Review FIlm The Lost Leonardo (2021)

Film The Lost Leonardo, yang dirilis pada tahun 2021, merupakan sebuah dokumenter yang membingkai kisah luar biasa tentang sebuah lukisan yang menciptakan gelombang kontroversi dan kejutan dalam dunia seni. Dalam artikel ini, kita akan menggali lebih dalam tentang film ini, mengungkapkan cerita di balik lukisan yang kontroversial, dan membahas dampaknya terhadap dunia seni.

The Lost Leonardo berkisah tentang sebuah lukisan yang ditemukan kembali pada tahun 2005. Lukisan ini menggambarkan Yesus Kristus sebagai Salvator Mundi (Penyelamat Dunia) dan diperkirakan sebagai karya Leonardo da Vinci. Dalam sejarah seni, Leonardo da Vinci adalah salah satu seniman paling terkenal, yang dikenal karena karya-karya ikoniknya seperti Mona Lisa dan The Last Supper. Oleh karena itu, jika lukisan ini benar-benar adalah karya da Vinci, itu akan menjadi penemuan seni yang sangat berharga.

Namun, segera setelah lukisan ini muncul, muncul keraguan tentang keasliannya. Lukisan tersebut dalam kondisi buruk dan memerlukan restorasi yang sangat ekstensif. Dalam film The Lost Leonardo, kita mengikuti perjalanan lukisan ini mulai dari penemuan awal hingga upaya restorasi dan penelitian yang dilakukan untuk membuktikan atau membantah keaslian lukisan tersebut.

Salah satu aspek paling mencengangkan dari kisah The Lost Leonardo adalah sejauh mana kontroversi yang melingkupi lukisan Salvator Mundi. Sejumlah ahli seni dan peneliti mendukung klaim bahwa lukisan tersebut adalah karya Leonardo da Vinci. Mereka merujuk pada teknik dan elemen dalam lukisan yang mereka yakini merupakan bukti autentisitas.

Namun, ada juga banyak yang meragukan keaslian lukisan ini. Beberapa ahli seni menyoroti perubahan-perubahan dalam lukisan yang mungkin telah dilakukan oleh seniman lain. Selain itu, ada pertanyaan tentang bagaimana lukisan ini muncul di pasar seni setelah bertahun-tahun hilang dari perhatian publik. Dalam film ini, penonton dari https://nontonfilm88.co dapat melihat berbagai teori dan spekulasi yang berkembang seputar lukisan Salvator Mundi.

Film The Lost Leonardo menggambarkan bagaimana lukisan ini ditemukan dan apa yang terjadi setelahnya. Lukisan ini awalnya ditemukan oleh seorang kolektor barang bekas di sebuah lelang di Amerika Serikat. Kolektor ini menghabiskan sejumlah uang yang relatif kecil untuk membeli lukisan yang awalnya dianggap sebagai karya tua yang rusak parah.

Namun, segera setelah penemuan itu, usaha restorasi dimulai. Lukisan tersebut telah mengalami berbagai perubahan dan kerusakan selama bertahun-tahun, dan proses restorasi menjadi sebuah tantangan besar. Para ahli seni dan restorator bekerja keras untuk mengembalikan keindahan lukisan tersebut.

Salah satu tokoh sentral dalam film ini adalah Christopher Apostle, seorang kolektor seni yang memainkan peran penting dalam penemuan dan perawatan lukisan Salvator Mundi. Christopher Apostle membeli lukisan ini dalam lelang dan kemudian mendukung usaha restorasi dan penelitian untuk membuktikan keaslian lukisan tersebut.

Peran Apostle dalam film ini mencerminkan dedikasinya terhadap seni dan tekadnya untuk mengungkap misteri di balik lukisan ini. Ia adalah salah satu figur yang paling kuat dalam perjalanan lukisan Salvator Mundi dari temuan awal hingga pameran publik.

Review FIlm The Lost Leonardo (2021)

The Lost Leonardo juga mengungkapkan bagaimana pasar seni dapat menjadi lingkungan yang sangat kompetitif dan spekulatif. Ketika keaslian lukisan ini diperdebatkan, pasar seni mengalami gejolak besar. Banyak orang yang terlibat dalam perdagangan seni, termasuk kolektor dan pedagang seni, melihat peluang untuk mendapatkan untung besar jika lukisan tersebut benar-benar adalah karya da Vinci.

Lukisan ini akhirnya terjual pada tahun 2017 di sebuah lelang untuk jumlah yang mencengangkan, yaitu lebih dari 450 juta dolar Amerika Serikat. Hal ini menjadikan Salvator Mundi sebagai salah satu karya seni yang paling mahal yang pernah dijual di pasar seni.

Lukisan Salvator Mundi masih menjadi misteri hingga saat ini. Dalam film The Lost Leonardo, para penonton diajak untuk mengeksplorasi berbagai elemen yang menyelimuti lukisan tersebut, mulai dari teknik penggambaran hingga latar belakang sejarahnya.

Ketika penonton menyaksikan perdebatan tentang keaslian lukisan ini, mereka mungkin merasa bingung dan tertarik untuk menggali lebih dalam. Ini adalah salah satu kekuatan film ini, yaitu mengajak kita untuk berpikir dan merenung tentang apa yang sebenarnya terjadi dengan lukisan Salvator Mundi.

The Lost Leonardo adalah sebuah dokumenter yang memikat yang mengungkapkan cerita menarik di balik lukisan Salvator Mundi. Film ini memperlihatkan bagaimana seni dapat menciptakan kontroversi, spekulasi, dan ketidakpastian, dan bagaimana pasar seni dapat dipengaruhi oleh misteri seputar karya seni berharga.

Keaslian lukisan Salvator Mundi mungkin akan terus menjadi perdebatan, tetapi film ini memberikan pandangan yang mendalam ke dalam kisah di balik lukisan tersebut. Ini adalah kisah tentang penemuan, restorasi, dan pasar seni yang gila. The Lost Leonardo mengundang penonton untuk merenungkan apa yang sebenarnya terjadi dengan lukisan ini dan mengapa seni memiliki daya tarik dan kekuatan untuk menginspirasi dan membingkai cerita yang mendalam.

Cara Menjadi Seniman: Saran Dari Seniman Aktual

Cara Menjadi Seniman: Saran Dari Seniman Aktual – Kiasan “seniman kelaparan” sering diulang. Tapi inilah masalahnya: Ada banyak seniman yang telah membangun karier artistik yang berkembang pesat dan sukses . Jika Anda ingin meningkatkan karya seni Anda sendiri dan mempelajari cara menjadi seniman profesional, panduan ini adalah tempat yang baik untuk memulai. Kami menggali cara menjadi seorang seniman sehingga Anda dapat mengejar karir dengan kerajinan yang Anda sukai.

Cara Menjadi Seniman: Saran Dari Seniman Aktual

Cara Menjadi Seniman Saran Dari Seniman Aktual

6 Langkah Menjadi Seniman

mybabyjo – Seperti yang dibagikan oleh seniman, ilustrator, dan Instruktur Skillshare Iva Mikles , ada banyak aliran pendapatan potensial bagi seniman mulai dari menerima komisi atau menjual di Etsy hingga memanfaatkan platform saham atau mengajar seni. Siap untuk memulai? Mari kita lihat enam langkah yang dapat Anda gunakan untuk meletakkan satu kaki di depan yang lain dan menemukan cara menjadi seorang seniman.

Baca Juga : Tentang Mencintai Seniman Amatir dan Tetap Menjadi Diri Sendiri 

Langkah 1: Tetapkan Rutin untuk Melatih Keterampilan Anda

Sama seperti jalur karier lainnya, mempelajari cara menjadi seniman yang lebih baik membutuhkan waktu dan banyak latihan. Perbedaan antara materi iklan amatir dan profesional seringkali terletak pada waktu yang dihabiskan untuk keahlian mereka. “Para profesional menyadari bahwa ketika keahlian mereka adalah sesuatu yang mereka anggap serius, ketika mereka mematuhi jadwal yang ketat, dan mereka bekerja dengan disiplin, inspirasi cenderung lebih sering muncul,” tambah YouTuber Thomas Frank . “Kamu hampir membuat pikiranmu untuk itu.”

Idealnya, luangkan waktu setiap hari untuk mengasah keterampilan Anda bahkan jika itu bukan untuk proyek tertentu. “Anda tidak harus memiliki semua kemauan di dunia, Anda hanya perlu kemauan yang cukup untuk memulai dan melakukan lima menit. Pilihan pertama, langkah pertama yang Anda buat dapat mengarah ke spiral utuh, seluruh air terjun dari pilihan bagus dan produktif lainnya, ”kata instruktur Skillshare Brooke Glaser .

Langkah 2: Pilih Ceruk Anda

Terlepas dari jenis karir apa yang dipilih seniman untuk dikejar, sebagian besar seniman akan memilih ceruk, yang memungkinkan mereka menjadi mahir dalam satu media dan membangun reputasi dan basis klien di sekitarnya.

“Saya secara pribadi telah mencoba hampir setiap media di luar sana dan hanya dengan mencobanya secara fisik saya menemukan apa yang menjadi favorit saya untuk digunakan,” kata instruktur Skillshare dan seniman tinta dan cat air Yasmina Creates . “Saya sarankan Anda mencoba melakukan hal yang sama. Mungkin mahal untuk mencoba semuanya, tapi coba persediaan murah atau bahkan mungkin pinjam dari teman.

Berikut beberapa contoh spesialisasi artistik yang dapat Anda kejar:

  • Lukisan (dalam minyak, akrilik, guas, atau cat air)
  • Memahat
  • Kaligrafi atau tulisan tangan
  • Desain grafis atau ilustrasi Seni grafis
  • Animasi
  • Menggambar
  • Fotografi
  • Seni media campuran
  • Seni tekstil

Langkah 3: Dapatkan Saran dari Profesional

Jika Anda seorang seniman amatir, akan sangat membantu untuk mengembangkan keterampilan Anda dengan bekerja sama dengan seniman profesional lain yang lebih mapan. Bimbingan dari seniman profesional dapat membantu Anda berkembang, karena mereka akan memberi Anda kritik yang membangun dan bahkan tip seni yang berwawasan. Nyatanya, banyak seniman yang memulai industrinya sebagai pekerja magang, asisten, atau pekerja magang.

Jadi, bangun jaringan sesama artis Anda. Anda dapat menemukannya secara online melalui jaringan media sosial seperti Instagram, Twitter, dan LinkedIn, atau melalui platform khusus seperti DeviantArt . Tidak yakin harus berkata apa untuk memicu hubungan dengan artis yang lebih mapan? Jangan terlalu memikirkannya dan mulailah dengan kesamaan Anda: keahlian Anda. “Jika Anda bersemangat dengan seni Anda, maka Anda tidak akan kesulitan untuk melanjutkan dan menjaga percakapan,” kata artis dan instruktur Skillshare Sonya Paz .

Langkah 4: Jelajahi Gaya Anda

Tidak ada satu jawaban untuk pertanyaan “bagaimana menjadi seniman yang baik”, terutama karena ada banyak sekali jenis gaya dan teknik artistik yang dapat Anda jelajahi. “Anda tidak perlu meminta izin siapa pun untuk melakukan apa pun,” kata instruktur Skillshare Debbie Millman . “Jadi, buka belenggu, bebaskan semangatmu, dan cobalah untuk menciptakan sesuatu seolah-olah tidak ada yang akan memberi parameter apa pun pada apa yang kamu lakukan.”

Menjelajahi gaya Anda juga berarti menentukan tujuan apa yang Anda inginkan dari karya seni Anda. Seni bisa membuat orang tertawa, menangis, atau menghadapi kebenaran yang sulit dan itu hanya beberapa contoh. “Saya pikir jika Anda memiliki sesuatu yang sangat penting yang ingin Anda katakan, sampaikan ke dunia luar, taruh di web,” kata instruktur Skillshare Nikkolas Smith . “Ingat, tidak ada yang bisa mendekati topik ini dengan cara yang Anda bisa dari sudut pandang unik Anda.”

Langkah 5: Buat Portofolio Anda

Jika Anda ingin menjadi seniman yang lebih baik, Anda harus merasa nyaman berbagi karya Anda dengan dunia terutama jika Anda ingin mencoba mendapatkan komisi, pertunjukan lepas, atau bahkan pekerjaan penuh waktu.

Portofolio artistik adalah galeri pilihan yang menampilkan karya terbaik Anda dan merupakan alat pemasaran yang sangat baik, karena memungkinkan klien potensial, calon bos, dan pelanggan masa depan untuk menemukan semua tentang Anda. Menyiapkan situs web portofolio dasar itu mudah ada banyak templat situs web yang digerakkan secara visual yang dibuat khusus untuk seniman dan fotografer.

Langkah 6: Pasarkan Diri Anda dan Karya Anda

Sebagai seorang seniman, kehadiran online dapat membantu Anda mendapatkan klien, menjual karya, dan mempromosikan seni Anda untuk menumbuhkan reputasi Anda. Mulailah mengembangkan kehadiran media sosial Anda dengan memposting di jaringan berbasis gambar seperti Instagram atau Pinterest. Anda bahkan dapat membuat postingan di balik layar atau video selang waktu yang menunjukkan cara Anda membuat karya seni.

Jika Anda ingin melampaui layar dan jejaring sosial, Anda juga dapat memajang karya Anda di pameran kerajinan, galeri, atau kompetisi seni. “Hal lain yang dapat Anda lakukan adalah memulai blog di situs Anda yang berhubungan dengan seni,” kata Yasmina Creates . “Tulis saja tentang apa pun yang Anda sukai. Ini bisa tentang proses kreatif Anda, ulasan untuk persediaan, atau Anda bahkan bisa membuat tutorial.”

Latihan Seni Amatir dan Sehari-hari di Tiongkok Sosialis

Latihan Seni Amatir dan Sehari-hari di Tiongkok Sosialis – Pada tahun 1975, penulis dan seniman emigran Chiang Yee kembali ke Cina, negara kelahirannya. Dia secara tidak sengaja telah pergi selama lebih dari empat dekade, terpisah dari keluarganya oleh pecahnya perang setelah berangkat ke London pada tahun 1933. Pada tahun-tahun berikutnya, kemungkinan untuk kembali tampak semakin jauh, dan Chiang menghabiskan beberapa dekade mencoba untuk berdamai dengan yang menyakitkan. fakta bahwa dia mungkin tidak akan pernah melihat istri dan empat anak kecil yang dia tinggalkan lagi. Chiang menuangkan perasaan kesepian dan keterasingannya ke dalam tulisan dan lukisan tentang pengalamannya di luar negeri, karya yang akhirnya diterbitkan sebagai seri travelogue bergambar populer yang disebut ‘The Silent Traveller’. Ditulis dari perspektif ‘orang Timur rindu kampung halaman’ yang digambarkan sendiri, banyak yang memuji seri terlaris Chiang dengan membuat budaya dan seni Tiongkok dapat diakses oleh penonton Anglo-Amerika abad pertengahan.

Latihan Seni Amatir

Latihan Seni Amatir dan Sehari-hari di Tiongkok Sosialis

mybabyjo.com – Ketika Richard Nixon melakukan kunjungan kenegaraan ke Beijing pada tahun 1972, tiba-tiba kembali ke China tampaknya mungkin, karena pembatasan seputar perjalanan ke luar negeri dilonggarkan. Chiang adalah salah satu dari banyak orang Tionghoa perantauan yang sangat ingin kembali. Bahkan setelah empat dekade pergi, dia masih memegang erat identitas Tionghoanya dan ingin berhubungan kembali tidak hanya dengan keluarganya, tetapi juga dengan negara asalnya. Dia telah menyaksikan dari kejauhan sebagai negara baru dengan visi utopis untuk masa depan telah didirikan, yang memerlukan reorganisasi radikal dan revolusioner kehidupan dan masyarakat. Chiang ‘sangat cemas dan ingin tahu tentang perubahan besar ini,’ Chiang mengajukan permohonan visa pada tahun 1974. Pada bulan April 1975, dia akhirnya kembali untuk tur selama dua bulan di negara itu setelah 42 tahun pergi.

Selama perjalanannya, Chiang mengunjungi Hu Xian, sebuah desa pedesaan di pinggiran Xi’an, provinsi Shaanxi. Hu Xian telah menjadi terkenal baik di dalam maupun di luar Republik Rakyat Tiongkok (RRT) atas pencapaian artistik para seniman amatirnya, para petani yang di ‘waktu senggangnya’ (业余) dari pekerjaan pertanian melukis karya-karya penuh warna dan menawan yang menggambarkan kehidupan di pedesaan1. Meskipun Chiang dan para petani Hu Xian dipisahkan oleh banyak hal, mereka memiliki hasrat yang sama untuk seni, dan Chiang menghabiskan hari itu untuk mengenal mereka.

Chiang terkesan dengan apa yang dilihatnya, dan mencatat pengalamannya di Hu Xian dalam catatan perjalanannya. Pertama, keberadaan ‘petani-seniman’ di RRC dengan sendirinya merupakan wahyu, karena ‘seorang petani yang bisa melukis … tidak pernah terdengar di masa lalu, karena di masa lalu, hanya sedikit dari mereka yang bisa mengenyam pendidikan, apalagi diajari cara memegang kuas’ (Chiang 1977, 76-77). Tapi Chiang menemukan seni mereka luar biasa juga. Karya-karya mereka ‘memiliki karunia untuk memberikan materi pelajaran mereka secara eksplisit dengan pengaturan artistik,’ yang oleh Chiang lebih baik dibandingkan dengan karya-karya pastoral ikonik di kanon Barat, seperti ‘The Gleaners’ karya Jean-François Millet dan ‘The Potato Eaters’ karya Vincent van Gogh ( Chiang 1977, 77). Dia menghabiskan sorenya di Hu Xian untuk mengobrol dengan sesama seniman.

Apa yang disaksikan Chiang di Hu Xian mungkin merupakan puncak dari praktik artistik yang, pada saat itu, telah dibudidayakan selama beberapa dekade di RRC: praktik seni amatir, yang dikenal dengan berbagai nama sebagai , , , dan . . Hari ini, jika diingat sama sekali, gerakan seni amatir periode sosialis digabungkan hanya dengan seni petani, tetapi pada kenyataannya praktik seni amatir menyebar ke seluruh kelas pekerja di Cina selama periode sosialis. Praktik seni amatir sosialis berakar pada pengorganisasian politik dan praktik produksi pra-1949, dimulai dengan dorongan para pekerja yang diorganisir oleh Partai Komunis Tiongkok untuk menggambar sketsa dan kartun (漫画) yang mengkritik kebiasaan kerja yang kontraproduktif atau menggambarkan yang ideal.

Karena semakin banyak amatir yang terlibat dalam pembuatan seni, praktik tersebut bergeser dari kritik terhadap metode produksi menjadi praksis budaya sosialis yang lebih luas. Praktek seni rupa sosialis amatir berfungsi tidak hanya sebagai sarana untuk mengubah kelas dan hubungan kerja yang sebelumnya dominan dalam seni rupa, tetapi juga sebagai strategi untuk mengubah budaya ahli dan profesional seni rupa menjadi praktik akar rumput sehari-hari. . Meminjam konsep sejarawan Michael Denning tentang ‘pekerjaan budaya’, saya berpendapat bahwa praktik seni amatir sama ‘mekerjakan’ seni rupa dengan menempatkan seni dalam hubungan sosial massa pekerja (工农兵群众). Hasilnya adalah praktik yang menantang otoritas akademi seni sebagai tempat pelatihan yang melegitimasi, mengevakuasi konsep jenius kreatif dan pencapaian teknis yang sebelumnya dikaitkan dengan pengakuan seorang seniman, dan merangkul media dan materi pelajaran yang terutama berorientasi pada publik, berbeda dengan pasar.

Pekerjaan Seni Rupa

Praktik seni amatir sosialis biasanya dimulai pada tahun 1958, dan dipahami dalam literatur sebagai program yang diprakarsai sebagai pelayan budaya untuk kampanye ekonomi Lompatan Jauh ke Depan. Ellen Johnston Laing (1985), misalnya, menggambarkan apa yang dia sebut ‘seni petani’ sebagai program untuk ‘mengabadikan manfaat positif Lompatan Besar dan komune dalam cerita, puisi, drama, dan gambar,’ sementara sejarawan Duan Jingli (2001), juga tertarik terutama pada seni petani, tanggal kelompok studi seni petani paling awal ke tahun 1956 di dua lokasi: satu di kabupaten Pi, provinsi Jiangsu, dan yang lainnya di Shulu, provinsi Hebei. Namun akan lebih akurat untuk menganggap kampanye ekonomi Lompatan Jauh ke Depan sebagai pendamping program budayanya; lagi pula, seperti yang ditunjukkan sejarawan Maurice Meisner, ketika Lompatan Jauh ke Depan pertama kali diumumkan, sebagian besar terdiri dari rancangan ambisius untuk perubahan budaya Maois, dengan kebijakan ekonomi khasnya—pembentukan komune rakyat (人民公社) dan target produksi baja —hanya mengikuti nanti. Sumber arsip menunjukkan bahwa seni amatir telah dipraktikkan sebelum tahun 1958 dalam bentuk kelompok belajar seni (业余美术创作组), di mana para pekerja yang tergabung dalam unit kerja yang sama membentuk kelompok-kelompok kecil yang bertemu secara teratur untuk menggambar dan mengomentari karya satu sama lain. , seringkali di bawah bimbingan seniman berpengalaman.

Baca Juga : Beberapa Pelukis Belanda Yang Paling Terkenal

Sebagai formasi sosial, profesionalisme (专) dan amatirisme (业余) mengacu pada pembagian hidup menjadi waktu kerja dan waktu tidak bekerja. Keduanya bekerja bersama satu sama lain, ‘terkunci dalam hubungan simbiosis [mengurangi] kesenjangan antara pekerjaan dan kebebasan … Tidak adanya satu mendefinisikan dan mengikat yang lain’ (Zimmerman 1995, 6). Selama periode sosialis di RRC, dikotomi profesional/amatir juga merujuk pada perbedaan antara seniman terlatih dan tidak terlatih, yang pada dasarnya merupakan perbedaan kelas: akademi seni adalah satu-satunya situs legitimasi terpenting bagi calon seniman, dan mereka dihadiri hampir eksklusif oleh orang Cina perkotaan yang kaya. Dalam usahanya untuk menghilangkan hambatan seni, praktik seni amatir sosialis mengeluarkan seni rupa dari akademi dan memusatkannya di tingkat akar rumput: di jajaran militer, di pabrik, dan di komune. Dengan mengubah skala di mana seni diproduksi, praktik seni amatir mengubah seni rupa dari pengejaran yang sangat individual dan khusus dari komunitas elit, kecil, dan kredensial, menjadi aktivitas massal yang dibangun dari tingkat masyarakat bawah.

Seni Rupa (美术) edisi Mei 1954, publikasi seni unggulan RRC, memuat artikel berjudul ‘Kegiatan Penciptaan Seni oleh Pekerja Shanghai’ yang membahas kelompok seni amatir yang dibentuk di antara para pekerja di wilayah Shanghai. Penulisnya, Li Cunsong, mencatat bahwa setelah Pembebasan pada tahun 1949, membuat sketsa dan melukis menjadi populer di kalangan pekerja yang telah ‘menyerahkan’ (翻身), yang mengakuinya sebagai alat yang ampuh untuk mengartikulasikan kesadaran sosialis baru mereka dan membaginya dengan orang lain ( Li 1954). Selanjutnya, karena hasil artistik ‘pekerja’ (工人创作) berasal dari kebutuhan produksi,’ seni mereka sangat unggul dalam mengidentifikasi kebiasaan kerja yang tidak diinginkan. Li menggambarkan kartun karya seorang pekerja yang menyindir metode produksi yang mengutamakan kuantitas daripada kualitas, misalnya. Dengan memperhatikan metode produksi yang bermasalah, seni pekerja amatir memainkan peran penting dalam meningkatkan proses produksi.

Jumlah kelompok seni amatir yang didirikan meroket pada akhir tahun 1958 seiring dengan kebijakan (‘diturunkan’, atau ‘memasuki kehidupan’), yang mengirim seniman terlatih ke pedesaan dan memasukkan mereka ke dalam komunitas pekerja dan petani untuk ‘belajar dari kehidupan ‘. Lebih dari 30 komunitas seni pekerja, petani, dan tentara yang terpisah menjadi terkenal dari akhir 1950-an hingga akhir 1970-an karena kegiatan seni amatir mereka yang berkelanjutan, mendapatkan liputan di surat kabar nasional termasuk People’s Daily, People’s Liberation Army Daily, dan Guangming Daily, sementara karya seni mereka ditampilkan di museum dan aula budaya (文化馆) di seluruh negeri. Karena kelompok seni amatir memiliki akses ke sumber bahan yang sangat berbeda dari seniman perkotaan, profesional, dan terlatih akademi, karya seni yang dibuat oleh seniman amatir menggunakan bahan murah yang mudah dibuat dan ditampilkan: sketsa, kartun, lukisan, dan ‘seni dinding’. (壁画), atau mural luar ruangan yang dilukis di sisi rumah dan bangunan lokal.

Profil tahun 1958 tentang dua seniman pedesaan dalam Seni Rupa menggambarkan bagaimana petani Zhang Shaonan dan Zhang Penqing memperkaya masyarakat sekitar dengan seni. Digambarkan sebagai berbahu lebar dan bertelanjang kaki, dengan tangan kasar dan kaki yang kuat karena bekerja di ladang, di waktu mereka jauh dari tanggung jawab pertanian biasa, kedua Zhang sering bepergian ke desa-desa tetangga atas undangan untuk membuat seni di tempat, menggambar di papan tulis komunal, melukis mural di dinding desa, dan merancang karya propaganda. Tidak seperti artis biasa, kedua Zhang ‘tidak memiliki kerangka memalukan (臭架子) dari para intelektual lama,’ dan mereka juga tidak mempromosikan diri sendiri (Zou 1958). Sebaliknya, dua petani dari desa Timur di Zhuji, provinsi Zheijiang ini, mampu menciptakan citra yang selaras dengan penduduk setempat karena keaslian mereka sebagai petani (地地道道的农民) dan pengetahuan langsung tentang kehidupan pedesaan.

Menciptakan seni sosialis baru berarti menciptakan seniman sosialis baru, dan praktik seni amatir memainkan peran penting dalam menantang konsep tradisional seniman. Di mana seniman biasanya dilihat sebagai urban, laki-laki, dan anggota kelas atas yang berpendidikan, praktik seni amatir meminta anggota massa untuk mengisi peran, menantang gagasan bahwa seseorang perlu menjadi bagian dari kelas atau gender tertentu untuk menjadi seorang seniman. Selama periode sosialis, perbedaan antara profesional dan amatir semakin dipertanyakan. Inisiatif ‘merah dan ahli’ pada akhir 1950-an berusaha untuk menyelesaikan konflik lama antara kerja mental dan manual melalui demokratisasi pendidikan dan keahlian teknis (Andreas 2009; Schmalzer 2019). Bahkan istilah ‘artis’ direvisi: di mana ‘artis’ biasanya diterjemahkan secara beragam sebagai , , atau , akhiran bersama , yang menunjukkan status profesional yang lebih tinggi, diganti dengan akhiran baru—工作者, atau ‘ pekerja’. Dengan demikian, Artis (美术家) direklasifikasi sebagai pekerja seni (美术工作者), menandakan ‘niat untuk mendefinisikan kembali identitas seniman dan penulis sebagai bagian dari kelas pekerja’ dan untuk membuat karya budaya dapat dibaca sebagai tenaga kerja, sebagai lawan untuk tindakan jenius kreatif (Geng 2018, 2).

Untuk mengakomodir seniman amatir yang dikodekan secara eksplisit sebagai anggota massa pekerja, perlu dilakukan penyesuaian formasi budaya yang melahirkan dan memuliakan seniman tersebut. Dengan demikian, konsep seniman sebagai jenius kreatif mulai bergeser untuk mengakomodasi legitimasi amatir. Misalnya, pada tahun 1955 pelukis dan seniman ukir kayu Li Qun mengkritik konsep jenius (天才) yang berkaitan dengan seni rupa, menulis bahwa kejeniusan bukanlah kualitas bawaan turun-temurun, dan itu tidak ditentukan sejak lahir. ‘Apakah [jenius] bergantung pada memiliki fisiologi yang unggul (生理)?,’ tanya Li. ‘Pada kenyataannya, jelas bahwa keberadaan jenius tidak dapat dipisahkan dari penggarapannya, dari kesetiaan tanpa batas kepada rakyat, dari metode kerja ilmiah, dari kecerdikan tenaga kerja dari sulitnya kerja keras, dan hubungannya dengan rakyat’ (Li 1955, 39–40). Jenius, Li berpendapat, bukanlah produk dari pikiran yang unik dan eksentrik, melainkan masalah pengabdian individu untuk métier, yang mencerminkan pandangan yang tumbuh dalam mata uang sebagai tahun 1950-an menuju 1960-an.

Semakin, konsep jenius yang sudah ada sebelumnya diidentifikasi sebagai berbahaya, sebuah formasi budaya yang secara eksplisit mengecualikan massa dari pengakuan atas hak mereka sendiri sebagai penulis kreatif. Teknik (技术) muncul sebagai persimpangan penting di mana seniman terlatih dan tidak terlatih dapat bertemu dan melakukan pertukaran. Sekali lagi, Li Qun mempertanyakan asumsi tradisional seputar apa yang membentuk seni yang baik dalam penilaian seni amatir: ‘Masalahnya adalah bahwa ada beberapa orang yang tidak dapat memahami kekuatan bahkan karya [oleh pekerja, petani, dan tentara] yang sangat bagus. … dan ini jelas melibatkan isu-isu yang berkaitan dengan standar metodologi (标准的方法) yang dengannya kita menghargai seni’ (Li 1958, 8-9). Li Qun mengusulkan bahwa standar tipikal yang digunakan untuk menilai seni membutuhkan pemikiran ulang yang radikal. ‘Ide tentang seni yang dianggap (艺术性) bermasalah,’ karena tidak memperhitungkan pesan ideologis atau kekuatan persuasif dari sebuah karya. Jika ‘semangat konten … dan semangat zaman’ dibuang dan sebuah karya seni dinilai dengan keterampilan teknis saja, ‘maka Anda hanya bisa sampai pada kesimpulan negatif’ (Li 1958, 8-9).

Namun pada saat yang sama, penguasaan keterampilan teknis yang diperlukan untuk menciptakan seni, seperti menggambar garis, memperbesar, mengarsir, volume, penggunaan warna, dan penggambaran anatomi, ekspresi, dan rupa yang realistis—tidak dipandang sebagai pemisah. batas antara seniman profesional dan amatir. Bagi Li Qun, sebuah karya menjadi kuat bukan karena ia menggambarkan subjeknya dengan akurasi anatomis dan verisimilitude, tetapi karena penontonnya mendapatkan gambaran yang jelas tentang narasi gambar tersebut. Mengambil sketsa oleh seorang tentara sebagai contoh, Li Qun memuji ‘konsep teladan dan pengaturan’ karya tersebut, menjelaskan bahwa meskipun pekerjaan memiliki ‘ketidakakuratan’, ‘tidak menggunakan ilustrasi untuk menjelaskan bagaimana kehidupan, melainkan generalisasi (概括) hidup dengan gambar’ (Li 1958, 8).

Li Qun dan pendukung seni amatir lainnya menyalahkan kurangnya akses ke kesempatan yang memadai untuk pelatihan teknik seni rupa. ‘Ada orang-orang dengan pemikiran konservatif yang selalu merasa bahwa pekerja dan petani tidak memiliki bakat artistik, dan bahwa seni rupa tidak boleh teatrikal atau performatif, atau berisi tema yang mudah menarik massa,’ tulis Huang Dingjun, kepala Hubei. Istana Kebudayaan Massa Provinsi (Huang 1958, 36). Li Fenglan, petani Hu Xian dan ibu dari empat anak yang mungkin kemudian menjadi seniman amatir paling terkenal pada masa itu, melihat dirinya sebagai bukti positif bahwa para petani dapat membuat seni sebaik orang lain. Menggambarkan prasangka yang dia hadapi dari orang-orang dengan ‘pemikiran konservatif’ yang menganggap gender dan kelasnya mendiskualifikasi dia dari berlatih seni, dia menegaskan bahwa: ‘Kami petani menengah ke bawah (贫下中农) sepenuhnya mampu mempelajari keterampilan yang dibutuhkan untuk membuat seni. . Yang diperlukan hanyalah memiliki ambisi revolusioner, mau belajar dengan rajin, dan berlatih keras’ (Li 1974). Li Fenglan memahami teknik artistik sebagai keterampilan modular yang dapat diperoleh melalui latihan teratur, terlepas dari latar belakang atau persiapannya. ‘Keterampilan dasar ini tidak turun dari surga, dan mereka tidak diberkahi saat lahir. Mereka harus dipelajari dari kehidupan, dari massa, dan dari praktik seni’ (Li 1974).

Beberapa Karya Seni Paling Kontroversial

Beberapa Karya Seni Paling Kontroversial – Seniman sepanjang sejarah tidak pernah menghindar dari kontroversi—bahkan, banyak yang mencoba menjelek-jelekkan. (Perlu bukti? Lihat saja Banksy , seniman jalanan anonim yang baru-baru ini menciptakan sebuah karya yang menghancurkan dirinya sendiri saat dijual di lelang—dengan harga $1,37 juta).

Beberapa Karya Seni Paling Kontroversial

Beberapa Karya Seni Paling Kontroversial

mybabyjo.com  – Sementara kritik dan sejarawan terserah pada teknik dan nilai artistik. , ada beberapa karya seni yang mengejutkan sebagian besar orang yang melihatnya. Dari lukisan yang dianggap terlalu cabul, terlalu kasar atau terlalu berdarah untuk waktu mereka untuk tindakan yang disebut penodaan dan pernyataan politik yang kuat, ini adalah beberapa karya seni paling kontroversial yang pernah dibuat.

Michelangelo, “The Last Judgement,” 1536–1541

Menurut Sekitar 25 tahun setelah menyelesaikan langit-langit Kapel Sistina , polymath Renaisans Michelangelo kembali ke Vatikan untuk mengerjakan lukisan dinding yang akan diperdebatkan selama berabad-abad. Penggambarannya tentang Kedatangan Kristus yang Kedua dalam “Penghakiman Terakhir,” di mana ia bekerja dari tahun 1536 hingga 1541, langsung mendapat kontroversi dari Kontra-Reformasi.Gereja Katolik.

Pejabat agama berbicara menentang lukisan itu, karena sejumlah alasan, termasuk gaya yang digunakan Michelangelo melukis Yesus (tanpa jenggot dan dalam gaya klasik mitologi pagan). Tapi yang paling mengejutkan adalah 300 sosok lukisan itu, kebanyakan laki-laki dan kebanyakan telanjang.

Dalam sebuah gerakan yang disebut kampanye daun ara, potongan-potongan kain dan flora kemudian dicat di atas anatomi yang menyinggung, beberapa di antaranya kemudian dihapus sebagai bagian dari restorasi abad ke-20.

Caravaggio, “St. Matthew and the Angel” 1602

Pelukis barok CaravaggioKehidupannya mungkin lebih kontroversial daripada karyanya, mengingat fakta bahwa dia meninggal di pengasingan setelah dituduh melakukan pembunuhan. Tetapi pendekatan humanistiknya yang tidak biasa terhadap tugas-tugas keagamaannya tentu saja menimbulkan keheranan pada zamannya.

Dalam lukisan yang sekarang hilang “St. Matthew and the Angel,” dibuat untuk Kapel Contarelli di Roma, Caravaggio membalik konvensi dengan menggunakan seorang petani miskin sebagai model untuk orang suci. Tapi yang paling membuat kesal para kritikus adalah kaki kotor St. Matthew, yang secara ilusionis tampak menonjol dari kanvas (trik visual yang berulang untuk sang seniman), dan cara gambar itu menyiratkan dia buta huruf, seolah-olah dibacakan oleh malaikat.

Baca Juga :  Seniman Amatir Mencoba Menggambar Gaya Manga

Karya itu akhirnya ditolak dan diganti dengan “The Inspiration of St. Matthew,” penggambaran pemandangan yang serupa, namun lebih standar.

Thomas Eakins, “The Gross Clinic” 1875

Ikon seni Amerika ini diciptakan untuk mengantisipasi seratus tahun bangsa, ketika pelukis Thomas Eakins ingin sekali memamerkan bakatnya dan kemajuan ilmiah dari Jefferson Medical College di Philadelphia.

Lukisan realis menempatkan penonton di tengah amfiteater bedah, di mana dokter Dr Samuel Gross kuliah mahasiswa operasi pada pasien. Tetapi penggambaran operasi yang sebenarnya dianggap terlalu gamblang, dan lukisan itu ditolak oleh Pameran Centenary Philadelphia (beberapa menyalahkan tangan berdarah dokter, yang lain berpendapat bahwa sosok wanita yang melindungi matanya yang membuatnya ke atas) .

Namun, seabad kemudian, lukisan itu akhirnya diakui sebagai salah satu mahakarya besar pada masanya baik dari segi artistik maupun ilmiahnya.

Marcel Duchamp “Fountain” 1917

Ketika ikonoklastik Marcel Duchamp secara anonim menyerahkan urinoir porselen bertanda “R. Mutt 1917″ sebagai patung “siap pakai” untuk Society of Independent Artists, sebuah kelompok yang dikenal menerima seniman mana pun yang dapat memberikan bayaran hal yang tidak terpikirkan terjadi: karya itu ditolak, meskipun Duchamp sendiri adalah salah satu pendiri dan anggota dewan dari grup. Beberapa bahkan bertanya-tanya apakah itu tipuan, tetapi jurnal Dada The Blind Manmempertahankan urinoir sebagai seni karena seniman memilihnya.

Karya tersebut menandai pergeseran dari apa yang disebut Duchamp sebagai seni “retina”, atau murni visual, ke mode ekspresi yang lebih konseptual—memicu dialog yang berlanjut hingga hari ini tentang apa yang sebenarnya merupakan sebuah karya seni. Meskipun semua yang tersisa dari aslinya adalah foto oleh Alfred Stieglitz (yang membuangnya) yang diambil untuk majalah tersebut, beberapa reproduksi resmi dari tahun 1960-an menjadi koleksi utama di seluruh dunia.

Robert Rauschenberg, Erased De Kooning 1953

Dalam beberapa hal, “Erased De Kooning” Robert Rauschenberg menandakan lukisan Banksy yang menghancurkan diri sendiri. Tetapi dalam kasus penggambaran tahun 1953, sang seniman memutuskan bahwa karya seni asli harus penting dengan sendirinya. “Ketika saya baru saja menghapus gambar saya sendiri, itu belum seni,” kata Rauschenberg kepada SFMoMA pada tahun 1999.

Jadi dia memanggil seniman modern yang paling dihormati saat itu, ekspresionis abstrak lincah Willem de Kooning, yang, setelah beberapa meyakinkan, memberi seniman muda itu sebuah gambar dengan campuran seni pensil minyak dan arang yang membutuhkan waktu dua bulan untuk dihapus oleh Rauschenberg. Butuh waktu sekitar satu dekade untuk menyebarkan berita, ketika itu disambut dengan campuran heran (Apakah ini seorang jenius muda yang merebut tuannya?) dan jijik (Apakah itu vandalisme?).

Satu orang yang tidak terlalu terkesan adalah de Kooning sendiri, yang kemudian memberi tahu seorang reporter bahwa dia awalnya menganggap gagasan itu “kosong”, dan yang menurut beberapa orang tidak suka karena interaksi intim antara seniman seperti itu dibagikan kepada publik.

Judy Chicago, The Dinner Party, 1974–79

Dengan “The Dinner Party” -nya, Judy Chicago berangkat untuk mengadvokasi pengakuan wanita sepanjang sejarah — dan akhirnya membuat sejarah seni sendiri. Sebuah instalasi kompleks dengan ratusan komponen, karya ini adalah perjamuan imajiner yang menampilkan 39 wanita dari seluruh mitologi dan sejarah— Sojourner Truth , Sacajawea , dan Margaret Sanger di antaranya—masing-masing diwakili di meja dengan pengaturan tempat, hampir semuanya menggambarkan gaya vulva.

Dengan perpaduan antara perumpamaan anatomi dan teknik kerajinan, karya ini dijuluki vulgar dan kitsch oleh para kritikus, dan dengan cepat disindir oleh pameran tandingan yang menghormati wanita dengan “kebedaan yang meragukan.” Namun terlepas dari para pencela, karya tersebut sekarang dilihat sebagai tengara dalam feminis seni, dipajang permanen di Museum Brooklyn.

Maya Lin, Vietnam Veterans Memorial, selesai tahun 1982

Maya Lin baru berusia 21 tahun ketika dia memenangkan komisi yang akan meluncurkan karirnya—dan debat nasional. Desainnya untuk Vietnam Veterans Memorial dipilih oleh juri buta, yang tidak tahu desainer pemenangnya adalah seorang mahasiswa arsitektur.

Meskipun desain yang diusulkan memenuhi semua persyaratan, termasuk penggabungan 58.000 nama tentara yang tidak pernah kembali dari perang , bentuknya yang minimalis dan bersahaja—dua lempengan granit hitam yang muncul dari bumi membentuk “V”, seperti “luka itu tertutup dan menyembuhkan,” kata Lin—segera menjadi bahan perdebatan politik oleh mereka yang merasa itu tidak benar-benar mengagungkan para prajurit yang dihormatinya.

Seorang veteran menyebut desain itu sebagai “luka hitam rasa malu,” dan 27 anggota Kongres dari Partai Republik menulis kepada Presiden Ronald Reaganmenuntut desain tidak dibangun. Tapi Lin menganjurkan visinya, bersaksi di depan Kongres tentang niat di balik pekerjaan itu.

Akhirnya sampai pada kompromi, ketika entri runner-up dalam kompetisi yang menampilkan tiga tentara ditambahkan di dekatnya untuk menyelesaikan upeti (bendera dan Memorial Wanita juga ditambahkan kemudian). Ketika jarak dari perang semakin jauh, kritik terhadap peringatan itu telah memudar.

Seniman Amatir Mencoba Menggambar Gaya Manga

Seniman Amatir Mencoba Menggambar Gaya Manga – Setiap hari Rabu di pagination liburan Young Post , staf kami akan mencoba untuk membuat ulang karya terkenal dari berbagai genre seni dengan kemampuan terbaik mereka. Di YP Nails It hari ini, reporter kami Kelly Ho mencoba menyalin gambar dari manga Jepang terkenal One Piece . Manga adalah komik atau novel grafis yang berasal dari Jepang. Cerita manga biasanya dicetak dalam warna hitam dan putih, dengan gambar detail dibatasi dalam bingkai tidak beraturan yang mengarahkan alur cerita.

Seniman Amatir Mencoba Menggambar Gaya Manga

one piece

mybabyjo – Jika serial manga cukup populer, mungkin akan diadaptasi menjadi serial TV atau film, dan One Piece adalah salah satunya. Manga ini diadaptasi menjadi serial anime yang sudah tayang di Jepang sejak 1999. One Piece ditulis dan diilustrasikan oleh Eiichiro Oda. Manga ini pertama kali diterbitkan sebagai seri di majalah Jepang pada Juli 1997. Sejauh ini, episode manga telah dikumpulkan menjadi 94 buku individu.

Baca Juga : 9 Tanda Peringatan Artis Amatir

Dan dengan lebih dari 460 juta kopi yang beredar di seluruh dunia, One Piece telah menjadi manga terlaris dan seri komik terlaris sepanjang masa. Ceritanya mengikuti petualangan protagonis Monkey D. Luffy, seorang bajak laut remaja yang melakukan perjalanan keliling dunia dengan krunya untuk mencari harta yang sangat berharga yang disebut “One Piece”, sehingga ia bisa menjadi Raja Bajak Laut berikutnya.

Saya telah membaca beberapa manga sebelumnya, tetapi saya tidak pernah cukup tertarik untuk menyelesaikan seluruh seri. Genre komik ini sangat populer di kalangan anak-anak dan remaja, namun tidak disukai oleh sekolah-sekolah di Hong Kong. Saya ingat manga dilarang di sekolah saya dan beberapa lainnya karena tidak dianggap sebagai “buku asli”. Tapi di sekolah dasar, beberapa teman sekelas saya, kebanyakan laki-laki, akan menyelinap di beberapa manga dan membagikannya di antara teman-teman mereka, menikmatinya selama waktu membaca atau istirahat.

Saya belum pernah membaca atau menonton One Piece sebelumnya, tetapi saya pasti menyadari popularitasnya di Hong Kong. Tema persahabatan dalam serial ini mungkin menjadi salah satu alasan mengapa begitu populer di kalangan anak muda. Pengalaman yang tidak biasa dan berani yang dihadapi Luffy dan anggota krunya menjadi tulang punggung serial ini, dan membuat pembaca muda berharap mereka bisa melakukan petualangan seru dengan teman-teman mereka juga.

Menyalin seni One Piece sama sekali tidak mudah. Sangat sulit ketika harus mengisi bingkai dengan begitu banyak detail. Tantangan terbesar bagi saya adalah membuat fitur wajah karakter menjadi hidup. Saya pertama kali membuat sketsa kasar dengan pensil, sebelum menggunakan spidol untuk menjiplak garis saya. Tetapi sketsa saya tidak cukup detail, jadi itu tidak banyak membantu saya dan saya akhirnya menyerahkan sebagian besar bingkai yang lebih kecil secara bebas. Begitulah cara saya secara tidak sengaja mengubah Silver Rayleigh, “Raja Kegelapan”, menjadi Pepe si Katak.

Saya hanya diberi pensil dan spidol untuk dikerjakan, dan sementara saya bisa menyalin sebagian besar gambar dengan pensil saya, saya tidak bisa menambahkan banyak detail karena spidolnya terlalu tebal. Saya harus menyesuaikan tekanan yang saya berikan pada pena, sehingga saya bisa mengontrol ukuran goresan saya. Karena tinta pada spidol permanen akan merembes melalui kertas printer biasa yang tipis, saya harus meletakkan selembar kertas tambahan di bawahnya untuk memastikan tinta permanen tidak mengenai meja.

Seniman manga profesional cenderung menggunakan pena dengan berbagai ukuran ujung untuk ilustrasi yang lebih presisi. Banyak dari mereka menggunakan pena mikron Sakura Pigma, dengan ujung mulai dari 0,15 mm hingga 0,8 mm. Pena ini juga bebas asam dan tinta mikron tidak berbulu atau berdarah, yang membuatnya sempurna untuk menggambar manga karena Anda sering harus menggambar di kedua sisi kertas. Apa yang membuat komik gaya Jepang ini menonjol dari genre lain adalah betapa jelas ia menyampaikan emosi karakter, dan mampu menempatkan pembaca di kepala karakter, membuat cerita semakin menarik. Anda dapat menemukan banyak bingkai dalam manga di mana seniman memperbesar mata atau mulut karakter untuk mengungkapkan pikiran batin mereka.

Setelah mencoba meniru gaya gambar Oda, saya menyadari bahwa seniman manga harus sangat kreatif, sabar, dan pandai membuat perencanaan. Kreativitas adalah kuncinya karena tidak ada batasan dalam dunia manga. Ini adalah media yang mencakup berbagai genre, seperti aksi, drama, horor dan sci-fi, dan seniman manga dikenal untuk menceritakan kisah mereka dengan cara yang paling tidak biasa.

Namun, memecah cerita ke dalam setiap frame membutuhkan banyak kerja keras dan waktu, oleh karena itu seniman manga harus memiliki banyak kesabaran dan dapat merencanakan jalan cerita mereka dengan hati-hati untuk memastikan seri dapat berlanjut untuk waktu yang lama. Saya tidak berpikir saya memiliki kualitas yang disebutkan di atas untuk membuat manga saya sendiri, tapi itu jelas merupakan pengalaman yang lucu untuk mencoba menggambar seni manga. Saya mungkin akan melakukannya lagi di masa depan, tetapi mungkin dengan seorang teman, sehingga kami dapat membandingkan pekerjaan kami dan tertawa.

9 Tanda Peringatan Artis Amatir

9 Tanda Peringatan Artis Amatir – Saya tidak berbicara tentang apakah Anda memiliki sponsor perusahaan atau apakah Anda menghasilkan banyak uang atau tidak. Saya bahkan tidak berbicara tentang berhenti dari pekerjaan harian Anda, jika

9 Tanda Peringatan Artis Amatir

9 Tanda Peringatan Artis Amatir

mybabyjo – Anda memilikinya, dan hidup dengan mie ramen dan Starbucks (karena meskipun Anda miskin, Anda masih membutuhkan Cafe Mocha Anda) Yang saya bicarakan adalah mengubah sikap Anda dan cara Anda berpikir tentang seni Anda. Apa yang akan Anda temukan adalah bahwa lebih sering daripada tidak , orang akan menganggap seni Anda seserius Anda .

Baca Juga : Mengulas Tentang keingintahuan Seorang Kolektor Karya Amatiran

1) Artis Amatir menunggu Inspirasi

Sementara seorang seniman profesional akan duduk dan mengerjakan karya seni mereka setiap hari, seorang amatir hanya mengerjakan karya seni mereka ketika “suasana hati” benar. Anda tidak bisa menunggu inspirasi. Anda harus mengejarnya dengan klub. ~Jack London

Seniman/penulis/musisi profesional tahu bahwa Anda tidak bisa hanya mengerjakan karya seni Anda ketika inspirasi menyerang mereka atau ketika bulan berada di rumah ketujuh Aquarius, profesional kreatif sejati muncul dan melakukan sesuatu setiap hari. Ini mungkin tidak terlalu bagus dan pada akhirnya mungkin menemukan jalannya ke tempat sampah atau tempat daur ulang, tetapi seorang profesional muncul dan bekerja apa pun yang terjadi.

2.) Artis Amatir bekerja sampai sesuatu yang lain muncul

Seorang seniman profesional tidak hanya duduk selama satu jam dan menulis setengah bab atau melukis beberapa goresan di kanvas dan menyebutnya sehari karena acara televisi favorit mereka akan dimulai dalam sepuluh menit. Seorang seniman/penulis/musisi profesional terus bekerja sampai inspirasi mereka menghabiskan setiap energi kreatif terakhir dalam tubuh mereka dan kemudian terus bekerja hanya untuk memastikan tidak ada yang terlupakan atau tertinggal. Seorang profesional tahu bahwa satu atau dua jam pertama kerja hanyalah latihan pemanasan sampai inspirasi mereka yang berubah-ubah menemukan bahwa mereka layak mendapatkan perhatiannya.

3.) Artis Amatir terus-menerus mengubah fokus mereka

Seorang seniman profesional tahu bahwa butuh bertahun-tahun jika bukan dekade eksperimen dan latihanuntuk menyempurnakan kerajinan mereka. Sementara seorang amatir cenderung mengubah gaya atau media mereka saat suasana hati menyerang mereka, seorang seniman profesional tahu bahwa “jack-of-all-trade adalah master of none”. Meskipun seniman profesional telah dikenal untuk mengubah fokus mereka sebagai pekerjaan dan keterampilan mereka berkembang, mereka melakukan ini hanya dengan hemat dan seringkali hanya dalam media yang mereka pilih. Dengan kata lain, pelukis terus melukis, penulis terus menulis, dan musisi terus bermain. Tentu saja ada pelukis dan musisi profesional yang juga penulis yang sangat baik dan sebaliknya, tetapi mereka adalah pengecualian daripada aturan. Sebagian besar dari kita akan jauh lebih baik memfokuskan waktu dan energi kita untuk berlatih dan mengasah keahlian yang kita pilih daripada mengambil risiko melemahkan kekuatan kreatif kita.

4.) Artis Amatir percaya bahwa jika mereka membangunnya, Anda akan datang

Seorang profesional tahu bahwa menjadi seorang seniman lebih dari sekadar menciptakan seni. Mereka tahu bahwa hanya ada begitu banyak makaroni, keju, dan spageti yang akan dimakan keluarga mereka sebelum mereka diseret ke kantor tenaga kerja untuk mendapatkan pekerjaan “nyata”. Seniman profesional tidak pernah terlalu terikat pada karya seni mereka karena mereka tahu bahwa suatu hari nanti mereka harus menjualnya untuk mendapat kesempatan menciptakan lebih banyak karya seni.

Seniman profesional memahami bahwa mereka tidak hanya perlu tahu cara membuat karya seni mereka, tetapi mereka juga harus tahu cara memasarkan dan menjual karya mereka. Mereka membuat titik untuk mencari tahu siapa pelanggan potensial mereka dan di mana mereka nongkrong. Mereka juga tahu bahwa mereka perlu mengembangkan hubungan dengan calon pelanggan ini sebelum mereka meminta mereka mengeluarkan dompet mereka. Seniman profesional memahami bahwa di abad ke-21 mereka perlu menciptakan dan membangun reputasi mereka sebagai seniman online maupun di dunia nyata.

5.) Artis Amatir percaya bahwa kesuksesan akan terjadi dengan cepat

Sementara seorang seniman amatir percaya bahwa hanya perlu satu atau dua tahun untuk menciptakan reputasi mereka dan memulai karir mereka, seorang seniman profesional tahu bahwa proses ini seringkali akan memakan waktu lebih lama dari yang mereka bayangkan sehingga mereka memahami pentingnya untuk segera memulai.

Bagi seorang seniman profesional, seni bukanlah hobi atau hiburan, itu adalah bisnis, itulah sebabnya mereka bersikeras memperlakukannya seperti itu. Mereka tidak hanya muncul setiap hari dan bekerja di pekerjaan mereka, tetapi mereka juga tahu bahwa mereka perlu bekerja dari bawah seperti yang mereka lakukan di profesi lain. Mereka berada di dalamnya untuk jangka panjang dan bersedia mengerjakan semua aspek bisnis mereka (penciptaan, jaringan, pemasaran, konsumsi) sedikit setiap hari karena mereka memahami bahwa kesuksesan sejati akan tiba dalam beberapa tahun, bukan minggu.

6.) Artis Amatir percaya bahwa mereka tidak membutuhkan jadwal atau organisasi

Sementara seniman amatir menganut gagasan seniman sebagai jiwa bebas hippie yang tidak perlu mengikuti aturan masyarakat, seniman profesional tahu bahwa seseorang harus teratur dan disiplin dalam hidup mereka agar tidak sembrono dalam bekerja.

Jadilah teratur dan teratur dalam hidup Anda, sehingga Anda mungkin kasar dan orisinal dalam pekerjaan Anda. ~Gustave Flaubert Seorang seniman profesional tahu bahwa penting untuk menghormati waktu produktivitas kreatif mereka dan menghemat tugas rutin yang menghabiskan waktu seperti menjawab email dan memperbarui akun Twitter dan Facebook mereka di lain waktu. Mereka tahu pentingnya menjadwalkan aktivitas mereka, mengatur ruang kerja mereka , dan menghindari gangguan pada produktivitas kreatif mereka.

7.) Artis Amatir tidak pernah menyelesaikan pekerjaannya

Seorang seniman amatir selalu sibuk mengedit, merevisi, memformat ulang, mengulang, dan merekam ulang karyanya untuk dianggap selesai. Ini tidak hanya membuat mereka tidak bisa melanjutkan dan mengerjakan karya atau seni berikutnya, tetapi juga membuat mereka tidak harus merilisnya ke dunia. Mereka mengatakan pada diri mereka sendiri bahwa mereka hanyalah “perfeksionis” dan hanya dengan sedikit waktu lagi, mereka bisa melakukannya dengan benar. “Benih karya seni Anda berikutnya terletak pada ketidaksempurnaan karya Anda saat ini. Ketidaksempurnaan seperti itu adalah panduan Anda – panduan yang berharga, objektif, tidak menghakimi untuk hal-hal yang perlu Anda pertimbangkan kembali atau kembangkan lebih lanjut.” ~David Bayles

Seniman profesional telah belajar bahwa seni mereka adalah sebuah proses dan tidak ada yang mereka ciptakan akan sempurna. Mereka telah belajar untuk menerima ini dan mereka terus melakukan pekerjaan mereka di luar sana mengetahui bahwa beberapa orang akan mengkritik dan tidak memahaminya. Mereka memahami bahwa semakin cepat mereka menyelesaikan satu bagian, semakin cepat mereka dapat mulai mengerjakan bagian berikutnya. Oleh karena itu, setiap pekerjaan tidak menjadi tujuan tetapi hanya batu loncatan dalam perjalanan mereka. Mereka tidak membuat kesalahan dengan terlalu mengidentifikasi dengan sebuah karya seni atau menjadikannya bagian dari identitas mereka sebagai seorang seniman. Mereka membiarkannya begitu saja, mengetahui bahwa pengalaman itu akan mengajari mereka apa yang perlu mereka ketahui.

8.) Artis Amatir terlalu sibuk belajar untuk melakukan apapun

Seniman amatir seringkali begitu sibuk membaca buku dan menghadiri lokakarya sehingga mereka jarang punya waktu untuk berkarya. Seniman profesional tahu bahwa akan selalu ada lebih banyak hal untuk dipelajari, tetapi itu tidak menghentikan mereka dari membuat kesalahan dan terus belajar. Mereka tahu bahwa guru terbaik hampir selalu adalah pengalaman, dan semakin cepat mereka membuat kesalahan ini, semakin cepat mereka akan mempelajari apa yang perlu mereka ketahui.

Buku, kelas, dan lokakarya sangat bagus selama itu tidak menghalangi Anda untuk benar-benar menciptakan karya seni Anda. Seorang profesional tidak khawatir tentang mengetahui setiap teknik dalam buku ini dan tidak terjebak oleh “bagaimana-jika”. Mereka hanya mempelajari dasar-dasarnya dan kemudian mulai bekerja menemukan apa yang perlu mereka ketahui seiring berjalannya waktu.

9.) Artis Amatir mengisolasi diri dari komunitas artis

Sebagai artis/penulis/musisi dll. kita bukan hanya pencipta tapi kita juga konsumen. Kita harus mengelilingi diri kita tidak hanya dengan karya seniman lain di bidang kita tetapi juga seniman itu sendiri.

Jika kita seorang penulis, kita perlu membaca karya orang lain. Jika kita seorang musisi, kita perlu mendengarkan musik orang lain. Jika kita adalah seniman visual, kita perlu melihat seni dan fotografi orang lain. Kami tidak melakukan ini untuk menjadi iri atau untuk memulai putaran lain dari rasa kasihan dan kebencian diri. Kami melakukan ini karena kami perlu keluar dari pikiran kami sendiri dan melihat dunia dari perspektif baru.

Kita juga perlu terhubung dengan seniman lain dan komunitas seni yang lebih besar. Terlalu sering seniman amatir cenderung mengasingkan diri dari seniman lain karena mereka merasa iri dengan kesuksesan mereka atau tidak layak mendapat perhatian mereka. Kami telah berbicara secara luas di situs ini tentang kekuatan kelompok sebaya artis dan tentang pentingnya pergi ke sana dan terhubung dengan suku artis Anda.