantik” menikmati popularitas. Berasal dari latar belakang bangsawan, Zhou Fang (ca. 730–800), seorang seniman Tiongkok, menciptakan karya seni dalam genre ini. Lukisannya Court Ladies Menghiasi Rambut Mereka dengan Bunga menggambarkan cita-cita kecantikan feminin dan kebiasaan saat itu.

Fashion Wanita Cina

Dalam dinasti Tang (618–907), tubuh yang menggairahkan melambangkan cita-cita kecantikan feminin. Oleh karena itu, Zhou Fang menggambarkan wanita istana Tiongkok dengan wajah bulat dan sosok montok. Para wanita mengenakan gaun panjang longgar yang ditutupi oleh kain kasa transparan. Gaun mereka dihiasi dengan motif bunga atau geometris. Para wanita berdiri seolah-olah mereka adalah model fesyen, tetapi salah satunya menghibur dirinya sendiri dengan menggoda seekor anjing lucu.Alis mereka terlihat seperti sayap kupu-kupu. Mereka memiliki mata yang ramping, hidung penuh, dan mulut kecil. Gaya rambut mereka ditata dalam sanggul tinggi yang dihiasi bunga-bunga, seperti peony atau teratai. Para wanita juga memiliki kulit yang cerah karena aplikasi pigmen putih pada kulit mereka. Meskipun Zhou Fang menggambarkan wanita sebagai karya seni, kepalsuan ini hanya meningkatkan sensualitas wanita.

Memegang kipas bergagang panjang, pelayan itu mengikuti wanita istana lainnya. Meskipun pelayan wanita berdiri di depan, wanita itu tampak lebih besar karena statusnya yang lebih tinggi. Dia menatap bunga merah yang dia pegang di tangannya, siap menghiasi rambutnya dengan itu. Bangau yang indah dengan sungguh-sungguh lewat di dekatnya.

Dengan menempatkan figur manusia dan gambar non-manusia, seniman membuat analogi di antara mereka. Gambar non-manusia meningkatkan kelezatan para wanita yang juga merupakan perlengkapan taman kekaisaran. Mereka dan para wanita saling menemani dan berbagi kesepian satu sama lain.

4. Lima Sapi – Han Huang

Han Huang (723–787), seorang kanselir dinasti Tang (618–907), melukis Lima Lembunya dalam berbagai bentuk dari kanan ke kiri. Mereka berdiri dalam antrean, tampak bahagia atau tertekan. Kita dapat memperlakukan setiap gambar sebagai lukisan independen. Namun, lembu membentuk satu kesatuan yang utuh. Han Huang dengan cermat mengamati detailnya. Misalnya, tanduk, mata, dan ekspresi menunjukkan ciri-ciri yang berbeda dari lembu. Mereka semua adalah karakter yang menarik, seperti lima bersaudara. Tapi lembu mana yang akan Anda pilih?

Adapun Han Huang, kita tidak tahu lembu mana yang akan dia pilih dan mengapa dia melukis Lima Sapi . Di dinasti Tang, lukisan kuda sedang populer dan menikmati perlindungan kekaisaran. Sebaliknya, lukisan lembu secara tradisional dianggap sebagai tema yang tidak cocok untuk studi seorang pria.

Apakah Han Huang membandingkan dirinya dengan lembu dengan kendali? Ketika dia menempatkan lembu dengan semak-semak di lukisan yang sama, dia bisa menyiratkan bahwa dia lebih suka retret dan kehidupan yang santai di gunung. Namun, dilihat dari karir dan posisinya yang tinggi, Han Huang mungkin tidak ingin mengasingkan diri. Oleh karena itu, dengan mengecat lembu dengan tali kekang, ia dapat menunjukkan kesetiaannya kepada kaisar.

5. Revels Malam Han Xizai – Gu Hongzhong

Misalkan Anda adalah Kaisar Li Yu (ca. 937–978), tetapi pejabat Anda, Han Xizai, merindukan audiensi pagi dengan Anda dan menolak menjadi perdana menteri. Apa yang akan kamu lakukan? Anda akan mencoba mencari tahu apa yang sedang terjadi, bukan? Itulah tepatnya yang dilakukan Li Yu. Untuk memeriksa apa yang dilakukan Han Xizai di rumah, Li Yu mengirim Gu Hongzhong (937–975), seorang pelukis istana. Oleh karena itu, ia merekam apa yang dilakukan Han Xizai (902–970) dengan melukis The Night Revels of Han Xizai .

6. Seribu Li Sungai dan Pegunungan – Wang Ximeng

Tidak hanya pejabat dan cendekiawan yang senang mendengarkan musik tetapi mereka juga menemukan kesenangan dalam menggambarkan alam. Salah satu pelukis tersebut adalah Wang Ximeng (1096-1119) (diucapkan Wang Hsi Meng). Dia adalah seorang anak ajaib dan Kaisar Huizong dari Song konon mengajar artis tersebut. Wang Ximeng melukis Seribu Li Sungai dan Pegunungan ketika dia baru berusia tujuh belas tahun pada tahun 1113. Dia meninggal beberapa tahun kemudian tetapi dia meninggalkan salah satu lukisan terbesar dan terindah dalam sejarah Tiongkok. Panjangnya hampir dua belas meter.

Lukisan itu adalah mahakarya “lanskap biru-hijau”. Biru azurite dan hijau perunggu mendominasi, dan artis juga menggunakan sentuhan cokelat pucat. Wang Ximeng menggunakan berbagai perspektif untuk menghadirkan lanskap. Dia menunjukkan kepada kita semua kekayaan pemandangan dengan perbukitan hijau, kuil, pondok, dan jembatan. Gambar menakjubkan dalam skala luas, warna cerah, dan detail kecil. Jika Anda memperbesar, Anda bahkan dapat melihat jalan berliku yang mengarah ke tempat-tempat terpencil.

Dengan sapuan kuas yang cermat dan teknik yang luar biasa, sang seniman mengungkapkan kekaguman yang mendalam atas keagungan alam. Dalam lukisannya, formasi gunung naik dan turun di antara langit yang tak berawan. Dengan demikian, Wang Ximeng membuka dunia baru, lanskap yang tidak akan pernah bosan Anda jelajahi.

7. Sepanjang Sungai Selama Festival Qingming – Zhang Zeduan

Seniman lain, Zhang Zeduan (1085–1145) juga menggambarkan lanskap dalam karyanya Sepanjang Sungai Selama Festival Qingming . Namun, alih-alih berkonsentrasi pada luasnya alam, ia menangkap kehidupan sehari-hari masyarakat Bianjing, Kaifeng saat ini. Karyanya mengungkapkan banyak hal tentang kehidupan di Tiongkok selama abad ke-11-12. Misalnya, menggambarkan satu kapal sungai menurunkan tiang bipod sebelum lewat di bawah jembatan menonjol lukisan itu. Banyaknya orang yang berinteraksi satu sama lain mengungkapkan nuansa struktur kelas selama hari-hari raya.

7 Karya Seni Terbaik untuk Diburu di Paris

7-karya-seni-terbaik-untuk-diburu-di-paris

7 Karya Seni Terbaik untuk Diburu di Paris – Jika ada satu hal yang dibanggakan warga Paris, seninya. Kebanggaan ini meluas dari koleksi museum mereka yang sangat banyak hingga seniman kelahiran lokal yang menciptakan karya-karya yang mengisinya.

7 Karya Seni Terbaik untuk Diburu di Paris

7-karya-seni-terbaik-untuk-diburu-di-paris

 Baca Juga : 10 Karya Seni Yang Harus Dilihat di Italia

mybabyjo – Beberapa artis yang lahir dan dibesarkan di Paris ? Pablo Picasso … douard Manet… Claude Monet … Vincent van Gogh … membunyikan lonceng?

Meskipun tidak semua orang hebat dapat mengklaim kewarganegaraan Prancis, banyak yang membuat pilihan untuk pindah ke kota eklektik ini dan menjadikannya basis mereka untuk menciptakan seni.

Mereka menemukan kota itu menarik dan menginspirasi; banyak yang bisa dilihat dan dipelajari & pada gilirannya, berkreasi bersama. Meskipun lahir di Spanyol, Salvador Dali menghabiskan sebagian besar karirnya di Paris.

Paris saat ini masih menjadi tujuan nomor satu di setiap daftar artis yang berjuang. Banyak yang ingin melihat dan merasakan sendiri apa yang dilakukan para pencipta hebat di masa lalu — & beberapa nama kontemporer masih melakukannya hingga hari ini. Mungkin ini adalah cara yang romantis untuk memikirkan kota… mungkin itu sepenuhnya akurat.

Ada 73 museum swasta dan publik di Paris. Masing-masing menawarkan koleksi karya seni yang tak terduga mulai dari lukisan, patung, manuskrip dan artefak yang diawetkan, ornamen, furnitur, fotografi — karya.

Di dalam dinding beberapa museum ini terdapat beberapa karya seni terbesar yang dikenal umat manusia. Apa yang bisa lebih menyenangkan daripada berkelok-kelok di koridor bangunan bersejarah ini dan berburu beberapa di antaranya?

Berikut adalah 7 karya seni yang tidak boleh dilewatkan yang harus Anda temukan saat mengunjungi pusat seniman global ini.

1. Leonardo da Vinci – Mona Lisa

LOUVRE

Pilihan yang jelas untuk memulai daftar ini, ya. Namun demikian, seseorang tidak bisa berada di Paris dan tidak mengunjungi gadis favorit kita, Lisa.

Saya yakin Anda pernah mendengar desas-desus: “Ini sangat kecil”, “Ini tidak terlalu mengesankan”, “Anda tidak bisa dekat dengannya”, “Ini jelas bukan yang asli”. saya katakan; kenapa kamu tidak pergi dan melihat sendiri? Saya jamin hanya satu rumor yang terdaftar yang benar.

Da Vinci mengerjakan karya ini antara tahun 1503 dan 1517. Pada tahun 1797 lukisan itu ditambahkan ke koleksi permanen Museum Louvre yang terkenal di dunia di arondisemen ke-1. Ini telah menjadi daya tarik utama ke luar angkasa sejak itu, dan mungkin merupakan lukisan paling terkenal di dunia.

Yang membuat karya ini begitu menarik adalah misteri tak terhingga dari seringai di wajah wanita, Lisa Gherardini. Dia juga digambarkan tanpa alis, yang merupakan keputusan lain yang tidak dapat dijelaskan yang dibuat oleh da Vinci.

Arondisemen pertama adalah lingkungan yang bagus untuk dilihat melalui tur jalan kaki berpemandu gratis . Louvre hanyalah salah satu atraksi yang mengesankan di distrik ini.

Tiket masuk museum: €9

2. Pablo Picasso – Arlequin di Paris

PUSAT POMPIDOU

Harlequin adalah subjek yang dieksplorasi berkali-kali oleh Picasso sepanjang karir melukisnya. Yang satu ini dilombakan pada tahun 1923, dan merupakan favorit pribadi saya.

Itu dapat dilihat di The Centre Pompidou di arondisemen ke-4 bersama dengan beberapa karya Picasso indah lainnya . Harlequin yang ditempatkan di museum ini sebenarnya adalah potret teman dekat Picasso, Joaquín Salvado.

Ini adalah bagian yang indah untuk diperiksa secara langsung. Setengah digambar di kanvas dan sisanya dicat. Ini adalah salah satu karya Picasso yang lebih avant-garde yang dibuat di Paris pascaperang.

Museum itu sendiri adalah ruang yang sangat indah dan lobi bebas untuk dimasuki. Anda harus membayar untuk mendapatkan akses ke semua koleksi utama.

Tiket masuk museum: €12

3. Rembrandt – Les Pèlerins d’Emmaüs di Paris

MUSÉE JACQUEMART-ANDRÉ

Musée Jacquemart-André adalah museum pribadi yang terletak di arondisemen ke-8. Ini sebenarnya adalah bekas rumah douard André dan Nélie Jacquemart dan menampilkan semua karya seni rumit yang mereka kumpulkan selama hidup mereka bersama.

Ruangnya benar-benar luar biasa. Lambang borjuasi Prancis sepanjang zaman. Anda dapat membayangkan suasana rumah jika pemiliknya mampu membeli Rembrandt kasual asli dari tahun 1600-an.

Rumah itu adalah rumah bagi salah satu karya terbaik Rembrandt yang menggambarkan Yesus mengidentifikasi dirinya kepada dua peziarah di kota Emmaüs; yang Les Pelerins d’Emaus .

Ini adalah representasi yang menarik dan mistis dari peristiwa yang diduga dalam sejarah ini. Saya selalu kagum pada lukisan yang mampu memantulkan cahaya lilin dengan begitu akurat.

Ini adalah salah satu karya Rembrandt yang paling awal tetapi dianggap sebagai salah satu yang terbaik. Paris beruntung memiliki karya ini mengingat artis itu sebenarnya orang Belanda.

Tiket masuk museum: €14,50

4. Van Gogh – Potret Diri

MUSÉE D’ORSAY

Terletak tepat di tepi Sungai Seine adalah keajaiban yaitu Musée d’Orsay. Ruang ini mungkin dianggap sebagai museum paling terkenal di Paris setelah Louvre . Di dalam dindingnya terdapat banyak karya seni yang menarik ribuan turis.

Sebuah lukisan yang setara dengan Mona Lisa yang dapat dikenali adalah potret diri Van Gogh. Meskipun para seniman dikenal karena melukis banyak dari ini sepanjang karirnya (lebih dari 30 diketahui ada), yang bertempat di Musée d’Orsay dianggap yang paling terkenal karena ini adalah yang terakhir ia berhasil selesaikan sebelum kematiannya.

Yang menarik untuk dilihat adalah kemiripan latar belakang lukisannya dengan karya Starry Night sebelumnya . Pecinta seni juga senang memperdebatkan ekspresi melankolis di wajahnya dan mengapa tepatnya dia memilih untuk menggambarkan dirinya seperti itu.

Tiket masuk museum: €14

5. Gauthier de Campes – La Tenture de Saint Etienne di Paris

MUSÉE NATIONAL DU MOYEN AGE

Saat Anda berada di area Latin Quarter , berjalanlah di atas The Musée National du Moyen Age — juga dikenal sebagai Museum Cluny.

Di bangunan gothic yang terawat indah ini, Anda akan menemukan salah satu lukisan favorit saya di seluruh Paris, La Tenture de Saint Etienne de Campes . Mungkin istilah paining adalah peregangan; karya ini sebenarnya adalah mural sepanjang 45 meter yang mengelilingi tiga ruangan di dalam museum.

Lukisan tersebut merupakan representasi dari kehidupan Santo Stefanus. Hal ini ditunjukkan melalui 23 adegan individu yang menggambarkan esensi dari sejarah Prancis abad pertengahan. Setiap adegan disertai dengan sinopsis sehingga penggambaran peristiwa menjadi jelas.

Anda akan mengendarai hampir setiap emosi yang mungkin saat Anda bekerja melalui tiga kamar. Adegan-adegannya memesona sekaligus sangat pedih di saat yang bersamaan. Luangkan waktu Anda dengan mahakarya de Campes ini!

Tiket masuk museum: €8

6. Jean-Auguste-Dominique Ingres – Pemandian Turki di Paris

LOUVRE

Karena kita sedang membahas topik favorit, mari kita kembali ke Louvre sebentar dan melihat keajaiban mutlak oleh penduduk lokal Prancis lainnya, Jean-Auguste-Dominique Ingres.

Pemandian Turki selesai pada tahun 1859 dan kemudian dimodifikasi oleh seniman pada tahun 1862. Ini adalah penggambaran erotis sekelompok wanita yang berkumpul bersama di area pemandian harem.

Palet warna karya ini luar biasa seperti detail kulit setiap wanita dalam karya tersebut. Mereka tampak ada secara harmonis; menikmati waktu mereka di kamar mandi.

Anda mendapatkan rasa aman dan saling meremehkan saat menatap karya ini — Anda hampir dapat menyelami pikiran para wanita yang tampak tenggelam dalam pikiran saat orang-orang di sekitar mereka terus merayakannya.

Tiket masuk museum: €9

7. Claude Monet – Les Nymphéas di Paris

MUSÉE DE L’ORANGERIE

Karena ketika Anda membutuhkan seni yang akan membawa Anda alih-alih memaksa Anda untuk berpikir… ada Monet. Les Nymphéas , atau The Lilies, adalah panel besar lainnya yang membentang di delapan dinding di dalam Orangerie Museum .

Museum ini terletak di taman Tuileries di Paris, area taman hijau yang indah yang tidak boleh dilewatkan selama kunjungan Anda. Saya menikmati mengunjungi Museum Orangerie dan bermalas-malasan di rumput dengan sebuah buku tepat setelah itu untuk direnungkan.

Karya ini membutuhkan waktu 12 tahun untuk diselesaikan oleh teman kita Monet. Yang benar-benar dibutuhkan adalah kekaguman yang mendalam, tidak terlalu banyak pemikiran atau pertimbangan sejarah.

Karya itu abstrak dan mempesona. Monet ingin menggambarkan visual air dan bunga lili di berbagai titik hari. Gaya impresionistiknya sempurna untuk adegan dan ukuran setiap panel benar-benar menambah dampak keseluruhan saat melihat secara langsung.

Monet adalah pecinta kolam yang terkenal dan rahasia yang mereka pegang. Ia diketahui telah melukisnya lebih dari 200 kali, termasuk delapan karya The Lilies ini.

Tiket masuk museum: €9

10 Karya Seni Yang Harus Dilihat di Italia

10-karya-seni-yang-harus-dilihat-di-italia

10 Karya Seni Yang Harus Dilihat di Italia – Berikut adalah daftar 10 karya seni “Harus Dilihat” di Italia:

10 Karya Seni Yang Harus Dilihat di Italia

10-karya-seni-yang-harus-dilihat-di-italia

10. Pieta karya Michelangelo (Basilika Santo Petrus, Kota Vatikan)

mybabyjo – Ini adalah mahakarya sejati pertama Michelangelo, yang diukir saat pematungnya belum berusia 25 tahun. Perhatikan bahwa Maria terlihat lebih muda dari Putranya–Michelangelo berkata bahwa kesucian mencegah seorang wanita dari penuaan. Lihat juga tanda tangan artis yang diukir di tali di dada Madonna: “Michelangelo Buonarroti, Florentine, membuat ini.”

9. Grup Laocoön (Museum Vatikan, Kota Vatikan)

Ketika Laocoön, seorang pendeta dalam Perang Troya, mencoba memperingatkan sesama warganya untuk tidak menerima hadiah kuda Troya, para dewa mengirim dua ular laut untuk membunuh Laocoön dan putra-putranya. Kami tidak tahu apakah mahakarya marmer ini adalah patung Yunani asli atau salinan yang dibuat oleh orang Romawi (Vatikan menempatkannya antara 30-40 SM), tetapi bagaimanapun juga itu adalah salah satu patung kuno yang paling terpelihara dan paling dramatis yang pernah ada. .

8. Siklus fresco kehidupan St. Fransiskus (Basilika St. Fransiskus, Assisi)

Seringkali dikaitkan dengan master legendaris, Giotto, penulis lukisan dinding besar ini diperdebatkan dengan hangat, tetapi pentingnya mereka dalam kebangkitan seni Renaisans tidak. Dilukis pada awal abad ke – 14 , seri ini telah bertahan dari gempa bumi dan perang untuk berdiri sebagai contoh awal seni yang keluar dari Abad Pertengahan dan melangkah ke realisme dan orisinalitas Renaisans.

7. Sekolah Athena oleh Raphael (“Kamar Raphael” di Museum Vatikan, Kota Vatikan)

Lukisan dinding terkenal ini menggambarkan orang-orang sezaman Raphael sebagai sekumpulan filsuf kuno. Sosok berjanggut tengah mengenakan tunik merah muda adalah Leonardo da Vinci sebagai Plato. Duduk di tangga–rambut gelap, jenggot, tunik ungu, sepatu bot kerja–adalah Michelangelo sebagai Heraclitus. Dan di sebelah kanan, melihat langsung ke arah kami dari kerumunan (pemuda bertopi hitam), adalah Raphael sendiri.

6. Kelahiran Venus oleh Botticelli (Uffizi di Florence)

Beberapa tahun setelah Sandro Botticelli melukis mahakarya ini, pengkhotbah kiamat Girolamo Savonarola naik ke tampuk kekuasaan di Florence. Botticelli menjadi pengikut yang taat dan membakar beberapa lukisannya di Api Unggun Kesombongan Savonarola yang terkenal (di mana orang Florentine membakar barang-barang material mereka di atas api unggun sipil yang besar). Tapi, untungnya, lukisan ini—contoh sempurna dari gaya idealis Botticelli yang anggun—bertahan.

5. David oleh Michelangelo (Galleria dell’Accademia, Florence)

Michelangelo mengukir patung telanjang kolosal yang berdiri bebas ini dari satu balok marmer dalam waktu kurang dari tiga tahun. Lebih dari 17 kaki, itu menggambarkan David memelototi musuhnya Goliat sebelum pertempuran. Dulunya menjaga balai kota (dan sekarang dilindungi dari unsur-unsur di dalam Accademia), patung itu telah berdiri sebagai simbol kekuatan dan kepercayaan Florentines selama lebih dari 500 tahun.

4. Pintu Timur oleh Ghiberti (Pembaptisan St. John, Florence)

Michelangelo berpikir bahwa pintu-pintu ini sangat indah sehingga layak untuk berdiri sebagai “Gerbang Surga”. Pematung legendaris Lorenzo Ghiberti dan tokonya membutuhkan waktu 27 tahun untuk menyelesaikan 10 panel perunggu yang menggambarkan pemandangan dari Perjanjian Lama. Lihat salinan di luar di Baptistery dan panel asli di Museo dell’Opera del Duomo .

3. Transfigurasi oleh Raphael (Museum Vatikan, Kota Vatikan)

Raphael menyelesaikan lukisan ini ketika dia meninggal pada usia 37 tahun. Altarpiece adalah campuran menakjubkan dari energi yang berputar, pengabdian yang tenang, bayangan yang dalam, warna yang cemerlang, dan emosi manusia. Setelah lukisan ini, seniman lain pindah ke gaya baru seperti Mannerisme; mereka tahu bahwa mereka tidak akan pernah bisa melakukan yang terbaik dari mahakarya Renaisans Tinggi ini.

2. Perjamuan Terakhir oleh Leonardo (Santa Maria delle Grazie di Milan)

Ya lukisan dinding ini runtuh dari dinding; itu hampir seperti hantu. Tapi ada baiknya masuk ke dalam ruangan seperti airlock itu—dengan sekelompok kecil turis—untuk melihat karya ikonik itu. Ketika Milan dibom selama Perang Dunia II, ruangan itu hampir hancur, tetapi dinding Perjamuan Terakhir tetap berdiri. Itu adalah keajaiban—seperti lukisan ini.

1. Kapel Sistina (Kota Vatikan)

Oke, ini bukan satu karya, tetapi seluruh kapel termasuk serangkaian lukisan dinding di sekitar dinding yang dilukis oleh Master Tua seperti Perugino dan Botticelli, langit-langit ikonik oleh Michelangelo, dan dinding altar Penghakiman Terakhir yang agung juga dilukis oleh Michelangelo–dua puluh tahun setelah kemenangannya di langit-langit. Semua jalan di Italia mengarah ke Roma. Semua jalan di Roma mengarah ke Vatikan. Dan semua jalan di Vatikan mengarah ke Sistine. Pergi. Ini sangat berharga. Sebuah gambar tidak bisa melakukannya dengan adil.

10 Lukisan Paling Terkenal di Filipina dan Para Senimannya

10-lukisan-paling-terkenal-di-filipina-dan-para-senimannya

10 Lukisan Paling Terkenal di Filipina dan Para Senimannya – Melukis adalah cara seniman melakukan banyak hal: mengekspresikan emosi, menyampaikan ide, dan terkadang membuat perubahan di masyarakat. Dan karya seni ini mencerminkan budaya suatu bangsa. Sama seperti apa yang dilakukan oleh para pelukis terkenal Filipina yang berbakat dengan karya agung mereka. Lukisan di Filipina tidak seperti seni lainnya. Lebih dari sekadar estetis, lukisan-lukisan Filipina menunjukkan budaya dan sejarah negara yang membentuk masa kini.

10 Lukisan Paling Terkenal di Filipina dan Para Senimannya

10-lukisan-paling-terkenal-di-filipina-dan-para-senimannya

Baca Juga : 7 Seniman dan Pelukis Inggris Paling Terkenal

mybabyjo – Sama seperti properti real estat, karya seni seperti lukisan Filipina tidak terdepresiasi nilainya. Seiring waktu, nilainya meningkat setinggi biaya rumah dan kavling kelas atas. Di sini kami telah membuat daftar beberapa lukisan paling terkenal di Filipina yang memberi negara itu identitas budaya.

Apakah Anda ingin menemukan lukisan tradisional paling terkenal di Filipina atau lukisan seni kontemporer terkenal di Filipina , kami siap membantu Anda. Pelajari lebih lanjut tentang seni di Filipina saat kami membuat daftar lukisan terkenal di Filipina.

1. Pembuatan Bendera Filipina oleh Fernando Amorsolo

Artis terkenal di Filipina di balik lukisan ini adalah Fernando Amorsolo. Pembuatan Bendera Filipina adalah salah satu lukisan paling terkenal di Filipina. Ini menunjukkan tiga wanita (Marcela Agoncillo, putrinya Lorenza, dan Delfina Herbosa de Natividad, keponakan Dr. Jose Rizal). Lukisan Filipina ini mungkin yang paling terkenal tetapi ada beberapa cerita yang beredar mengatakan bahwa penggambaran Amorsolo tidak akurat karena salah satu dari tiga wanita yang menjahit bendera Filipina adalah seorang anak.

2. Spoliarium oleh Juan Luna

Spoliarium —lukisan raksasa dengan tinggi lebih dari 4 meter dan lebar 7,5 meter, menjadikannya lukisan terbesar di Filipina—merupakan salah satu lukisan paling bersejarah di Filipina. Artis terkenal di Filipina di balik lukisan ini adalah Juan Luna. Meskipun lukisan tersebut tidak menggambarkan peristiwa atau tokoh sejarah apapun, lukisan terkenal di Filipina ini dianggap sebagai simbol penting dari revolusi Filipina. Anda dapat melihat Spoliarium di Museum Nasional Seni Rupa.

3. Pengumpulan Pahlawan oleh Juanito Torres

Lukisan Filipina terkenal lainnya adalah Gathering of Heroes yang dibuat oleh seniman modern Filipina Juanito Torres. Seni terkenal di Filipina ini menggambarkan tokoh-tokoh kunci dalam sejarah Filipina, termasuk bagian dari gerakan Filipina abad ke-19, dalam apa yang dikatakan sebagai komposisi yang mengingatkan pada sampul “X-Men” Marvel. Seniman Filipina yang menciptakan seni Filipina yang indah ini adalah Juanito Torres.

4. Perjuangan Filipina Melalui Sejarah oleh Carlos “Botong” Francisco

Menurut Museum Nasional, “Perjuangan Filipina Melalui Sejarah” bisa dibilang merupakan karya terbesar yang masih ada dari pelukis terkenal Filipina Carlos “Botong” Francisco, dan di antara yang terakhir, seperti yang selesai pada tahun 1968 — hanya beberapa bulan sebelum kematiannya pada tanggal 31 Maret. 1969.

Pada tahun 1996, lukisan Filipina ini dinyatakan sebagai Harta Budaya Nasional, yang berarti bahwa itu adalah “harta budaya unik yang ditemukan secara lokal, memiliki nilai sejarah, budaya, seni dan/atau ilmiah yang sangat penting dan penting bagi negara dan bangsa. ” Lukisan terkenal di Filipina ini bisa dilihat di National Museum of Fine Arts.

5. Granadean Arabesque oleh Jose Joya

“Granadean Arabesque,” ​​sebuah mahakarya oleh seorang pelukis terkenal Filipina dan Artis Nasional Jose Joya, adalah seni abstrak Filipina horizontal yang menampilkan berbagai nuansa kuning, sapuan lebar dan impasto yang dicampur dengan pasir. Mahakarya ini merupakan perwujudan dari bakat Joya sebagai seniman media campuran dan pelopor seni lukis dan seni modern Filipina di negara ini.

Dengan ukuran 305 cm x 118 cm, Granadean Arabesque adalah salah satu karya Joya yang dipamerkan untuk mewakili Filipina di Venice Biennale yang bergengsi pada tahun 1964—pertama kalinya Filipina berpartisipasi dalam biennale terlama di dunia dan tempat pameran terkemuka untuk seni kontemporer dan avant-garde internasional. Ini dikatakan, Granadean Arabesque jelas merupakan salah satu lukisan terkenal di Filipina.

6. Jembatan Alkaff oleh Pacita Abad

Meskipun ini mungkin bukan lukisan Filipina biasa yang tergantung di dinding, Jembatan Alkaff di Singapura adalah salah satu karya seni paling populer yang dibuat oleh seorang pelukis terkenal di Filipina, Pacita Abad. Dia adalah seniman Filipina yang lahir di Batanes. Karyanya Jembatan Alkaff adalah jembatan sepanjang 55 meter yang ditutupi lebih dari 2.000 lingkaran warna-warni yang menjadikannya salah satu atraksi yang paling banyak dikunjungi di Singapura. Jembatan Alkaff selesai dibangun beberapa bulan sebelum Pacita meninggal karena kanker paru-paru pada tahun 2004.

7. Nelayan oleh Ang Kiukok

Lukisan Filipina lainnya yang patut dicatat adalah The Fishermen karya Seniman Nasional Filipina, Ang Kiukok. Lukisan terkenal Filipina ini menggambarkan harapan dan perjuangan para nelayan. Nelayan menunjukkan sebuah kelompok yang bekerja bersama saat mereka menarik jaring yang menceritakan perjuangan mereka. Sedangkan matahari merah di atas adalah simbol tegas dari keteguhan dan energi abadi.

8. Sabel oleh Benedicto Cabrera

Jika Anda mencari lukisan Filipina kontemporer, kemungkinan besar Anda menemukan Sabel by BenCab yang terkenal . Menurutnya, “Sabel” adalah wanita yang dilihatnya mengais-ngais di sekitar lingkungan Bambang pada tahun 1964. Dia memotretnya dan membuat sketsa. Baginya, Sabel adalah representasi tidak hanya seorang wanita tunawisma tetapi juga dari Filipina mana pun. Sekarang, lukisan Filipina Sabel adalah subjek utama yang berulang melalui karya-karya BenCab selama beberapa dekade.

9. Tiga Wanita Dalam Pemandangan oleh Anita Magsaysay-Ho

Jika Anda menyukai lukisan Anita Magsaysay-Ho, Anda akan melihat bahwa dia suka merayakan wanita Filipina dalam karyanya. Dia adalah sepupu pertama mantan presiden Ramon Magsaysay, seorang mahasiswa pelukis terkenal di Filipina Fernando Amorsolo, dan salah satu perintis seniman modern Filipina.

Di antara lukisannya yang paling terkenal untuk dijual di Filipina adalah “Tiga Wanita Dalam Pemandangan” yang menggambarkan wanita dengan tulang pipi yang tinggi, mata sipit, dan kulit morena yang indah dikelilingi oleh alam, memanen tanaman, menjual ikan, atau mengumpulkan biji-bijian.

10. Noche Clara oleh Fernando Zobel de Ayala

Jika nama Fernando M. Zóbel de Ayala membunyikan lonceng, itu karena dia adalah bagian dari keluarga Ayala yang terkemuka dan kaya. Namun lebih dari seorang Ayala, ia dikenal karena bakatnya melukis Filipina. Dia telah mengembangkan gaya khasnya yang dikenal orang bahkan dengan pandangan sekilas dan sekarang dianggap sebagai salah satu seniman paling mahal di negara ini karena harga lukisannya di Filipina. Lukisan-lukisan Filipinanya yang populer biasanya terdiri dari hitam, putih, dan biru.

Pada Mei 2008, karyanya Noche Clara dijual di Hong Kong dengan harga PHP 6.000 000, memecahkan rekor lukisan seni Filipina paling mahal. Rekor ini telah dipecahkan sejak pada tahun 2013, sebuah karyanya dijual di Sotheby’s seharga HKD 8.200.000 ($ 1.060.000).

7 Seniman dan Pelukis Inggris Paling Terkenal

7-seniman-dan-pelukis-inggris-paling-terkenal

7 Seniman dan Pelukis Inggris Paling Terkenal – Selama beberapa ratus tahun terakhir seniman Inggris telah meninggalkan jejak besar di dunia seni.

7 Seniman dan Pelukis Inggris Paling Terkenal

7-seniman-dan-pelukis-inggris-paling-terkenal

 Baca Juga : 7 Seniman Paling Terkenal di Jerman

mybabyjo – Mereka pertama kali menemukan ketenaran dalam gerakan Romantisisme di akhir abad ke-18 dengan Turner dan Constable yang keduanya menangkap esensi kehidupan pedesaan di Inggris dengan lukisan lanskap mereka.

Belakangan ini para seniman kontemporer seperti Emin, Hirst, dan yang terbaru adalah seniman jalanan Banksy yang mencuri perhatian publik.

Di bawah ini Anda akan menemukan daftar beberapa seniman dan pelukis Inggris terbesar.

1. Joseph Mallord William Turner

Joseph Mallord William Turner lahir di London pada tahun 1775 di Maiden Lane di Convent Garden. Meskipun tanggal sebenarnya belum dikonfirmasi, Turner menyatakan bahwa itu adalah 23 April pada Hari Saint George.

Selama saudara perempuannya sakit, Turner dikirim untuk tinggal bersama pamannya pada usia 10 tahun, di mana dia bersekolah di Brentford Free School. Selama tinggal di sana, ia mulai melukis, dengan karyanya dipajang dan dijual oleh ayahnya di toko keluarga.

Pada usia 14, ia masuk ke Royal Academy School, kemudian bekerja sebagai seniman reproduksi di studio terkenal Thomas Malton.

Pameran minyaknya menjadi pusat perhatian di Royal Academy, memungkinkan dia untuk mendapatkan posisi Associate of the Royal Academy pada usia 24.

Dia kemudian dianugerahi status akademisi penuh pada tahun 1802 dan diangkat sebagai Profesor Perspektif pada tahun 1807. Karya Turner kemudian berkembang menjadi karya cat air topografi yang dikombinasikan dengan berbagai teknik seni minyak dengan pengaruh dari perjalanannya ke seluruh dunia.

Meskipun dia tidak pernah menikah, Turner memiliki dua anak dengan Sarah Danby. Ia kemudian meninggal pada 19 Desember 1851 dan dimakamkan di Katedral Saint Paul, London.

Dia dianggap sebagai salah satu seniman romantisme terbaik yang pernah hidup, khususnya lukisan pemandangannya .

2. John Constable

John Constable lahir dalam keluarga kaya di East Bergholt, Inggris, pada 11 Juni 1776. Dengan harapan untuk mengambil alih bisnis keluarga, ia mendaftar di sekolah asrama di Lavenham dan kemudian di sekolah harian di Dedham.

Bertekad untuk menempa jalannya, Constable mulai membuat sketsa pedesaan setempat dan pabrik serta air terjun di dekatnya. Selama perjalanannya, ia bertemu George Beaumont, yang mengizinkannya untuk melihat lukisannya yang berharga, Hagar and the Angel, yang memberi inspirasi pada karya-karyanya selanjutnya.

Pada 1799, ayahnya mengizinkannya untuk mengikuti kursus percobaan di Royal Academy School, di mana ia belajar kelas kehidupan, teknik melukis Old Masters, dan membaca puisi.

Pada tahun 1802, ia menolak posisi menjadi Master di Great Marlow Military College, yakin bahwa itu akan berarti akhir dari karir artistiknya.

Constable kemudian menetap di alam lukisan, memilih untuk memasukkan gaya pedesaan pada sketsa ukuran penuh dan skala. Selama periode ini, ia menikahi teman masa kecilnya Maria Bicknell pada tahun 1816 setelah pertunangan yang kacau, kemudian memiliki tujuh anak.

Pada usia 52, ia terpilih ke Royal Academy, yang melihat karyanya mendapatkan pengakuan dan memberinya keuntungan finansial. Polisi meninggal pada 31 Maret 1837.

3. Banksy

Banksy adalah seniman jalanan grafiti anonim terkenal di dunia dari Inggris yang ketenarannya dapat ditelusuri kembali ke akhir 1990-an. Diyakini sebagai Robert Banks, ia lahir pada tahun 1974 di sebuah kota kecil dekat Bristol.

Selama tahun 90-an, ia mulai mendapatkan pengakuan sebagai seniman grafiti saat bekerja dengan DrBreadZ Crew.

Banksy kemudian beralih ke seni stensil dengan inspirasi dari 3D, sesama seniman jalanan lainnya. Menggunakan template dan grafiti untuk karya satirnya, karyanya berfungsi sebagai suara aktivisme politik dan sosial.

Beberapa karyanya yang terkenal adalah Naked, The Policemen Who Kiss, dan The Monalisa with the Bazooka. Selain karyanya di London, Banksy juga mengadakan pameran di seluruh dunia di tempat-tempat seperti Los Angeles, New Orleans, Bethlehem, dan New York, yang menarik penonton, kritikus, dan pengagum terkenal.

Dengan nominasi Oscar atas namanya, Banksy juga merangkap sebagai pembuat film. Seninya terus menantang status quo dan mengenali cahaya di dunia dengan lukisan Perawat Superhero tahun 2020 yang disumbangkan ke Rumah Sakit Universitas Southampton untuk merayakan para pekerja kesehatan garis depan.

4. Tracey Emin

Tracey Emin lahir pada 3 Juli 1963, di Croydon, London Selatan, kemudian tumbuh besar di Margate dan saudara kembarnya Paul. Pada tahun 1980, dia mendaftar di Medway College of Design, di mana dia belajar mode.

Selama waktu ini, pacar Billy Childish memperkenalkannya ke The Medway Poets, sebuah kelompok seni berbasis pertunjukan yang memicu minatnya pada seni.

Dia kemudian mendaftar dan lulus dari Maidstone Colleges of Art pada tahun 1986, mendapatkan gelar Master of Arts dari Royal College of Art pada tahun 1989.

Bersama dengan sesama artis Sarah Lucas, Emin menjual karya-karyanya di toko mereka bernama The Shop yang terletak di Bethnal Green. Karya Emin sebagian besar merupakan cerminan dari pengalaman pribadinya, dengan karyanya berjudul Semua Orang yang Pernah Saya Tiduri, memungkinkannya untuk mendapatkan aklamasi setelah pamerannya di Royal Academy 1997 di London.

Karya penting Emin lainnya termasuk My Bed, My Major Retrospective, film otobiografi yang menggambarkan kehidupan awalnya, dan memoar 2005 berjudul Strangeland.

Selama Olimpiade dan Paralimpiade 2012, Emin terpilih untuk membuat cetakan edisi terbatas. Dia terus menunjukkan kerentanannya dalam karyanya, menginspirasi seniman wanita yang ingin mengeksplorasi feminitas.

5. William Blake

William Blake lahir pada 28 November 1757, di Soho, London. Blake mengembangkan pandangan spiritual dunia sejak usia dini, melihat visi malaikat di pohon.

Pada usia 10 tahun, ia memulai kelas menggambarnya dan, pada usia 14 tahun, menjadi magang untuk pengukir, James Basire. Pada 1779, ia mendaftar di Royal Academy of Arts, di mana ia berusaha untuk belajar melukis.

Pada tahun 1782, Blake menikah dengan Catherine Boucher, yang dia ajar membaca dan menulis, dengan keterampilan Blake dalam usaha selanjutnya. Blake juga menulis puisi selama periode ini, dengan koleksinya yang berjudul Poetical Sketches diterbitkan dalam bentuk cetak.

Dia kemudian kehilangan ayah dan saudara laki-lakinya, dengan kematian yang terakhir pada tahun 1787, mengilhaminya untuk beralih ke etsa yang diterangi untuk puisinya, dikombinasikan dengan pewarnaan tangan.

Dari 1790-1793, karyanya mengambil pendekatan satir, dengan Pernikahan Surga dan Neraka dan Kitab Thel untuk menunjukkannya.

Di tahun-tahun terakhir hidupnya, karya Blake berada di bawah pengawasan penipuan, hanya untuk mendapatkan apresiasi di kalangan seniman muda, dengan ilustrasi Dante yang Belum Selesai dan Kitab Ayub menandai karya terakhirnya. Blake meninggal pada 12 Agustus 1827.

6. Francis Bacon

Francis Bacon lahir di Dublin, Irlandia dari orang tua Inggris pada tahun 1909. Dia pindah ke London pada tahun 1920-an karena hubungannya dengan ayahnya memburuk karena identitas seksualnya yang muncul sebagai seorang homoseksual.

Bacon menjalani kehidupan gelandangan di dan sekitar London dan menghabiskan banyak waktu minum dan berjudi di Soho.

Dia bertahan hidup dengan uang saku yang sangat kecil dan hidup dalam kemiskinan sampai dia mulai terlibat dengan desain interior/furnitur.

Setelah ini ia didorong untuk mengambil lukisan minyak oleh salah satu pelanggannya.

Dia menemukan terobosan pertamanya pada tahun 1944 dengan karya triptych Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion.

Banyak dari karyanya akan menjadi minyak di atas kayu baik dalam bentuk diptych atau triptych dan lebih sering daripada tidak menampilkan banyak dari teman-temannya yang terkenal.

Dia menemukan inspirasi dari berbagai gerakan dan seniman, seperti seniman besar Belanda Rembrandt, Pablo Picasso dan beberapa lukisan surealis awal .

Salah satu seniman besar abad ke-20, Bacon, dia dikatakan telah menghancurkan ratusan lukisannya sendiri

7. Damien Hirst

Damien Hirst lahir di Bristol pada tahun 1965 dan kemudian dibesarkan di Leeds. Dia menghadiri Sekolah Seni Jacob Kramer di Leeds, dan pada tahun 1986, belajar seni rupa di Goldsmith College.

Selama masa remajanya, eksplorasi kematiannya menginformasikan karyanya saat berada di Goldsmith College, dengan beberapa karya awalnya terdiri dari Lemari Obat dan Farmasi.

Pada tahun 1988, ia menyelenggarakan pameran berjudul Freeze and Young British Artists, sebuah kelompok yang merevolusi seni selama tahun 90-an.

Selama pameran Freeze-nya, lukisan spot Hirst mengukuhkan posisinya di dunia seni, dengan karyanya dipamerkan di berbagai galeri Gagosian di seluruh dunia.

Pada tahun 1991, ia memamerkan seri Natural History-nya yang terkenal yang memasukkan makhluk-makhluk yang diawetkan dalam larutan formaldehida. Ketertarikannya pada kematian, kehidupan, sains, agama, dan keindahan telah menginspirasinya untuk membuat pameran seperti Some Went Mad, Some Ran Away, For The Love Of God, dan The Agony And The Ecstasy di Inggris dan kancah internasional.

Pada 2012, karya Hirst ditampilkan di Tate Modern untuk mengakui kontribusinya pada seni Inggris. Hirst tinggal bersama pacarnya Maia Norman antara 1992-2012, dengan siapa mereka memiliki tiga putra.

7 Seniman Paling Terkenal di Jerman

7-seniman-paling-terkenal-di-jerman

7 Seniman Paling Terkenal di Jerman  – Jerman diakui secara internasional karena sejarah seninya yang luas dan terkemuka. Memproduksi kontribusi yang menentukan selama berabad-abad, mencakup gerakan seperti Renaisans, kelahiran Romantisisme, kebangkitan Ekspresionisme dan juga memainkan peran penting dalam kancah seni kontemporer, seniman Jerman telah lama membentuk dunia seni.

7 Seniman Paling Terkenal di Jerman

7-seniman-paling-terkenal-di-jerman

 Baca Juga : 5 Pelukis Inggris Terkenal

mybabyjo – Apakah Anda tertarik dengan yang tradisional atau yang lebih modern, Anda akan menemukan 7 seniman Jerman paling terkenal dan karya-karya terkenal mereka di bawah ini.

1. Caspar David Friedrich

Caspar David Friedrich adalah seorang pelukis lanskap abad ke-19 dari Romantisisme Jerman. Dipengaruhi oleh hubungan antara manusia dan alam, Friedrich dengan terkenal menyatakan, ” Seniman seharusnya tidak hanya melukis apa yang dia lihat di hadapannya, tetapi juga apa yang dia lihat di dalam dirinya” , dan karya-karyanya sering menampilkan pohon-pohon gersang atau sosok-sosok termenung dengan siluet berkabut, luas pemandangan. Didorong oleh puisi Sturm und Drang dari Goethe dan Schiller, tokoh-tokoh tersebut dalam karya-karya Friedrich mewujudkan kiasan Romantis Jerman mengembara , yang datang untuk mewakili perjalanan hidup. Pusat Caspar-David-Friedrich di Greifswald, Mecklenburg-Vorpommern, menjadi tempat pameran permanen karya-karyanya.

2. Otto Dix

Dianggap sebagai salah satu seniman paling menonjol dari Neue Sachlichkeit, atau Objektivitas Baru, lukisan dan cetakan Otto Dix telah mendapat pengakuan internasional. Setelah bertugas di ketentaraan sendiri, penggambaran mimpi buruk dan satir Dix tentang pengalaman perangnya dan masyarakat Weimar membuat Nazi memecatnya dari jabatan profesor di Akademi Dresden, menangkapnya sebentar pada tahun 1939 karena berkomplot melawan Adolf Hitler, dan menyita ratusan milik Dix. bekerja untuk pameran Entartete Kusnt 1937-8 yang disponsori negara , seni merosot, di Munich. Otto-Dix-Haus-Museum di Gera adalah rumah bagi 400 karyanya, termasuk 48 kartu pos yang ia kirim selama dinas militernya dalam Perang Dunia I.

3. Käthe Kollwitz

Wanita pertama yang terpilih di Akademi Seni Prusia pada tahun 1920 dan sekarang terkenal secara internasional, Käthe Kollwitz tidak diragukan lagi adalah salah satu seniman terbesar Jerman. Karya Kollwitz yang serba guna berpusat pada pengalaman perempuan dan kelas pekerja, dan, setelah kehilangan putranya dalam Perang Dunia I dan cucunya dalam Perang Dunia II, menawarkan gambaran mengerikan tentang penderitaan perang. Ada museum di Berlin, Cologne dan Moritzburg yang didedikasikan untuk hidupnya dan lukisan, lukisan, cetakan dan pahatan, yang secara pedih menggambarkan pengalaman universal manusia tentang rasa sakit dan tragedi. Kollwitzplatz di Prenzlauer Berg, Berlin, sekarang menjadi rumah bagi patung perunggu seniman oleh pematung Jerman Gustav Seitz.

4. Paula Modersohn-Becker

Terkenal karena potret wanitanya, Paula Modersohn-Becker adalah perwakilan terkemuka ekspresionisme awal. Perempuan pertama yang melukis potret diri telanjang, ia berusaha mengubah penggambaran perempuan dalam sejarah seni Barat di atas kepalanya dengan menolak representasi yang terlalu erotis demi penggambaran bentuk perempuan yang lebih jujur ​​dan alami. Dia menghasilkan lebih dari 700 lukisan dan 1.000 gambar dan cetakan meskipun hidup sangat singkat, meninggal karena emboli pascapersalinan pada usia 31 tahun. Rainer Maria Rilke, penyair dan sesama penduduk Worpswede di Lower Saxony, menulis tentang Modersohn-Becker di puisinya, Requiem for a Friend:

5. Albrecht Durer

Albrecht Dürer adalah seniman dan ahli teori terkemuka Renaisans Jerman, yang lukisan, gambar, dan cetakannya membangun reputasinya di seluruh Eropa. Potongan kayu indah Dürer merevolusi medium ukiran, mengangkat medium menjadi bentuk seni tersendiri, sementara lukisan cat airnya menandakan dia sebagai salah satu seniman lanskap Eropa pertama. Ia diangkat menjadi seniman istana resmi Kaisar Romawi Suci Maximilian I dan penggantinya Charles V, dan melukis potret beberapa sarjana terkemuka serta menghasilkan beberapa potret diri. Karya-karyanya yang terkenal lainnya termasuk Adam and Eve (1504) , Praying Hands (1508) , dan Madonna and Child (c. 1496/9). Dia juga melukis Empat Rasul untuk balai kota tempat kelahirannya, Nuremberg, meskipun sekarang dipajang di Alte Pinakothek di Munich.

6. Ernst Ludwig Kirchner

Lahir di Aschaffenburg, Bavaria, Ernst Ludwig Kirchner adalah seorang pelukis ekspresionis dan pembuat grafis dan salah satu anggota pendiri kelompok seniman Die Brücke (Jembatan), yang memainkan peran utama dalam munculnya Ekspresionisme abad ke-20. Kirchner mengajukan diri untuk dinas militer dalam Perang Dunia I, tetapi segera diberhentikan setelah menderita gangguan saraf. Pada tahun 1918, ia pindah ke Swiss untuk perawatan, di mana kesehatannya membaik dan ia terus melukis. Pada tahun 1933, karyanya dicap “merosot” oleh Nazi, dan 600 karyanya kemudian dijual atau dihancurkan. Barang-barang yang ditemukan atau dikumpulkan sebelum pemerintahan Nazi dipajang di Museum Kirchner Davos, Galeri Nasional Skotlandia dan Museum Städel di Frankfurt, serta di beberapa museum dan galeri lain di seluruh dunia.

7. Hannah Hoch

Hannah Höch, satu-satunya perempuan Dadais Berlin, membantu mendirikan gerakan Dada bersama dengan sesama seniman seperti Raoul Housmann dan George Grosz. Kelompok yang diakui secara internasional membentuk bentuk seni eksperimental baru sebagai reaksi terhadap kengerian Perang Dunia I. Höch menjadi terkenal karena kolase fotonya, yang dianggap sebagai pelopornya. Dia mengambil gambar dan teks dari media massa, mengontekstualisasikannya untuk menyindir dan mengkritik budaya populer, kekurangan Republik Weimar, serta peran perempuan yang dibangun secara sosial. Meskipun grup Berlin Dada dibubarkan pada awal 1920-an, Höch masih aktif sebagai seniman selama Perang Dunia Kedua, memberikan kontribusi signifikan terhadap avant-garde Jerman.. Namun, dia dilarang berpameran di bawah rezim Nazi, dan dengan demikian mengundurkan diri ke sebuah rumah di barat laut Berlin, tempat dia tinggal dan terus menciptakan seni sampai kematiannya pada tahun 1978. Rumah Hannah Höch sekarang menjadi situs warisan terdaftar yang menawarkan tur berpemandu.

5 Pelukis Inggris Terkenal

5-pelukis-inggris-terkenal

5 Pelukis Inggris Terkenal – Para Seniman di seluruh dunia telah mengejutkan dan membuat kagum pemirsa dengan bakat mereka. Percaya atau tidak, salah satu pusat aktivitas artistik selama berabad-abad adalah Inggris. Dari adegan perang hingga lukisan Taman Eden hingga potret cantik, para pelukis ini telah memantapkan tempat mereka dalam sejarah seni.

5 Pelukis Inggris Terkenal

5-pelukis-inggris-terkenal

 Bsca Juga : 5 Karya Seni yang Sangat Terkenal dan Unik Sepanjang Masa 

Berikut 5 Pelukis Inggris Terkenal

1. JMW Turner

mybabyjo – JMW Turner hidup 1775-1851 dan gila e nafkah sebagai zaman Renaisans, watercolorist, dan, terutama, seorang pelukis Romantis. Dia dikenal karena beberapa karakteristik berbeda dalam seninya, yaitu penggunaan warna yang ekspresif. Ia juga terkenal karena penggunaan citra lanskap dan lautnya. Lukisan lautnya sering kali agak kasar mengingat zaman itu.

Pada akhir hidupnya, Turner telah menyusun lebih dari 2.000 lukisan cat air, 550 lukisan cat minyak, dan tambahan 30.000 karya seni di atas kertas. Namun, banyak dari ini dilakukan dalam karir awalnya karena, menjelang akhir hayatnya, tercatat bahwa kesehatan mental dan fisik Turner tampaknya memburuk ke titik di mana galeri yang dulu ramai menjadi hancur.
Hari ini, Turner dikenang sebagai seniman revolusioner dalam hal lukisan pemandangan.

2. Solomon J Solomon

Solomon J. Solomon memasuki dunia tepat setelah Turner meninggalkannya saat dia hidup dari tahun 1860 hingga 1927. Menariknya, seni tampaknya menjadi perdagangan keluarga bagi keluarga Solomon karena saudara perempuannya, Lily Delissa Joseph, juga seorang seniman.

Artis itu sangat dipengaruhi oleh mentornya Alexandre Cabanel serta seniman Lawrence Alma-Tadema dan Frederic Leighton. Lukisannya dramatis dan dia menyukai adegan klasik dari Alkitab dan mitologi. Dia juga melakukan sejumlah potongan potret selama rentang karirnya.

Pengaruh Salomo sebagai seorang pelukis tidak terbatas hanya pada seninya sendiri. Dia juga menjabat sebagai anggota pendiri New English Art Club dan dikenal sebagai anggota Royal Academy. Menariknya, pemirsa juga dapat berterima kasih kepada Solomon atas kontribusinya pada kamuflase yang digunakan dalam Perang Dunia Pertama.

3. Elizabeth Thompson

Ada juga seniman perempuan yang membentuk perjalanan sejarah seni rupa di Inggris. Salah satu artis yang paling terkenal adalah Elizabeth Thompson yang juga kadang-kadang disebut sebagai Lady Butler setelah menikah dengan Letnan Jenderal Sir William Butler. Ketika dia lahir di Swiss pada tahun 1846, dia menghabiskan sebagian besar hidupnya bekerja di Inggris
Keistimewaannya adalah penggambarannya tentang masa perang.

Dia menangkap banyak kampanye militer di atas kanvas dalam lukisan seperti The Roll Call, The Defense of Rorke’s Drift, dan Scotland Forever! Ketika ditanya tentang pilihan subjeknya di kemudian hari, dia menyatakan bahwa “Saya tidak pernah melukis untuk kemuliaan perang, tetapi untuk menggambarkan kesedihan dan kepahlawanannya.”

Dalam publisitasnya pada saat itu, banyak penggemar yang tertarik pada Thompson bukan hanya karena karya seninya sangat bagus tetapi karena dia juga seorang wanita muda yang cantik. Ini bertentangan dengan gagasan tradisional pelukis masa perang.

4. Ernest Crofts

Ernest Crofts adalah seorang seniman yang hidup dari tahun 1847 hingga 1911. Ia terkenal karena lukisan militernya dan penggambaran adegan sejarah termasuk lukisan seperti A Roundhead On Horseback, Wallenstein, A Scene of the Thirty Years War, dan Queen Elizabeth I Opening the Royal Pertukaran pada tahun 1570.

Crofts memulai di Sekolah Rugby tetapi setelah menemukan kecintaannya pada seni, ia beralih jalur karier menjadi pelukis. Dia belajar di bawah AB Clay untuk beberapa waktu sebelum dia menghabiskan beberapa waktu di Jerman dan menghadiri Sekolah Seni Lukis Düsseldorf selama beberapa tahun.

Selama hidupnya, ia menikmati popularitas di tahun 1870-an dan 1880-an. Dia kehilangan popularitas setelah titik ini, terutama karena lukisan perang secara keseluruhan melewati periode di mana genre itu sendiri kurang populer.

5. John Dickson Batten

John Dickson Batten adalah seorang pelukis yang hidup dari tahun 1860 hingga 1932 dengan banyak disiplin ilmu di bawah ikat pinggangnya. Selain lukisan cat minyak, ia juga penggemar gaya tempera dan fresco. Fresco adalah praktik melukis mural pada plester yang baru diletakkan dan tempera mengacu pada teknik menggunakan cat cepat kering yang dicampur dengan pengikat seperti kuning telur.

Subjek favorit Batten adalah mitologi dan dia sering bermain dengan tema alegoris dalam karya seninya. Dia juga bekerja sebagai penyair dan ilustrator dan bahkan mengilustrasikan serangkaian dongeng setelah anggota Masyarakat Cerita Rakyat, Joseph Jacobs, mengeditnya menjadi sebuah buku.

Kesimpulan

Ini adalah beberapa pelukis Inggris paling populer tetapi ada banyak seniman selama berabad-abad yang meninggalkan jejak mereka dalam sejarah seni. Menjelajahi artis-artis ini adalah cara yang bagus untuk menemukan materi baru yang akan membuat Anda jatuh cinta.

5 Karya Seni yang Sangat Terkenal dan Unik Sepanjang Masa

5-karya-seni-yang-sangat-terkenal-dan-unik-sepanjang-masa2

5 Karya Seni yang Sangat Terkenal dan Unik Sepanjang Masa – Sepanjang sejarah, dunia seni rupa telah mengalami banyak perubahan baik dalam gerakan seni secara umum maupun dalam definisi seni itu sendiri. Seniman dari seluruh dunia telah menantang gagasan yang terbentuk sebelumnya tentang apa itu seni; benda-benda rumah tangga, peralatan, dan bahkan hewan mati di antara pameran baru-baru ini. Dari Salvador Dali hingga Marcel Duchamp, inilah 5 karya seni unik yang memecahkan cetakan untuk menjadi seni.

5 Karya Seni yang Sangat Terkenal dan Unik Sepanjang Masa

5-karya-seni-yang-sangat-terkenal-dan-unik-sepanjang-masa2

 Baca Juga : 9 Seniman Amerika Paling Terkenal Dengan Karyannya

1. ‘Waste Not’ dari Song Dong (2005)

mybabyjo – Lebih dari sepuluh ribu benda memenuhi ruangan. The instalasi seni berisi semua yang Anda harapkan untuk menemukan di sebuah rumah rata-rata: sepatu, panci dan wajan, frame tempat tidur, kursi, payung, dan televisi untuk beberapa nama. Itu karena karya seni unik ini secara harfiah memiliki semua harta benda dari rumah orang kebanyakan. Dan siapa orang itu? Ibu artis. Dibuat oleh seniman konseptual Cina, ‘Waste Not’ adalah koleksi barang-barang penimbun yang diperoleh ibunya selama lima dekade. Beberapa item bahkan dapat digambarkan sebagai sampah, kantong plastik, potongan sabun, botol air kosong, dan tabung pasta gigi semuanya termasuk, sementara yang lain adalah objek yang sangat pribadi dan sentimental, seperti bingkai rumah tempat sang seniman dilahirkan.

Dibuat pada tahun 2005, karya seni unik ini merupakan kolaborasi antara seniman, Song Dong, dan ibunya, Zhao Xiangyuan, yang dimaksudkan untuk mengatasi kesedihan yang mereka hadapi setelah meninggalnya ayah Dong. Setelah kematian suaminya, kecenderungan Zhao untuk menyimpan barang atas nama berhemat dengan cepat menjadi obsesi penimbunan. Rumahnya dipenuhi dengan benda-benda ini, yang sebagian besar tidak berguna sama sekali.

Ketika putranya mempertanyakan tindakannya, dia menjawab , “Jika saya mengisi ruangan, hal-hal itu mengingatkan saya pada ayahmu.” Item diurutkan, objek serupa dikelompokkan bersama dan ditumpuk dengan cermat menjadi tumpukan. Instalasinya mencengangkan, koleksi besar-besaran seindah itu besar. Kekaguman visual dari karya tersebut hanya dilampaui oleh pengetahuan bahwa setiap item dibeli dan disimpan oleh Zhao.

Salah satu bagian paling pribadi dari koleksi itu adalah sabun cuci yang diberikan dari Zhao kepada putranya sebagai hadiah pernikahan. Ketika Song Dong memberi tahu ibunya bahwa dia tidak membutuhkan sabun karena dia menggunakan mesin cuci, dia memutuskan untuk menyimpannya atas namanya , sebuah isyarat yang menunjukkan kepada Dong bahwa itu lebih dari sekadar sabun baginya. Setiap objek membawa serta serangkaian emosi dan makna yang kompleks, semua mengikat kembali ke satu orang.

Zhao meninggal pada tahun 2009, empat tahun setelah selesainya karya seni tersebut. Bahkan setelah kematiannya, karya itu menyimpan kesedihan, rasa sakit, perhatian, dan cintanya. Saat ini sedang dipamerkan di New York City di Museum of Modern Art.

2. ‘Telepon Lobster’ Salvador Dalí dan Edward James (1938)

‘Telepon Lobster’ persis seperti apa bunyinya: telepon putar hitam dengan lobster sebagai handsetnya. Dibuat pada tahun 1938, karya seni unik ini seluruhnya terbuat dari baja, plester, karet, kertas, dan resin; tampilan klasik surealisme Salvador Dalí . Karya seni yang unik dibuat untuk Edward James, seorang kolektor seni Inggris, dan penyair. Telepon itu sepenuhnya berfungsi , ekornya dibuat agar pas di atas penerima.

Lobster dan telepon bukanlah motif yang tidak biasa dalam karya Salvador Dalí . Sebuah telepon muncul dalam lukisan yang dia buat pada tahun yang sama berjudul ‘Mountain Lake’, dan lobster digunakan dalam karya multimedia yang disebut ‘The Dream of Venus’. Keduanya berfoto bersama dalam gambar Salvador Dalí yang diterbitkan di majalah ‘American Weekly’ pada tahun 1935. Gambar itu menunjukkan seorang pria yang ketakutan mendapati dirinya dengan lobster di tangan setelah meraih telepon, sebuah ide yang tampaknya tetap ada di Salvador pikiran Dali selama bertahun-tahun sesudahnya.

Banyak versi objek yang dibuat, beberapa menampilkan lobster yang dicat putih dan yang lainnya lobster dicat merah. Dalam beberapa pameran konsep di akhir 1930-an, lobster hidup digunakan. Salvador Dalí tampaknya mengasosiasikan lobster dengan erotisme , membentuk mereka di atas alat kelamin perempuan di ‘The Dream of Venus’ dan memberi judul tampilan pameran lobster hidup ‘Aphrodisiac Telephone’. Karya seni unik ini sekarang dipajang di Galeri Seni Modern Nasional Skotlandia di Edinburgh.

3. Tracey Emin’s ‘My Bed’ (1998)

Tempat tidur yang berantakan dengan seprai yang menggumpal di ujungnya. Piring kertas, tisu, pakaian kotor, bungkus rokok, dan botol vodka di sebelahnya. Bagi sebagian orang, ini mungkin pemandangan yang terlalu familiar, tetapi pada tahun 1998, seorang seniman menampilkannya sebagai sebuah karya seni yang unik. Tracey Emin adalah seniman Inggris yang lahir pada tahun 1963 yang dikenal karena karyanya yang sangat pribadi, hampir seperti pengakuan dosa, menggunakan berbagai media untuk membagikan pesannya.

Sang seniman memikirkan ide untuk karya seni unik ini sambil duduk di tempat tidurnya setelah putus cinta yang buruk , menyadari betapa gambar yang menyakitkan hanya sesuatu yang mendasar seperti tempat tidurnya yang dilukis dari hidupnya. Sementara beberapa kritikus dan pecinta seni memuji Emin atas kerentanannya, dia menerima banyak reaksi untuk ‘My Bed’, beberapa mengklaim bahwa itu egois, menjijikkan, atau bahkan itu bukan seni nyata. Terlepas dari kritik keras, beberapa orang menyebut Emin dan karyanya sebagai feminis yang berani, mengklaim bahwa karya tersebut menyoroti kebenaran menyakitkan yang ada di dalam kamar tidur jutaan wanita di seluruh dunia.

Emin didiagnosis menderita kanker pada musim semi 2020 dan menjalani berbagai operasi dan perawatan di musim panas. Bahkan saat berjuang melawan penyakitnya, Emin tetap jujur ​​secara brutal melalui seninya, setelah membahas topik-topik seperti trauma, pemerkosaan, dan aborsi sepanjang karirnya, dan menyatakan bahwa karya terbaiknya masih dalam perjalanan.

4. Marcel Duchamp’s In Advance of The Broken Arm’ (1964)

Sekop salju, hanya terdiri dari kayu dan besi, tergantung di langit-langit. Ya itu betul. Marcel Duchamp menciptakan ‘In Advance of The Broken Arm’ dalam serangkaian karya seni unik dari benda-benda duniawi dan praktis. Dengan sejumlah karyanya, Duchamp menantang gagasan bahwa seniman harus memiliki keterampilan yang luar biasa atau bahkan karya seni harus langsung dibuat oleh seniman. Marcel Duchamp menekankan maksud di balik seni, tindakan menyorotkan sorotan pada suatu barang, menetapkannya sebagai seni, dan menampilkannya untuk dilihat semua orang. Sikap ini tercermin dalam banyak karya seni populer dan unik saat itu, seperti ‘Campbell’s Soup Cans’ karya Andy Warhol , serangkaian 32 lukisan terkenal yang menggambarkan label kaleng sup sehari – hari . Potongan sepertiWarhol tidak memberi penonton pilihan selain bertanya-tanya tentang cara kerja pikiran seniman, dan sekop salju Duchamp tidak berbeda.

Marcel Duchamp juga menentang gagasan bahwa keindahan adalah karakteristik seni yang diperlukan, merongrong banyak gagasan umum tentang definisi seni itu sendiri. “ Sebuah objek biasa,” jelas Duchamp, dapat “diangkat ke martabat sebuah karya seni hanya dengan pilihan senimannya.” Dalam versi pertama dari potongan dibuat pada tahun 1915, Marcel Duchamp termasuk frase “Dari Duchamp” pada akhir judul, menunjukkan bahwa karya seni tidak dibuat oleh dia, tapi konsep yang datang dari dia.

Judul karya seni yang unik secara komedi mengacu pada penggunaan sekop salju, menyiratkan bahwa tanpa alat itu, seseorang mungkin jatuh dan mematahkan lengannya saat berusaha mengeluarkan salju. Karya seni unik seperti karya Marcel Duchamp memiliki dampak yang tak terbantahkan pada evolusi seni dan banyak gerakannya. Inspirasi dari Marcel Duchamp dan seniman-seniman yang serupa dengannya masih dapat dilihat dalam karya seni yang diciptakan hari ini, lebih dari lima puluh tahun setelah penciptaan ‘In Advance of The Broken Arm’. Karya tersebut saat ini menjadi bagian dari koleksi Museum Seni Modern.

5. Damien Hirst’s ‘Kemustahilan Fisik Kematian dalam Pikiran Seseorang yang Hidup’ (1991)

Hanya menggunakan kaca, baja, formaldehida, silikon, dan sedikit monofilamen, seniman Inggris Damien Hirst mengawetkan hiu macan mati dalam kotak putih dan memamerkannya sebagai karya seni. Hewan itu disuspensikan dalam larutan formaldehida berwarna biru, dibingkai oleh baja putih, dengan kolom di setiap sisi yang membagi kotak menjadi tiga. Hiu setinggi tiga belas kaki itu menatap lurus ke depan, giginya terbuka, siap menyerang. Berdiri di ketinggian lebih dari tujuh kaki, tangki memiliki berat total dua puluh tiga ton.

Awalnya ditampilkan dalam pameran ‘ Artis Muda Inggris ‘ Galeri Saatchi yang pertama di London, patung itu menarik perhatian besar dari pers dan mendorong batas-batas seni kontemporer. Hirst menginginkan lebih dari sekadar citra hiu, “Saya tidak hanya menginginkan kotak lampu, atau lukisan hiu,” jelasnya, mengungkapkan bahwa dia menginginkan sesuatu yang “cukup nyata untuk menakuti Anda.” Dengan memperkenalkan penonton pada pemandangan yang begitu mengkhawatirkan di tengah jalan galeri mereka yang damai, Hirst memaksa penontonnya untuk menghadapi hal yang tak terhindarkan. “Kamu mencoba dan menghindari kematian, tetapi itu adalah hal besar yang tidak bisa kamu lakukan. Itu hal yang menakutkan bukan?” kata artis itu. Kematian adalah tema umum dalam karya Hirst, sejumlah hewan mati termasuk domba dan sapi ditampilkan dalam karya-karyanya yang lain.

Bahkan dengan hiu tepat di depan penonton, rahangnya diposisikan sempurna dalam persiapan untuk menggigit, sepenuhnya memahami kematian dan keabadiannya tetap menjadi tantangan. Realitas seekor hewan yang mengancam kehidupan manusia, hewan yang sudah mati, dengan pengetahuan bahwa hiu itu pernah hidup, dan bahwa ia tetap hampir terpelihara dengan sempurna memaksa kita untuk menghadapi kematian kita sendiri. Namun, apakah karya tersebut gagal menyelesaikan tugas itu dengan sukses atau tidak, masih diperdebatkan.

T he New York Times menulis pada tahun 2007 bahwa “Mr. Hirst sering bertujuan untuk menggoreng pikiran (dan meleset lebih dari yang dia pukul), tetapi dia melakukannya dengan menyiapkan pengalaman langsung yang seringkali mendalam, di mana hiu tetap paling menonjol. Sesuai dengan judul karya tersebut, hiu secara bersamaan menjelma hidup dan mati dengan cara yang tidak dapat Anda pahami sampai Anda melihatnya, tergantung dan diam, di dalam tangkinya.”

Warisan Karya Seni Unik

Karya seni yang tidak biasa dan out-of-the-box seperti karya Tracey Emin dan Song Dong memiliki dampak yang signifikan pada dunia seni. Dengan menantang gagasan tentang apa itu seni, para seniman ini telah membuka kemungkinan baru bagi seniman di mana-mana. Sementara beberapa orang mungkin mencemooh seni kontemporer , pertunjukan bakat yang mengesankan yang ditampilkan di museum tidak hanya mencakup istilah umum ‘seni’. Sering dikatakan oleh mereka yang kritis terhadap seni kontemporer bahwa karya seni tidak boleh dipajang di museum jika seseorang dengan kemampuan artistik rata-rata dapat meniru karya tersebut, tetapi gagasan itu masih menyisakan pertanyaan mengapa di atas meja.

Seni non-tradisional tidak membiarkan penonton pergi begitu saja tanpa terlebih dahulu mempertimbangkan maksud dari seniman di balik setiap karya. Lebih dari segalanya, karya seni unik menyoroti tujuan yang ada dalam pikiran setiap seniman, pengakuan intim dari seniman kepada pemirsa yang jauh melampaui bahan fisik yang digunakan untuk membuat karya tersebut.

9 Seniman Amerika Paling Terkenal Dengan Karyannya

9-seniman-amerika-paling-terkenal-dengan-karyannya

9 Seniman Amerika Paling Terkenal Dengan Karyannya – Gaya awal seniman Amerika terutama didasarkan pada lukisan Inggris. Meskipun tidak semuanya seniman Amerika baru terkenal pada abad ke-19, dan pada abad ke-20 Amerika Serikat mulai memiliki pengaruh besar di dunia seni internasional. Gerakan seni rupa terkemuka pertama di Amerika Serikat adalah Realisme , yang menggambarkan realitas sosial kontemporer dan kehidupan orang-orang biasa .

9 Seniman Amerika Paling Terkenal Dengan Karyannya9-seniman-amerika-paling-terkenal-dengan-karyannya

Baca Juga : 9 Seniman Spanyol Paling Terkenal

mybabyjo – Abstrak Ekspresionisme adalah gerakan khusus Amerika pertama yang mencapai pengaruh internasional . Ini menekankan pada penyampaian konten yang emosional atau ekspresif kuat melalui abstraksi . Diikuti oleh gerakan Pop Art, yang ditandai dengan penggunaan citra yang dapat dikenali dari budaya populer seperti iklan, selebriti, dan karakter buku komik. AS juga memainkan peran utama dalam M odernism, Neo-Ekspresionisme dan Graffiti Art .

Banyak seniman paling terkenal dari era modern yang berasal dari Amerika Serikat termasuk Modernis Georgia O’Keeffe , Realis Edward Hopper , Ekspresionis Abstrak Jackson Pollock , Artis Pop Andy Warhol dan Artis Graffiti Keith Haring . Ketahui lebih banyak tentang seni visual Amerika Serikat melalui 9 seniman Amerika paling terkenal dan mahakarya mereka.

9 JACKSON POLLOCK

Lukisan tetes adalah bentuk seni abstrak di mana cat diteteskan atau dituangkan ke kanvas, bukan diaplikasikan dengan hati-hati . Jackson Pollock adalah praktisi lukisan tetes paling terkenal sampai-sampai ia dijuluki “Jack the Dripper” oleh majalah TIME . Teknik menuangkan dan meneteskan cat Pollock mempopulerkan istilah lukisan aksi , sebuah metode di mana tindakan fisik melukis itu sendiri merupakan aspek penting dari karya jadi . Karyanya yang paling terkenal termasuk Blue Poles , yang dibeli oleh Galeri Nasional Australia pada tahun 1973 seharga A$1,3 juta, rekor dunia saat itu untuk lukisan Amerika kontemporer ; dan N0. 5, 1948, yang meraih rekor dunia untuk harga tertinggi yang dihargai untuk sebuah lukisan ketika dijual dengan harga $140 juta . Jackson P0ll0ck adalah tokoh utama dari gerakan Abstrak Ekspresi0nisme .  seniman abstrak Amerika paling terkenal dan salah satu tokoh seni abad ke-20 yang luar biasa .

Karya: Nomor 5, 1948

Karya Terkenal Lainnya:-

Nomor 11, 1952 (Tiang Biru)

Satu: Nomor 31, 1950

8. GEORGIA O’KEEFFE

Modernisme Amerika adalah gerakan seni dan budaya yang memuncak antara dua Perang Dunia. Itu ditandai dengan keberangkatan yang disengaja dari tradisi dan penggunaan bentuk ekspresi yang inovatif . Georgia O’Keeffe menjadi tokoh terkemuka dalam Modernisme Amerika dengan menantang batas-batas gaya artistik dengan lukisannya, yang menggabungkan abstraksi dan representasi. Dia paling terkenal karena close-up bunganya yang besar dan sensual yang pada dasarnya menjadikan karya abstrak. Georgia O’Keeffe sangat signifikan dalam mempengaruhi keseimbangan gender dalam kancah seni. Dikenal sebagai ” Ibu Modernisme Amerika “, dia bukan hanya wanita paling terkenalSeniman Amerika tetapi juga salah satu tokoh seni abad ke-20 yang paling berpengaruh . Dia dianugerahi Presidential Medal of Freedom pada tahun 1977 .

Karya: Iris Hitam III (19 26 )

Karya Terkenal Lainnya:-

Tengkorak Sapi: Merah, Putih, dan Biru (1931)

Gedung Radiator — Malam, New York (1927)

7. KEITH HARING

Keith Haring diperkenalkan pada seni sejak usia dini oleh ayahnya, yang melakukan kartun sebagai hobi. Pada tahun 1978, Haring tiba di New York dan menyadari perkembangan seni grafiti bawah tanah di sana. Dia menghasilkan ribuan gambar publik dan menjadi salah satu seniman grafiti paling terkenal . Dia juga ditangkap karena vandalisme pada banyak kesempatan. Seiring dengan meningkatnya minat publik terhadap seninya, Haring mengadakan pameran tunggal pertamanya pada tahun 1981. Sepanjang tahun 1980-an ia menghasilkan puluhan mural dan karya umum di seluruh dunia , termasuk di Eropa, Amerika Selatan dan Australia. Lambat laun bahkan perusahaan seni rupa pun harus mengakui bakatnya. Keith Haring membawa elemen dari apa yang disebut sebagai “seni rendah” ke yang sebelumnya eksklusifruang museum dan galeri “seni tinggi” . Karya seninya dikenal sederhana namun mengandung tema yang lebih dalam tentang kelahiran, kematian, cinta, seksualitas, perang, dan harmoni sosial.

Karya: Crack is Wack (1986)

Karya Abstrak Terkenal Lainnya: –

Tuttomondo (1989)

Afrika Selatan Bebas (1985)

6 ALEXANDER CALDER

Salah satu pematung paling berpengaruh di abad kedua puluh dan mungkin pematung Amerika yang paling terkenal , Alexander Calder terkenal dengan penemuannya tentang ponsel , sebuah patung abstrak yang bergerak sebagai respons terhadap sentuhan atau arus udara dengan memanfaatkan prinsip keseimbangan . Selain ponsel, Calder membuat patung statis yang disebut kandang kuda , patung kawat, mainan, set teater, lukisan dalam minyak dan guas, dan bahkan perhiasan dan banyak benda rumah tangga. Calder juga menciptakan patung-patung monumental termasuk .125 untuk Bandara JFK di New York City pada tahun 1957; Spiral untuk UNESCO di Paris pada tahun berikutnya; dan patung terbesarnya El Sol Rojo pada tahun 1968 di luar Stadion Aztec untuk Pertandingan Olimpiade Musim Panas New Mexico . Dua bulan setelah kematiannya pada November 1976 , Alexander Calder dianugerahi Presidential Medal of Freedom , yang kehormatan sipil tertinggi di Amerika Serikat .

Karya Agung: Sirkus Calder (1926-1931)

Karya Terkenal Lainnya:-

Flamingo (1974)

Perangkap Lobster dan Ekor Ikan (1939)

5 NORMAN ROCKWELL

Norman Rockwell adalah seorang seniman yang produktif, menghasilkan lebih dari 4.000 karya asli dalam hidupnya. Sebagian besar karyanya dibuat sebagai ilustrasi sampul majalah The Saturday Evening Post , dan kemudian majalah Look . Rockwell paling terkenal dengan ilustrasinya tentang kehidupan sehari-hari ; untuk menangkap semangat kota kecil Amerika ; dan untuk penggambaran patriotiknya selama Perang Dunia II . Pada tahun 1943, ia menciptakan empat lukisan yang sesuai dengan empat kebebasan yang disebutkan oleh Presiden AS Franklin D. Roosevelt dalam pidatonya yang terkenal pada tahun 1941. Lukisan; Kebebasan Berbicara, Kebebasan Beribadah, Kebebasan dari Keinginandan Bebas dari Ketakutan ; adalah di antara karya-karyanya yang paling terkenal. Rockwell tidak mendapatkan pujian kritis dengan kritikus seni yang tidak menganggapnya sebagai “pelukis yang serius” . Namun, dia adalah artis komersial paling terkenal dan populer di Amerika pada pertengahan abad ke-20 .

Karya: Empat seri Kebebasan (194 3 )

Karya Terkenal Lainnya:-

Masalah yang Kita Semua Hadapi (1964)

Rosie the Riveter (1943)

4 JEAN-MICHEL BASQUIAT

Tunawisma dan pengangguran, Jean-Michel Basquiat memulai karirnya sebagai seniman grafiti . Gerakan seni grafiti mencapai puncaknya di AS pada akhir 1970-an dan awal 1980-an . Pada tahun 1976, Basquiat dan temannya Al Diaz mulai melukis grafiti di gedung-gedung di Lower Manhattan. Mereka menggunakan nama samaran SAMO , akronim untuk “Sialan Lama yang Sama” . SAMO segera mendapat perhatian media tetapi duo ini berpisah dan proyek tersebut berakhir pada 1979. Pada awal 1980-an, Basquiat dengan cepat naik menjadi salah satu artis paling terkenal di Amerika Serikat. Seninya berfokus pada “dikotomi sugestif”, seperti kekayaan versus kemiskinan, integrasi versus segregasi, dan pengalaman batin versus luar. Jean-Michel Basquiat mungkin adalah seniman Amerika paling terkenal dari gerakan Neo-ekspresionisme , yang dicirikan oleh subjektivitas yang intens dan penanganan material yang kasar . Dia meninggal karena overdosis heroin pada usia 27 tahun.

Karya: Scull (1981)

Karya Terkenal Lainnya:-

Terompet (1984)

Fleksibel (1982)

 Baca Juga : Warisan Ikon Budaya Seni Jean-Michel Basquiat

3 ROY LICHTENSTEIN

Roy Lichtenstein awalnya bekerja di Kubisme & Ekspresionisme Abstrak sebelum ke Pop Art. Pertama kali karyanya dipamerkan, ia disebut peniru oleh banyak kritikus seni karena karyanya sangat mirip dengan aslinya . Majalah Life bahkan sampai menerbitkan sebuah artikel yang judulnya menanyakan “Apakah Dia Artis Terburuk di AS?” Para seniman menanggapi dengan mengatakan, “Semakin dekat karya saya dengan aslinya, semakin mengancam dan kritis isinya” . Seiring waktu, Roy Lichtenstein menjadi salah satu seniman terkemuka dari gerakan Pop Art , yang mendominasi dunia seni Amerika. Karya-karyanya yang paling terkenal,biasanya terinspirasi oleh iklan populer dan komik strip , telah menjadi gambar ikon dari gerakan tersebut.

Karya: Wah! (1963)

Karya Terkenal Lainnya:-

Gadis Tenggelam (1963)

Oh, Jeff…Aku juga mencintaimu…Tapi… (1964)

2 EDWARD HOPPER

Seni Edward Hopper ditandai dengan tindakan minimal dengan hampir tidak ada tanda-tanda kehidupan dan mobilitas ; dan penggunaan sarana dramatis untuk menunjukkan keadaan psikologis subjeknya . Individu Hopper, biasanya digambarkan terisolasi dan terputus dari lingkungan mereka, mengungkapkan kesendirian kehidupan modern. Lebih dari itu, ia memaksa penontonnya untuk berperan aktif dalam melengkapi narasi karya-karyanya . Hal ini sangat berpengaruh bagi dunia seni rupa karena melahirkan gerakan seni rupa di mana peran utama dalam memahami karya seni diserahkan kepada penontonnya . The paling terkenal pelukis realis Amerika , Edward Hopper telah dikatakan telah dicatpotret Amerika abad kedua puluh yang lebih mengungkapkan daripada artis lainnya . Karyanya Nighthawks adalah salah satu lukisan yang paling dikenal dalam sejarah seni Amerika .

Karya: Nighthawks (1942)

Karya Terkenal Lainnya:-

Otomatis (1927)

Film New York (1939)

1 ANDY WARHOL

Terlahir sebagai Andrew Warhola , Andy Warhol adalah artis paling terkenal dan paling berpengaruh dari gerakan Pop Art sampai-sampai ia dikenal sebagai “Pope of Pop” . Gaya non-lukisan dan aspek komersial lukisannya pada awalnya menyinggung karena menghina teknik dan filosofi ekspresionisme abstrak, gaya yang saat itu dominan di Amerika Serikat. Karya-karyanya menciptakan kegemparan di dunia seni Amerika dan kontroversi yang dihasilkan membuat Warhol menjadi nama rumah tangga. Warhol adalah seorang seniman yang produktif dan ia menjelajahi berbagai media termasuk lukisan, sablon, fotografi, film dan patung . Lukisan-lukisannya adalahantara yang paling mahal yang pernah dijual . Harga tertinggi yang dibayar untuk sebuah lukisan Warhol adalah US$105 juta untuk sebuah kanvas tahun 1963 berjudul Silver Car Crash , sedangkan jika disesuaikan dengan inflasi, lukisannya yang paling mahal adalah Eight Elvises seharga US$111,2 . Meskipun banyak yang masih meragukan kehebatan karyanya, Andy Warhol tidak diragukan lagi adalah artis Amerika paling terkenal .

Karya: Marilyn Diptych (1962)

Karya Terkenal Lainnya:-

Kaleng Sup Campbell (1962)

Delapan Elvis (1963)

9 Seniman Spanyol Paling Terkenal

9-seniman-spanyol-paling-terkenal

9 Seniman Spanyol Paling Terkenal – Spanyol memiliki tradisi yang kaya dalam seni dan telah memainkan peran utama dalam sejarah lukisan barat. Zaman Keemasan Spanyol adalah periode dari awal abad ke -16 hingga akhir abad ke-17 di mana bangsa ini berkembang pesat dalam seni dan sastra; dan, antara lain, menjadi kontributor penting bagi dunia seni Eropa. Seniman paling terkenal di era ini adalah El Greco, Diego Velazquez, Zurbaran dan Murillo . Francisco Goya , seniman Spanyol paling penting pada akhir abad ke-18 dan awal abad ke-19, sering dianggap sebagai yang terakhir dari Old Masters dan yang pertama dari modern. . Seniman Spanyol memiliki dampak besar pada seni modern dengan beberapa seniman paling berpengaruh di era modern termasuk Pablo Picasso dan Salvador Dali semuanya berasal dari Spanyol. Ketahui lebih banyak tentang kontribusi Spanyol bagi dunia seni dengan mengetahui 9 seniman Spanyol paling terkenal.

9 Seniman Spanyol Paling Terkenal

9-seniman-spanyol-paling-terkenal

 Baca Juga : 7 Pelukis Paling Terkenal di Belanda

9 FRANCISCO DE ZURBARÁN

mybabyjo – Chiaroscuro adalah teknik artistik yang pertama kali dikembangkan selama Renaissance di Italia. Hal ini ditandai dengan penggunaan kontras warna yang kuat antara terang dan gelap untuk memodelkan bentuk tiga dimensi, seringkali untuk efek dramatis . Francisco Zurbarán dikenal karena penggunaan chiaroscuro yang realistis dan kuat dalam lukisannya. Dia mengabdikan diri pada ekspresi artistik agama dan iman ; dan sebagian besar karyanya yang paling terkenal adalah lukisan religius yang mampu membangkitkan perasaan pengabdian yang intens. Dia juga menciptakan beberapa lukisan benda mati termasuk karya terkenal Still-life with Lemons, Oranges and Rose . Bersama dengan El Greco danDiego Velázquez , Zurbaran adalah salah satu seniman paling terkenal dari Zaman Keemasan Spanyol .

8 JUAN GRIS

Juan Gris adalah salah satu tokoh paling terkenal dari gerakan seni Kubisme , sebuah gerakan berpengaruh yang merevolusi lukisan dan patung Eropa. Dalam Kubisme karya seni dianalisis, dipecah dan disusun kembali dalam bentuk abstrak ; juga digambarkan dari banyak sudut pandang untuk mewakili subjek dalam konteks yang lebih besar . Tidak seperti Picasso yang karya-karya Kubismenya praktis monokromatik; Gris menciptakan lukisan dan pahatannya dengan warna-warna cerah yang harmonis dalam kombinasi baru yang berani. Dia kemudian beralih ke Crystal Cubism yang menekankan pada aktivitas permukaan datar dan bidang geometris besar yang tumpang tindih . Juan Gris adalah seniman Kubisme Spanyol paling terkenal setelah Picasso dan dia menciptakan beberapa karya gerakan yang paling penting.

7 BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO

Sebelum apresiasi seni Velazquez, Zurbaran dan El Greco pada abad ke-19; Murillo adalah pelukis Spanyol paling terkenal . Dia tidak hanya pelukis paling terkenal di Spanyol tetapi juga salah satu seniman paling terkenal di seluruh Eropa . Dia memiliki banyak murid dan pengikut yang tak terhitung banyaknya; dan lukisannya adalah karya seni Spanyol yang paling berharga. Esteban Murillo paling dikenal karena lukisan religiusnya, tetapi dia juga menciptakan sejumlah lukisan realis yang hidup tentang gadis-gadis bunga, anak jalanan, dll. yang memberikan catatan menawan tentang kehidupan sehari-hari pada masanya. Gayanya ditandai dengan manis dan sentimentalitas yang kontras dengan seni yang lebih gelap dari orang-orang sezamannya.

6 JOAQUÍN SOROLLA

Impresionisme adalah gerakan seni berpengaruh yang berasal dari Prancis dan ditandai dengan sapuan kuas yang khas, warna-warna cerah, subjek biasa, pose candid, dan yang terpenting , penekanan pada penggambaran cahaya yang akurat . Sorolla unggul dalam representasi cekatan dari orang-orang dan lanskap di bawah sinar matahari dari tanah kelahirannya, sehingga mencerminkan semangat Impresionisme dalam banyak lukisannya. Dia adalah salah satu pelukis Spanyol yang paling produktif. Dia menciptakan lebih dari 2000 lukisan , terutama potret; lanskap; dan karya-karya monumental bertema sosial dan sejarah. Joaquín Sorolla adalah salah satu seniman Spanyol terkemuka pada masanya dan dia mungkinpelukis Spanyol paling terkenal yang terkait dengan Impresionisme .

5 EL GRECO

Terlahir sebagai Doménikos Theotokópoulos di sebuah pulau di Yunani saat ini , El Greco mendapatkan nama populernya karena asal Yunaninya . Setelah membangun karir awal di Italia, ia bermigrasi ke Spanyol pada tahun 1577 , di mana ia menghasilkan karya-karya dewasanya. El Greco unggul sebagai pelukis mata pelajaran agama tetapi juga mahir dalam potret dan lanskap. Seninya dianggap sebagai cikal bakal Ekspresionisme dan Kubisme ; dan begitu individualistis sehingga sejarawan seni berjuang untuk menempatkannya di sekolah konvensional mana pun . Karya besarnya, Pemakaman Pangeran Orgaz, adalah contoh utama Mannerisme, menggambarkan pengalaman visioner dan berisi serangkaian potret yang mengesankan. Hal ini dilihat oleh kritikus seni sebagai penyatuan semua atribut luar biasa dari seninya .

 Baca Juga : Seni Modern Serta Perkembangan dan Gagasan

4 DIEGO VELÁZQUEZ

Diego Velazquez adalah seorang pelukis penting pada masanya dan seniman terkemuka di istana Raja Philip IV dari Spanyol . Namun, popularitasnya menyebar ke luar Spanyol hanya pada awal abad ke-19 ketika karya seninya menjadi model bagi pelukis realis dan impresionis. Sejak itu Velazquez telah dianggap sebagai salah satu pelukis paling berpengaruh dalam sejarah Eropa dan seniman modern terkenal, termasuk Pablo Picasso, Salvador Dalí dan Francis Bacon , telah memberikan penghormatan kepadanya dengan menciptakan kembali beberapa karyanya yang terkenal. Mahakarya Velazquez, Las Meninas , telah digambarkan untuk mewakili “teologi lukisan” dan”filosofi seni yang sebenarnya” oleh seniman terkenal.

3 FRANCISCO GOYA

Francisco Goya menjadi terkenal di kancah artistik melalui serangkaian kartun permadani dan menjadi pelukis istana untuk Mahkota Spanyol. Dia kemudian mengembangkan kegemaran untuk penggambaran alam gelap yang dia paling dikenal saat ini . Dikenal sebagai Lukisan Hitamnya , lukisan-lukisan itu menggambarkan tema-tema yang intens dan menghantui, yang mencerminkan ketakutannya akan kegilaan dan pandangannya yang suram tentang kemanusiaan. Goya terkenal dengan elemen yang sangat imajinatif dalam seninya dan penggunaan cat yang berani . Gayanya menjadi inspirasi bagi seniman generasi selanjutnya. Francisco Goya yang dianggap sebagai seniman Spanyol paling penting di akhir abad ke-18 & awal abad ke-19 ; dan salah satu pelukis besar zaman modern.

2 SALVADOR DALÍ

Salvador Dali adalah seniman terkemuka dari gerakan Surealisme dan dia menciptakan mahakarya seni surealis yang paling terkenal. Kontribusinya pada lukisan surealis menggunakan metode paranoiac-kritis ; di mana seniman  memasuki alam bawah sadarnya melalui pemikiran irasional sistematis & keadaan paranoid yang diinduksi sendiri. Terkenal karena gambarnya yang mencolok dan aneh , Dali menggunakan simbolisme yang luas dalam karyanya. Gambar berulang dalam lukisannya merupakan gajah dengan kaki rapuh yang membangkitkan bobot; semut , dianggap sebagai simbol pembusukan & kepunahan; dan jam tangan yang meleleh , mungkin simbol dari persepsi manusia yang non-linear tentang waktu. Salvador Dali adalahsalah satu tokoh paling berpengaruh dalam seni modern dan mungkin pelukis abad ke-20 paling terkenal setelah Pablo Picasso .

1 PABLO PICASSO

Menunjukkan bakat artistik yang luar biasa di tahun-tahun awalnya, Pablo Picasso kemudian menjadi seniman paling berpengaruh di abad ke-20 . Dia mematahkan praktik masa lalu dan mempelopori gerakan seni Kubisme yang merevolusi lukisan dan patung Eropa. Gayanya berubah selama karirnya saat ia bereksperimen dengan berbagai teori, teknik, dan ide. Picasso adalah seniman yang produktif dan, selain menciptakan banyak karya di media lain, ia membuat sekitar 1900 lukisan dalam karirnya yang panjang. Tidak ada artis yang setenar dia selama hidupnya . Beberapa lukisannya termasuk yang paling mahal yang pernah dijualtetapi karya-karyanya yang paling terkenal umumnya dipegang oleh museum. Pablo Picasso tidak diragukan lagi adalah seniman Spanyol paling terkenal dan banyak yang menganggapnya sebagai pelukis terhebat sepanjang masa .