8 Seniman Terkenal Yang Dilatih Secara Otodidak – Manusia telah membuat seni sejak awal waktu, seringkali dengan sedikit pendidikan dalam materi, teknik, atau teori, namun gagasan “seniman otodidak” adalah fenomena yang relatif baru. Untuk menciptakan seni di luar saluran tradisional, Anda harus terlebih dahulu membuat saluran tradisional itu—yang biasanya kami maksudkan dengan sekolah dan akademi mapan yang mengkodifikasi pendidikan seni ke dalam standar dan praktik yang ditentukan. Dan di Barat, sejarah itu sebagian besar dimulai pada 1635 dengan Académie Française, yang secara radikal memprofesionalkan bidang seni.
8 Seniman Terkenal Yang Dilatih Secara Otodidak
mybabyjo – Untuk abad berikutnya—atau setidaknya sampai abad ke-18, para pemikir Pencerahan mengantarkan individualisme dan nalar sebagai tantangan terhadap tradisi dan otoritas—akademi mampu mempertahankan kekuatannya dan tidak banyak menghadapi pemberontakan. Tetapi hanya masalah waktu sebelum seniman di Barat mempertanyakan lembaga-lembaga tinggi ini, dan abad ke-19 memberikan beberapa contoh paling awal dan paling dihargai dari seniman otodidak. Ini adalah era yang memunculkanHenri Rousseau, dan tak lama kemudian,Vincent Van Gogh. Yang terakhir menerima pelatihan formal yang sangat sedikit, meskipun ia memiliki pengalaman bertahun-tahun di dunia seni ; Rousseau mungkin tidak menerima sama sekali.
Baca Juga : Latihan Seni Amatir dan Sehari-hari di Tiongkok Sosialis
Di luar kanon Barat, gagasan otodidak bisa berarti sesuatu yang sangat berbeda. Memang, di beberapa wilayah di dunia, seniman yang beroperasi di luar sistem yang ditentukan dipandang lebih maju daripada seniman profesional, dan aturan serta formalitas yang disiratkan oleh kategori terakhir terlihat menghambat kreativitas sama sekali. Joanna Williams, profesor emerita seni India dan Asia Tenggara di University of California–Berkeley, telah menulis bahwa konsep Barat tentang seniman otodidak “akan terdengar sangat aneh di Cina, di mana pelukis amatir, berstatus sosial tinggi, [ telah] dianggap sebagai model ‘jenius’, lebih tinggi dari sekadar profesional.”
Para pembuat seni yang tidak terlatih yang mengikutinya, semuanya dari 150 tahun terakhir, berhasil membuat tanda mereka dengan sedikit atau tanpa bimbingan sekolah seni.
Henri Rousseau
Seorang seniman yang tumbuh di era PerancisImpresionisdanPost-Impresionis, Henri Rousseau tidak memiliki pelatihan formal para seniman itu. Dia baru mulai melukis dengan sungguh-sungguh pada tahun 1884, pada usia 40 tahun. Untuk sebagian besar masa dewasanya, dia bekerja sebagai juru tulis, mendapat julukan “Le Douanier” (“petugas bea cukai”) dari para kritikus yang berusaha untuk mendiskreditkan naif, pelukis tidak sekolah. Namun dikabarkan bahwa sifat pekerjaan Rousseau yang tidak menuntut (dia tidak pernah benar-benar berhasil mencapai pangkat petugas bea cukai) justru yang memberinya waktu untuk belajar melukis sendiri; ketika dia tidak sedang memindahkan kertas, dia melakukan perjalanan ke Louvre untuk membuat sketsa dari koleksinya.
Rousseau mengembangkan pengikut, terutama di kalangan seniman, untuk apa yang dilihat oleh para pendukungnya sebagai keterusterangan dan kurangnya pretensi dalam karyanya, kualitas yang mematahkan standar akademik. Terkenal karena pemandangannya yang cerah dan eksotis, Rousseau menciptakan pemandangan seperti mimpi yang didefinisikan oleh garis sebening kristal, dan dia akan dicintai olehsurealis. Kasper König, co-kurator pameran 2015 “The Shadow of the Avant-Garde: Rousseau and the Forgotten Masters” di Museum Folkwang di Essen, Jerman, telah mencatat bahwa kejeniusan Rousseau terletak pada kemampuannya untuk menghindari jebakan komposisi akademik dan rendering naturalistik. “Rousseau tidak tertarik pada ilusi palsu,” kata König. “Itu tentang seni, bukan ilusi–– dan itu radikal.”
Avant-garde abad ke-20 mengakui nilai Rousseau. Pada akhir hidupnya, dia berpameran bersama van Gogh danPaul Gauguin;Henri MatissedanAndre Derain—dan karyanya dikumpulkan olehPablo Picasso, yang kemudian mewariskan beberapa lukisan Rousseau ke Louvre.
Vincent Van Gogh
Salah satu seniman paling berpengaruh di era modern, Vincent van Gogh hampir seluruhnya belajar secara otodidak. Karakter yang rumit dan pendiam, van Gogh tidak memiliki selera untuk kelas. Dia diajar sejak usia muda oleh ibu dan pengasuh keluarganya, setelah usahanya di pendidikan di luar rumah menemui kegagalan. Pertama adalah tugas yang gagal di sekolah asrama, kemudian dua tahun yang tidak bahagia di sekolah menengah sebelum ia memasuki dunia kerja sebagai asisten pedagang seni pada usia 16 tahun.
Ketika van Gogh akhirnya kecewa dengan hal itu, dia mencoba masuk seminari untuk menjadi seorang pendeta, tetapi gagal dalam ujian masuknya. Dia kemudian menjalani (dan juga gagal) satu semester di sekolah misionaris, meskipun dia masih mendapatkan pekerjaan sebagai misionaris pada tahun 1879. Ketika saudaranya, Theo, melihat beberapa sketsa kongregasi petani miskinnya, dia memohon Vincent untuk mengejar seni. , menghasilkan upaya yang sangat singkat di Académie Royale des Beaux-Arts di Brussels pada tahun 1880.
Selama sisa hidupnya yang sangat singkat, van Gogh hanya berfokus pada lukisan, melihat contoh seni grafis balok kayu Jepang dan inovasi formal rekan-rekannya, di antara pengaruh lainnya. Tapi dia akhirnya mengembangkan gaya pribadi yang intens yang memicu banyak pekerjaan. Sementara penggemar van Gogh dengan cepat menunjukkan gejolak emosinya sebagai analog dengan gayanya yang istimewa, sapuan kuasnya yang berputar-putar dan energik serta nada ekspresif yang berani juga merupakan ciri khas gaya mandiri yang ditempa melalui pendidikan mandiri.
Frida Kahlo
Ayah Frida Kahlo, seorang fotografer Jerman, mengakui janji artistik putrinya ketika dia masih kecil, mengajar fotografinya dan merekrut temannya, seorang pembuat grafis, untuk memberinya instruksi informal dalam seni grafis. Ketika dia melebihi harapan artis lokal, dia melangkah lebih jauh dengan memberinya posisi berbayar sebagai magang ukirannya. Kahlo muda, bagaimanapun, mengarahkan pandangannya ke sekolah kedokteran. Tragisnya, magang dan pendidikannya terputus ketika dia menjadi korban kecelakaan mobil yang hampir fatal pada usia 18 tahun.
Selama masa pemulihannya, Kahlo yang pragmatis mempertimbangkan karier sebagai ilustrator medis yang akan mengubah hobi artistiknya menjadi sesuatu yang lebih. Dia memiliki kuda-kuda yang dibuat khusus dengan cermin sehingga dia bisa melihat dirinya melukis meskipun mobilitasnya terbatas, yang mengarah pada potret diri dan pengamatan anatominya sendiri. Dengan tepat, ketika dia mengembangkan gayanya, Kahlo mendapati dirinya tidak tertarik pada metode ilustrasi, tetapi pada ekspresi pribadi. Dia mulai memadukan perangkat formal modern dengan tradisi rakyat Meksiko dan jenis citra Katolik vernakular yang dihasilkan oleh seniman yang tidak terlatih.
Ketertarikan Kahlo—baik pribadi maupun intelektual—dalam pertanyaan tentang identitas Meksiko membuatnya mengenakan pakaian lokal dan mendandani dirinya sebagai mestiza Meksiko-Jerman dengan cara yang tercermin dalam banyak potret diri yang ia hasilkan selama hidupnya. Namun, tekniknya, dan—seni rakyatyang disayanginya, juga terkait erat dengan pemahamannya tentang apa yang dimaksud dengan seni avant-garde—yaitu, perlawanan dan alternatif pelatihan seni akademis yang dapat ditemukan dalam praktik seni lokal.
Bill Traylor
Menulis tentang seniman otodidak Bill Traylor pada tahun 2013, kritikus seni New York Times Roberta Smith melukiskan gambaran yang agak suram: “Bakat Bill Traylor muncul tiba-tiba pada tahun 1939 ketika dia berusia 85 tahun dan memiliki 10 tahun untuk hidup.” Lahir dalam perbudakan di perkebunan Alabama pada tahun 1854, Traylor tidak menerima pendidikan formal dalam hal apa pun, apalagi pelukan dari dunia seni yang tidak pernah diharapkan untuk dihuninya. Bahkan setelah dibebaskan pada akhir Perang Saudara, ia dipaksa untuk tetap menjadi petani bagi hasil di Jim Crow South. Dia hanya pindah ke peternakan lain pada tahun 1935 karena, seperti yang dia katakan, “Orang kulit putih saya telah meninggal, dan anak-anak saya telah tersebar.”
Dipaksa pensiun oleh rheumatoid arthritis, Traylor menjadi tunawisma dan tidur di ruang belakang rumah duka pada tahun 1930-an. Karena tidak memiliki sarana untuk menghidupi dirinya sendiri, ia mulai membuat gambar dan lukisan kecil dengan bahan apa pun yang bisa ia cari. Ketika seorang seniman muda bernama Charles Shannon menemukan karya Traylor secara kebetulan pada tahun 1939, dia memberinya bahan segar, apresiasi, dan dorongan—bahan bakar untuk Traylor, yang menjadi sangat produktif, mengisi gambar demi gambar dengan figur orang, tempat, dan gambar yang disederhanakan. simbol-simbol lain yang berhubungan dengan pengalaman pribadinya. Tubuh karya yang akan ia ciptakan dalam waktu terbatas dengan sarana yang sangat terbatas dirayakan karena estetikanya yang inovatif dan tidak terdidik, serta jendela artistik yang diciptakannya ke dalam striktur kehidupan kulit hitam di Selatan selama era Rekonstruksi.
Grandma Moses
Ditemukan pada usia 78, Anna Mary Robertson “Nenek” Moses membuat seni sepanjang hidupnya, meskipun dia tidak menerima pendidikan formal. Seorang pembantu rumah tangga kota kecil yang menjadi ibu rumah tangga, dia, menurut obituari New York Times dari tahun 1961, “seorang ‘primitif’ otodidak, yang di masa kanak-kanak mulai melukis apa yang dia sebut ‘lambscapes’ dengan memeras jus anggur atau lemon. jus untuk mendapatkan warna.” Di masa dewasa mudanya, dia menyalin adegan dari gambar yang diproduksi oleh perusahaan seni grafis Amerika Currier and Ives. Ketika keluarganya berkembang, seni Musa tumbuh lebih domestik, atau setidaknya apa yang bisa disebut dekoratif: pemandangan yang dilukis di papan api keluarganya; gambar bordir yang terbuat dari benang; selimut besar; boneka untuk cucunya.
Faktanya, seandainya Musa tidak menderita radang sendi di tahun-tahun terakhirnya, dia mungkin tidak akan beralih dari jarum jahitnya kembali ke kuas yang lebih mudah di masa mudanya. Namun demikian, ia menjadi sangat produktif, dan dikatakan telah menghasilkan lebih dari 1.500 karya yang mewakili kesederhanaan masa lalu dalam gambaran langsung, cerah, dan realistis. Kenaikan ketenarannya terjadi ketika seorang kolektor seni menemukan beberapa karyanya di jendela toko obat, memainkan latar belakang sederhana untuk makanan yang dipanggang dan selai yang juga dia buat untuk dijual.
Tahun berikutnya, pada tahun 1939, tiga dari lukisan-lukisan itu dimasukkan dalam pameran “Pelukis Amerika Kontemporer Tidak Dikenal” Museum Seni Modern , dan hanya satu tahun setelah itu, Moses memiliki pertunjukan solonya sendiri yang sukses. Pada saat kematiannya pada tahun 1961, ia telah menjadi nenek otodidak seni rakyat Amerika dan dianugerahi dua gelar doktor kehormatan, termasuk (ironisnya cukup) satu dari perguruan tinggi seni dan desain.
Henry Darger
Dari tahun 1930 hingga kematiannya pada tahun 1973, penjaga rumah sakit Chicago Henry Darger menghabiskan sebagian besar waktu senggangnya di apartemennya, dengan susah payah dan penuh kasih menulis dan mengilustrasikan apa yang akan menjadi karya terbesarnya. Terdiri dari 15.145 halaman dan ratusan ilustrasi, In the Realms of the Unreal menceritakan kisah Vivian Girls: putri-putri cilik dari negara Kristen yang membantu merekayasa pemberontakan melawan sistem perbudakan yang dipaksakan oleh kerajaan jahat.
Bekerja dengan campuran cat air dan kolase yang dibuat dari majalah populer dan buku mewarnai, ia secara obsesif menggambarkan tindakan para pahlawan wanitanya, yang tindakannya diselingi dengan penderitaan dan penyiksaan tragis di tangan para pengeksploitasi mereka. Dalam narasinya yang fantastis, Vivian Girls mengingat kisah-kisah mengerikan dari para santo Katolik awal, tetapi ditampilkan seperti karakter buku komik atau gadis-gadis muda dari gambar-gambar iklan.
Darger tidak menerima pelatihan seni formal; gayanya dipengaruhi secara visual oleh budaya populer, dan secara tematis oleh pendidikannya yang bermasalah. Dikirim ke panti asuhan Katolik pada usia 8 tahun dan dilembagakan pada usia 13 tahun di Suaka Illinois untuk Anak-Anak yang Berpikiran Rendah, Darger mengidentifikasi diri sebagai seniman dan “pelindung anak-anak.” Ketika dia meninggal pada usia 81 tahun, kedua sebutan itu diukir di batu nisannya. Melawan rintangan, Darger menghasilkan epik modern dan dirayakan karena bakat bawaannya, materi pelajarannya yang sering melanggar , dan tekadnya yang teguh untuk mengejar visinya.
Yoko Ono
Sementara ayah musik Yoko Ono memastikan bahwa putrinya menerima pelatihan klasik di piano, dia tidak menerima bimbingan dalam seni visual. Setelah lulus SMA, Ono mendaftar untuk belajar filsafat di Gakushuin, sebuah universitas swasta bergengsi di Tokyo. Setelah dua tahun, dia meninggalkan sekolah untuk bergabung dengan keluarganya, yang telah pindah ke New York. Dia mendaftar di Sarah Lawrence College pada 1950-an untuk mengejar bakatnya yang cukup besar dalam komposisi musik, yang memberinya kesempatan untuk memasuki kota dan bertemu dengan seniman pada saat penyair, seniman visual, musisi, koreografer, dan pemain lainnya sedang terburu-buru. berkolaborasi dalam multimedia, karya seni lintas disiplin.
Mendaftar diJohn CageDalam kursus komposisi eksperimental di Sekolah Baru untuk Penelitian Sosial, Ono menemukan bahwa latar belakang musiknya lebih dari cukup untuk merekomendasikannya ke komunitas avant-garde di sana, termasuk penyair-komposer.La Monte Young,KonseptualartisGeorge Brecht, dan artis pertunjukanAlan Kaprow.
Itu adalah lingkungan di mana Ono berkembang. Meskipun (atau, mungkin, karena) kurangnya pendidikan seni formal, karya Ono dengan gesit mensintesis beragam komponen visual dan ide-ide teoretis, terutama dalam penampilannya. Dan sementara karir seni dan musiknya tentu saja menerima dorongan sinyal dari menikahi salah satu musisi paling terkenal di dunia pada tahun 1969, Ono tidak pernah membutuhkan bantuannya lebih dari dia membutuhkan pelatihan formal di akademi seni untuk menjadi seorang seniman mandiri yang inovatif dan terkenal di dunia. artis yang diajarkan.
Thornton Dial
Thornton Dial lahir pada tahun 1928, pewaris keluarga petani bagi hasil kulit hitam yang miskin di Alabama. Dia tidak bersekolah di sekolah yang layak sampai dia berusia 13 tahun, dan bahkan saat itu, dia malu ditempatkan di tingkat kelas dua. Besar untuk usianya dan dikondisikan untuk kerja fisik yang berat, Dial mulai bolos sekolah untuk bekerja dan menghasilkan uang. Di masa dewasanya, ia bekerja di sebuah pabrik pembuatan gerbong sampai ditutup pada tahun 1981, di mana ia mulai membuat seni sebagai hobi.
Pengalaman awal dalam pekerjaan manual ini membentuk dasar untuk pendidikan mandiri Dial dalam bahan dan teknik, yang ia terapkan dalam pekerjaan semi-figuratif, semi-abstrak yang nantinya akan berkembang menjadi kumpulan besar, seringkali-monumental, yang dapat dianggap sebagai satu kesatuan. dengan tradisi bricolage Selatan. “Kesenian saya adalah bukti kebebasan saya,” kata Dial dalam sebuah wawancara pada pertengahan 1990-an. “Ketika saya memulai karya seni apa pun, saya dapat mengambil apa pun yang ingin saya ambil. Saya mulai dengan apa pun yang sesuai dengan ide saya, hal-hal yang akan saya temukan di mana saja.”
Dial adalah ahli diagnosa yang tajam dari penyakit sistematis yang dia lihat dalam masyarakat Amerika. Tema rasisme, seksisme, dan kemiskinan muncul secara teratur dalam karyanya melalui materi yang membangkitkan kondisi kehidupan yang keras, dan judul yang merujuk pada peristiwa politik, tempat bersejarah, dan kitab suci Kristen. Dia dikenang karena kecerdikan formalnya dan kekuatan emosional dari bentuknya yang jelas dan kadang-kadang menjulang, yang menyedot benda-benda sehari-hari dari hidupnya ke dalam orbitnya, dan mengubahnya menjadi sesuatu yang luar biasa.
