10 Lukisan Terbaik di National Galleries of Scotland di Edinburgh, Galeri Nasional Skotlandia terdiri dari Galeri Nasional Skotlandia, Galeri Seni Modern Nasional Skotlandia, dan Galeri Potret Nasional Skotlandia, semuanya di Edinburgh. Museum menelusuri sejarah mereka kembali ke tahun 1850, ketika konstruksi dimulai di Galeri Nasional. Lukisan-lukisan dalam daftar ini hanyalah sebagian kecil dari koleksi galeri, yang mencakup kelompok seniman yang jauh lebih beragam daripada yang ditampilkan di sini. (Dan jika Anda ingin mempelajari tentang lima lukisan galeri lagi, lihat satu daftar lagi .)
Collioure (1905)
André Derain menghabiskan sebagian besar masa kecilnya di kota kecil Prancis Chatou, dekat Paris. Dua puluh tahun kemudian dia berbagi studio di sana, di atas sebuah restoran bekas, dengan temannya dan sesama artis Maurice de Vlaminck . Kedua pelukis itu sangat berpengaruh satu sama lain, memanfaatkan palet cerah yang sama, diterapkan dalam sapuan warna kasar untuk mendapatkan efek cahaya dalam penggambaran lanskap Mediterania mereka. Kedua seniman itu terkait erat dengan Henri Matisse dan Pablo Picasso , yang merupakan generasi pertama Fauves dan Kubisme. Collioureselesai pada musim panas 1905, setelah Derain dibebaskan dari dinas militer.
Menurut mybabyjo.com Di pelabuhan Prancis selatan ini sang seniman, bekerja bersama Matisse, melapisi kanvasnya dengan cat putih sebelum menerapkan mosaik dekat dengan warna cemerlang untuk mencapai efek cahaya terang yang tidak menimbulkan bayangan. Derain, yang sudah berpengalaman dalam lukisan Neo-Impresionis, menerapkan teori warna seniman seperti Georges Seurat untuk menggabungkan efek komposisi buatan dalam warna intens dengan realitas yang diamati. Karya tersebut kemudian dibeli oleh dealer Ambroise Vollard dan dipamerkan di Salon d’Automne bersama dengan karya Matisse, Vlaminck, dan lainnya. Digantung sebagai sebuah kelompok, lukisan-lukisan ini segera dijuluki Kandang aux Fauves(Cage of Wild Beasts) karena penggunaan warna-warna cerah yang “liar”. Ini menandai lahirnya Fauvisme. (Jessica Gromley)
Lake Thun and the Stockhorn Mountains (1910)
Lake Thun and the Stockhorn Mountains adalah salah satu dari serangkaian lanskap gunung di dekat Danau Thun, yang dihasilkan di akhir karier Ferdinand Hodler. Dari pertengahan abad ke-19, Swiss mulai mengalami perkembangan industri dan invasi turis, tetapi tidak ada yang terlihat di lanskap Swiss Hodler. Sebagai Simbolis yang dipengaruhi oleh bacaannya tentang filsuf Arthur Schopenhauer, Hodler lebih tertarik pada suasana adegan daripada dunia penampilan yang dangkal. Untuk mencapai ini, dia mengubah bentuk pemandangan melalui subjektivitasnya sendiri. Dalam Simbolisme, objek diratakan, disederhanakan, dan diubah menjadi pola. Horizontalitas adalah kunci untuk lukisan khusus ini.
Terlepas dari kemiripannya yang jelas, jika tidak realistis, dengan rumput, air, gunung, langit, dan awan, ia dapat dibaca sebagai enam pita warna berirama. Horisontal menandakan kematian Hodler, tema umum dalam lukisannya dan simbolis lainnya, tetapi dalam pekerjaan ini kematian bukanlah akhir tetapi hanya satu bagian dari siklus hidup tanpa akhir yang diungkapkan melalui simetri bentuk di bumi dan awan. Gunung-gunung dikelilingi dalam lingkaran awan dan dengan sendirinya menggugahPenampakan gunung yang mistis dari Wassily Kandinsky kemudian. Pada tahun 1919 Hodler menyatakan bahwa dalam perenungannya tentang alam dia merasa bahwa dia sedang berdiri di ujung bumi dan berkomunikasi dengan alam semesta. Dia memotong ruang di mana penonton akan berdiri untuk menekankan luasnya dunia dan untuk menyarankan realitas di luar pengalaman fisik melihat.
Ratu Anne (c. 1685)
Lahir di Amsterdam, Willem Wissing berlatih di Den Haag dan Paris. Ia menjadi asisten Sir Peter Lely setibanya di London pada 1676. Setelah kematian Lely empat tahun kemudian, Wissing membantu menyelesaikan lukisan Lely yang belum selesai. Selanjutnya ia menjadi pelukis potret yang modis. Dia melukis banyak potret anggota istana Stuart, termasuk Putri, kemudian Ratu, Anne. Pada tahun 1684 ia dikirim ke Belanda oleh Raja James II untuk melukis Pangeran Oranye dan Putri Mary. Jan van der Vaardt lahir di Haarlem di Belanda dan pada tahun 1674 pindah ke London, di mana ia menghabiskan sisa hidupnya. Dia menjadi asisten Wissing, terutama melukis pemandangan alam, benda mati, dan gorden dalam lukisannya.
Setelah kematian Wissing pada tahun 1687, van der Vaardt mendirikan praktik potretnya sendiri, mendasarkan gayanya pada Wissing, meskipun karyanya kurang dipoles. Potret Ratu Anne, ketika Putri Denmark, 1665 – 1714dilukis sebelum Anne naik takhta pada 1702. Putri Anne berusia 20 tahun pada 1985, dan potret itu dilukis dua tahun setelah Anne menikah dengan Pangeran George dari Denmark. Mungkin ada beberapa versi lukisan ini, yang akan diberikan sebagai hadiah kepada teman dan keluarga. Anjing di kakinya mengacu pada kesetiaan dalam pernikahan, pilar melambangkan kekuatan spiritual, dan mawar melambangkan kemurnian. Selama pernikahannya, Anne mengalami banyak keguguran, dan dia melahirkan 12 anak, tidak ada yang selamat. Ratu Anne adalah yang terakhir dari dinasti Stuart untuk menduduki tahta Inggris.
Baca Juga : 7 Karya Seni Kontroversial Yang Mengejutkan Dunia
Sir James MacDonald dan Sir Alexander MacDonald (c. 1749)
Karya William Mosman sering digambarkan sebagai bagian dari Sekolah potret “Barok Skotlandia”, bersama dengan pelukis kontemporer Skotlandia William Aikman, yang dengannya Mosman belajar sebentar pada tahun 1720-an, dan Allan Ramsay , yang menjadi salah satu pelukis potret Inggris terkemuka pada zamannya. Ramsay dan Mosman menghasilkan jenis potret bergaya yang sama dengan gaya Eropa—pendekatan yang halus dengan memperhatikan kain dan pencahayaan. Namun, sementara karya Ramsay kosmopolitan dan canggih, potret ganda inimemiliki pesona yang lebih sederhana dan kualitas Mosman yang lebih membumi, kepada siapa lukisan itu dikaitkan (meskipun seniman sebenarnya tidak diketahui). Ini menunjukkan putra kepala suku Highland Sir Alexander MacDonald, yang memiliki perkebunan di Isle of Skye Skotlandia.
Anak laki-laki yang lebih tua, James, berpose dengan pistolnya, yang memberinya suasana yang lebih senior dan serius daripada adiknya Alexander, terlihat menikmati hobi bermain golf yang lebih polos (sudah menjadi hobi populer di Skotlandia di kalangan orang kaya) . Lanskap surut ke jarak yang kabur mengisyaratkan perkebunan keluarga penting ini dan, bersama dengan pencahayaan yang diselaraskan dengan cerdik, menggemakan lanskap puitis yang dilukis oleh Poussin dan Claude. Pakaian anak laki-laki menampilkan tiga tartan yang berbeda—tartan keluarga atau klan tidak akan menjadi umum selama 50 tahun atau lebih.
David Hume (1766)
Lahir di Edinburgh, pelukis potret Allan Ramsay belajar di London di bawah bimbingan pelukis Swedia Hans Hysing dan di St. Martin’s Lane Academy. Dia menghabiskan tiga tahun di Italia, di mana dia bekerja di bawah Francesco Solimena dan Francesco Imperiali. Dia menarik perhatian dengan potret penuh adipati Argyll dan banyak potret dada pria dan wanita Skotlandia sebelum dia akhirnya menetap di London. Sikapnya yang menyenangkan dan keahliannya dalam menggambarkan keanggunan dan individualitas membuatnya mendapatkan banyak komisi, dan membantunya mencapai status sebagai pelukis istana Raja George III. Rekan Ramsay dari Skotlandia yang terwakili dalam potret ini adalah filsuf, ekonom, dan sejarawan David Hume, yang dianggap sebagai salah satu tokoh terpenting filsafat Barat.
Bagian dari Pencerahan Skotlandia, dan sangat dipengaruhi oleh empiris John Locke dan George Berkeley, bersama dengan Isaac Newton, filosofi Hume didasarkan pada skeptisisme, mengklaim bahwa semua pengetahuan manusia datang kepada kita melalui indera kita. Hume membahas masalah sebab-akibat dalam karyanya Treatise on Human Nature and Inquiry Concerning Human Understanding dengan menyatakan bahwa meskipun kita melihat satu peristiwa mengikuti yang lain, kami tidak melihat adanya hubungan yang diperlukan antara peristiwa. David Humemenggambarkan seorang pria bertubuh tinggi dan canggih yang menatap ke depan dengan keterusterangan yang luar biasa. Fitur wajah Hume dan detail gaunnya menunjukkan keahlian menggambar Ramsey yang luar biasa dan penggunaan cahaya yang konservatif.
John Campbell, Adipati Argyll ke-4 (1767)
Potret ini ditugaskan dan diproduksi saat Thomas Gainsborough masih berbasis di Bath, sebelum pindah ke London. Namun demikian, ia menarik berbagai klien yang semakin bergengsi. Untuk sebagian besar karirnya, Gainsborough mempertahankan persaingan sengit dengan Sir Joshua Reynolds . Kedua seniman memiliki pendekatan yang sangat berbeda. Reynolds, dengan latar belakang akademisnya, akan menangani pengasuh semacam ini dengan melukisnya dengan cara yang megah. Posenya akan menggemakan patung klasik atau lukisan karya seorang Guru Tua, sementara monumen di latar belakang akan menampilkan ukiran dengan beberapa kiasan mitologis atau alegoris.
Gainsborough membenci keangkuhan semacam ini. Pelatihannya sendiri termasuk tugas dengan Hubert Gravelot, seorang ilustrator dan pengukir populer, dan ini telah memengaruhi pendekatannya sendiri, yang lebih ringan, lebih langsung, dan tidak terlalu artifisial daripada potret mana pun oleh Reynolds. Di sini, pose John Campbell sepenuhnya alami dan monumen, meskipun cukup mengesankan untuk mengisyaratkan latar belakang militer, pada dasarnya tidak lebih dari sebuah penyangga. Gainsborough hanya mengandalkan seragam pria dan simbol kantornya untuk menyampaikan pangkatnya yang tinggi. Duke membawa staf upacara yang menandakan jabatannya sebagai Penguasa Keturunan Rumah Tangga Kerajaan. Dia juga anggota Ordo Thistle, dan dia dengan bangga memamerkan lencananya di dadanya. Dia adalah seorang prajurit terkemuka dan pernah menjabat sebagai Kolonel Dragoons Inggris Utara.
Robert Burns (1787)
Alexander Nasmyth telah dijuluki sebagai “bapak lukisan pemandangan Skotlandia”, tetapi tidak ada karya lain yang ia lukis seterkenal potret penyair paling terkenal di Skotlandia ini . Itu ditugaskan oleh penerbit Edinburgh William Creech untuk menghiasi edisi baru Robert Burnspuisi pada tahun 1787, tetapi Burns dan Nasmyth sudah berteman baik sebelum duduk. Potret setengah panjang yang dibingkai oval, gambar itu menunjukkan Burns percaya diri dan berpakaian bagus, sedikit geli di sekitar mata dan bibirnya.
Latar belakang lanskap, sugestif dari Ayrshire asli Burns, memberikan nada melankolis. Ini adalah potret Romantis, mengidentifikasi penyair dengan alam dan keinginan diri, tetapi ditempa oleh rasa rasionalisme Pencerahan. Gambar itu dibiarkan sebagian belum selesai karena Nasmyth berhenti melukis begitu dia puas dengan apa yang telah dia capai. (Hibah Registrasi)
Sir Walter Scott (1822)
Sebagian besar otodidak, pelukis Skotlandia Sir Henry Raeburn awalnya magang ke tukang emas; pernikahannya dengan seorang janda kaya pada tahun 1780 memungkinkan dia untuk mengejar karirnya sebagai seniman. Pada akhir 1780-an, ia dianggap sebagai pelukis potret terkemuka di negara itu, dan ia bertanggung jawab untuk melukis beberapa tokoh Skotlandia paling berpengaruh pada masa itu. Pada tahun 1819 Raeburn ditugaskan untuk melukis penulis dan pahlawan nasional Sir Walter Scott. Scott awalnya menunjukkan keengganan. Dia telah duduk untuk artis pada tahun 1808, dan, meskipun pujian kritis meluas untuk lukisan awal ini dan dampaknya pada jalannya potret Romantis, Scott dilaporkan tidak senang dengan penampilan yang sangat serius yang diberikan kepadanya.
Raeburn mulai mengerjakan potret baru Scott pada awal 1820-an. Bekerja dalam warna kontras gelap dan dengan sapuan kuasnya yang berani, Raeburn menggambarkan seorang pria di puncak karir dan pengaruhnya. Beberapa hari setelah selesainya lukisan ini, Raeburn sudah mati. Potretnya tentang Scott akan menjadi salah satu karyanya yang terakhir, dan juga salah satu karya terbesarnya. Dengan memilih untuk tetap tinggal di tanah kelahirannya, Raeburn mengorbankan sebagian dari kesempatan yang tersedia bagi banyak seniman potret London. Namun keputusannya memungkinkan dia untuk mengembangkan gaya yang lebih individual dan mempelopori Sekolah Skotlandia yang berkembang pada periode itu. Terpilih sebagai presiden Masyarakat Seniman Edinburgh pada tahun 1814, pengaruhnya yang signifikan selanjutnya diakui dalam gelar ksatria, yang diberikan oleh Raja George IV setahun sebelum kematian seniman tersebut.
Baca Juga : Makna Dibalik Beberapa Lukisan Terkenal
Sir James Matthew Barrie (1904)
Sir William Nicholson bekerja dalam desain potret dan teater pada awal abad ke-20. Pada tahun 1904 ia merancang set dan kostum untuk produksi tahap pertama dari JM Barrie ‘s Peter Pan di London. Saat itulah Barrie setuju, dengan sedikit keengganan, untuk duduk untuk potretnya. Ini adalah presentasi yang luar biasa suram dari seorang penulis yang saat itu berada di puncak kesuksesan. Barrie berdiri hampir di profil, tangan di saku. Ciri-cirinya pucat, meskipun ada ketajaman tentang mata. Sebagian besar kanvas diisi dengan kekosongan, sosok itu menyusut dan terisolasi oleh sekitarnya. Tidak ada satu detail atau percikan kecerahan yang mengurangi apa yang digambarkan oleh humoris Sir Max Beerbohm sebagai “gairah untuk nada rendah” Nicholson. Potret itu bisa dibaca sebagai ekspresi kesepian batin Barrie, atau mungkin cerminan komitmen Nicholson untuk menghindari kepentingan diri sendiri.
Three Oncologists (2002)
seniman Inggris Ken Currieadalah gambar yang tak terhapuskan yang mengartikulasikan ketakutan yang dirasakan orang ketika merenungkan kenyataan dan mitos kanker. Dalam lukisan ini, Currie—seorang seniman yang karyanya sering mengeksplorasi konsekuensi emosional penyakit dan gagasan penyakit sebagai metafora untuk keadaan sosial, politik, dan pribadi—mewakili tekanan hampir spiritual yang ditempatkan pada ahli onkologi sebagai pemberi penyembuhan diduga dalam menghadapi penyakit. Tiga pria yang digambarkan dalam lukisan ini adalah profesor di Departemen Bedah dan Onkologi Molekuler di Rumah Sakit dan Sekolah Kedokteran Ninewells di Dundee, Skotlandia.
Sir Alfred Cuschieri, Kepala Departemen dan Profesor Bedah, terletak di tengah dengan Sir David Lane, Profesor Onkologi Molekuler, di sebelah kanannya dan ahli bedah Profesor RJ Steele di sebelah kirinya. Melalui penggunaan catnya yang bercahaya—orang-orang yang dikelilingi oleh kegelapan yang tak menyenangkan dan berpose seolah-olah terganggu di tengah operasi—Currie menampilkan sosok-sosok itu sebagai sosok-sosok spektral yang melayang di atas pembagian antara hidup dan mati.
